Um auto-retrato é uma representação de um artista que é desenhado, pintado, fotografado ou esculpido por esse artista. Embora os auto-retratos tenham sido feitos desde os primeiros tempos, não é até o início do Renascimento, em meados do século XV, que os artistas podem ser identificados com freqüência, descrevendo-se como o assunto principal, ou como personagens importantes em seu trabalho. Com espelhos melhores e mais baratos, e o advento do retrato do painel, muitos pintores, escultores e gravadores tentaram alguma forma de autorretrato. O retrato de um homem em um turbante, de Jan van Eyck, de 1433, pode muito bem ser o primeiro auto-retrato do painel conhecido. Ele pintou um retrato separado de sua esposa, e ele pertencia ao grupo social que começou a encomendar retratos, já mais comuns entre os holandeses ricos do que no sul dos Alpes. O gênero é venerável, mas só quando o Renascimento, com o aumento da riqueza e do interesse pelo indivíduo como sujeito, se tornou verdadeiramente popular.
Tipos
Um autorretrato pode ser um retrato do artista ou um retrato incluído em uma obra maior, incluindo um retrato de grupo. Diz-se que muitos pintores incluíram representações de indivíduos específicos, incluindo eles próprios, na pintura de figuras religiosas ou outros tipos de composição. Tais pinturas não tinham a intenção de descrever publicamente as pessoas reais como elas mesmas, mas os fatos seriam conhecidos na época pelo artista e patrono, criando um ponto de discussão, bem como um teste público da habilidade do artista.
Nos primeiros exemplos sobreviventes de auto-retrato medieval e renascentista, cenas históricas ou míticas (da Bíblia ou literatura clássica) foram retratadas usando um número de pessoas reais como modelos, muitas vezes incluindo o artista, dando ao trabalho uma função múltipla como retrato, auto-retrato e história / mito pintura. Nesses trabalhos, o artista geralmente aparece como um rosto no meio da multidão ou grupo, muitas vezes em direção às bordas ou ao canto do trabalho e atrás dos principais participantes. Os quatro filósofos de Rubens (1611-12) é um bom exemplo. Isso culminou no século 17 com o trabalho de Jan de Bray. Muitos meios artísticos foram usados; Além de pinturas, desenhos e gravuras foram especialmente importantes.
No famoso Retrato de Arnolfini (1434), Jan van Eyck é provavelmente uma das duas figuras que se vislumbra num espelho – um conceito surpreendentemente moderno. A pintura de Van Eyck pode ter inspirado Diego Velázquez a se apresentar à vista como o pintor que criou Las Meninas (1656), como Van Eyck pendurou no palácio em Madri, onde trabalhou. Este foi outro floreio moderno, dado que ele aparece como o pintor (anteriormente invisível no retrato real oficial) e em pé perto do grupo da família do Rei, que eram os supostos principais temas da pintura.
No que pode ser um dos primeiros auto-retratos da infância que agora sobrevivem, Albrecht Dürer retrata a si mesmo como um estilo naturalista como um menino de 13 anos de idade em 1484. Nos últimos anos, ele aparece como um comerciante no fundo de cenas bíblicas e como Cristo.
Leonardo da Vinci pode ter tirado uma foto de si mesmo aos 60 anos de idade, por volta de 1512. A imagem é freqüentemente reproduzida diretamente como a aparência de Da Vinci, embora isso não seja certo.
No século XVII, Rembrandt pintou uma série de auto-retratos. Em O filho pródigo na taberna (c1637), um dos primeiros auto-retratos com a família, a pintura provavelmente inclui Saskia, a esposa de Rembrandt, uma das primeiras representações de um membro da família por um artista famoso. A pintura de famílias e grupos profissionais, incluindo a representação do artista, tornou-se cada vez mais comum a partir do século XVII. A partir do final do século XX, o vídeo desempenha um papel cada vez maior no autorretrato e também acrescenta a dimensão do áudio, permitindo que a pessoa fale conosco em sua própria voz.
Mulheres pintoras
Mulheres artistas são notáveis produtoras de auto-retratos; quase todas as mulheres importantes pintoras deixaram um exemplo, de Caterina van Hemessen à prolífica Elisabeth Vigée-Lebrun, e Frida Kahlo, assim como Alice Neel, Paula Modersohn-Becker e Jenny Saville, que se pintaram nuas. Vigée-Lebrun pintou um total de 37 auto-retratos, muitos dos quais eram cópias dos anteriores, pintados para venda. Até o século XX, as mulheres geralmente não podiam treinar para desenhar o nu, o que dificultava a pintura de grandes composições de figuras, o que levou muitos artistas a se especializarem em retratos. As mulheres artistas historicamente incorporaram vários papéis dentro de seu autorretrato. O mais comum é o artista no trabalho, mostrando-se no ato de pintar, ou pelo menos segurando um pincel e uma paleta. Muitas vezes, o espectador se pergunta se as roupas usadas eram aquelas em que eles normalmente pintavam, já que a natureza elaborada de muitos conjuntos era uma escolha artística para mostrar sua habilidade com detalhes finos.
Antiguidade
Imagens de artistas em atividade são encontradas na pintura egípcia antiga, escultura e também em vasos da Grécia Antiga. Um dos primeiros auto-retratos foi feito pelo escultor chefe do faraó Akhenaton, Bak, em 1365 aC. Plutarco menciona que o escultor da Grécia Antiga, Phidias, havia incluído uma representação de si mesmo em vários personagens na “Batalha das Amazonas” no Parthenon, e há referências clássicas a auto-retratos pintados, nenhum dos quais sobreviveu.
Ásia
Retratos e auto-retratos têm uma história contínua mais longa na arte asiática do que na Europa. Muitos na tradição de cavalheiros eruditos são bastante pequenos, retratando o artista em uma grande paisagem, ilustrando um poema em caligrafia sobre sua experiência da cena. Outra tradição, associada ao zen-budismo, produziu auto-retratos semi-caricaturados, enquanto outros permanecem mais próximos das convenções do retrato formal.
Arte européia
Manuscritos iluminados contêm vários auto-retratos aparentes, notadamente os de Saint Dunstan e Matthew Paris. A maioria deles mostra o artista trabalhando, ou apresentando o livro acabado para um doador ou uma figura sagrada, ou para venerar tal figura. Pensa-se que Orcagna se pintou como uma figura em um afresco de 1359, que se tornou, pelo menos de acordo com historiadores de arte – Vasari registra várias dessas tradições – uma prática comum de artistas. [Carece de fontes?] No entanto, para artistas anteriores, sem outro retrato para comparar, essas descrições são necessariamente especulativas. Entre os primeiros auto-retratos estão também dois afrescos de Johannes Aquila, um em Velemér (1378), o oeste da Hungria, e um em Martjanci (1392), no nordeste da Eslovênia. Na Itália, Giotto di Bondone (1267-1337) incluiu-se no ciclo de “homens eminentes” no Castelo de Nápoles, Masaccio (1401-1428) descreveu-se como um dos apóstolos na pintura da Capela Brancacci, e Benozzo Gozzoli inclui-se, com outros retratos, na Procissão dos Magos do Palazzo Medici (1459), com seu nome escrito em seu chapéu. Isso é imitado alguns anos depois por Sandro Botticelli, como espectador da Adoração dos Magos (1475), que se afasta da cena para nos olhar. Os bustos de retrato esculpidos do século XIV e da família Parler na Catedral de Praga incluem auto-retratos, e estão entre os primeiros desses bustos de figuras não-reais. Ghiberti incluiu uma pequena cabeça em seu trabalho mais famoso. Notavelmente, o primeiro auto-retrato pintado na Inglaterra, além de um manuscrito, é a miniatura pintada em óleo sobre tela pelo artista alemão Gerlach Flicke, 1554.
Albrecht Dürer, 1471-1528, o primeiro auto-retrato prolífico
Albrecht Dürer era um artista altamente consciente de sua imagem e reputação públicas, cuja principal renda vinha de suas antigas gravuras, todas contendo seu famoso monograma, que eram vendidas em toda a Europa. Ele provavelmente se mostrava com mais frequência do que qualquer artista antes dele, produzindo pelo menos doze imagens, incluindo três retratos a óleo e figuras em quatro retábulos. O mais antigo é um desenho de ponto de prata criado quando ele tinha treze anos de idade. Aos vinte e dois anos, Dürer pintou o autorretrato com Carnation (1493, Louvre), provavelmente para enviar a sua nova noiva. O autorretrato de Madri (1498, Prado) mostra Dürer como um elegante vestido italiano, refletindo o sucesso internacional que ele alcançara até então. Em seu último autorretrato, vendido ou dado à cidade de Nuremberg, e exposto publicamente, que eram poucos retratos, o artista se mostrava com uma semelhança inconfundível com Jesus Cristo (Munique, Alte Pinakothek). Mais tarde, ele reutilizou o rosto em uma gravura religiosa de, reveladamente, o Véu de Verônica, o “auto-retrato” de Cristo (B.25). Um auto-retrato em guache que ele enviou para Raphael não sobreviveu. Uma xilogravura de uma casa de banho e um desenho mostram auto-retratos virtualmente nus.
Renascimento e barroco
Os grandes pintores italianos do Renascimento fizeram comparativamente poucos auto-retratos formais pintados, mas freqüentemente incluíam-se em obras maiores. A maioria dos auto-retratos individuais que eles deixaram foram representações diretas; O carisma de Dürer foi raramente seguido, embora um autorretrato controversamente atribuído a David por Giorgione tivesse algo do mesmo espírito, se é um autorretrato. Há um retrato de Pietro Perugino de cerca de 1500 (Collegio del Cambio de Perugia), e um do jovem Parmigianino mostrando a vista em um espelho convexo. Há também um desenho de Leonardo da Vinci (1512) e auto-retratos em obras maiores de Michelangelo, que deu seu rosto à pele de São Bartolomeu no Juízo Final da Capela Sistina (1536-1541), e Rafael que é visto nos personagens da Escola de Atenas 1510, ou com um amigo que segura o ombro (1518). Também são notáveis dois retratos de Ticiano como um homem idoso na década de 1560. Paolo Veronese aparece como um violinista vestido de branco em seu Casamento em Caná, acompanhado por Ticiano no violão baixo (1562). Artistas do norte continuaram a fazer retratos mais individuais, muitas vezes parecendo muito com seus outros assistentes burgueses. Johan Gregor van der Schardt produziu um busto de terracota pintado de si mesmo (c.1573).
Acredita-se que a Alegoria da Prudência de Ticiano (c. 1565–1570) representa Ticiano, seu filho Orazio e um jovem primo, Marco Vecellio. Ticiano também pintou um auto-retrato tardio em 1567; aparentemente seu primeiro. La Pittura (autorretrato como a alegoria da pintura), do artista barroco Artemisia Gentileschi, apresenta-se incorporando a representação alegórica clássica da pintura, vista na máscara dramática usada ao redor do pescoço de Gentileschi, que a pintura frequentemente carrega. O foco do artista em seu trabalho, longe do espectador, destaca o drama do período barroco e a mudança do papel do artista de artesão para inovador singular. Caravaggio pintou-se em Baco no início de sua carreira, depois aparece na equipe de alguns de seus quadros maiores. Finalmente, o chefe de Golias, detido por Davi (1605-10, Galleria Borghese), é de Caravaggio.
Rembrandt e o século XVII no norte da Europa
No século XVII, os artistas flamengos e holandeses pintaram-se com muito mais frequência; até esta data, os artistas mais bem sucedidos tinham uma posição na sociedade em que um membro de qualquer profissão consideraria ter seu retrato pintado. Muitos também incluem suas famílias, seguindo novamente a prática normal para as classes médias. Mary Beale, Anthony van Dyck e Peter Paul Rubens nos deram inúmeras imagens de si mesmos, os últimos também pintando sua família. Essa prática era especialmente comum para as mulheres artistas, cuja inclusão de suas famílias era muitas vezes uma tentativa deliberada de mitigar as críticas à profissão, o que causava distração de seu “papel natural” de mães.
Rembrandt foi o autor-retratista mais frequente, pelo menos até o período moderno auto-obcecado, muitas vezes também pintando sua esposa, filho e amante. Ao mesmo tempo, cerca de noventa pinturas foram contadas como auto-retratos de Rembrandt, mas sabe-se agora que ele fez seus alunos copiarem seus próprios auto-retratos como parte de seu treinamento. A erudição moderna reduziu a contagem de autógrafos para mais de quarenta pinturas, bem como alguns desenhos e trinta e uma gravuras, que incluem muitas das imagens mais notáveis do grupo. Muitos o mostram posando em trajes quase históricos, ou fazendo caretas para si mesmo. Suas pinturas a óleo acompanham o progresso de um jovem incerto até o elegante e bem-sucedido retratista da década de 1630, até os conturbados, mas maciçamente poderosos, retratos de sua velhice.
Depois Rembrandt
Na Espanha, havia auto-retratos de Bartolomé Estéban Murillo e Diego Velázquez. Francisco de Zurbarán representou-se em Lucas Evangelista aos pés de Cristo na cruz (por volta de 1635). No século 19, Goya se pintou inúmeras vezes. Auto-retratos franceses, pelo menos depois de Nicolas Poussin tendem a mostrar o status social do artista, embora Jean-Baptiste-Siméon Chardin e alguns outros, em vez disso, mostrassem seu traje real de trabalho de forma muito realista. Essa foi uma decisão que todos os autorretratistas do século XVIII precisaram fazer, embora muitos tenham se pintado em trajes formais e informais em diferentes pinturas. Posteriormente, pode-se dizer que os pintores mais significativos nos deixaram pelo menos um auto-retrato, mesmo após o declínio do retrato pintado com a chegada da fotografia. Gustave Courbet (veja abaixo) foi talvez o autor-retratista mais criativo do século XIX, e o estúdio do Artista e Bonjour, Monsieur Courbet, são talvez os maiores autorretratos já pintados. Ambos contêm muitas figuras, mas estão firmemente centrados na figura heróica do artista.
Auto-retratistas modernos e prolíficos
Um dos mais famosos e mais prolíficos auto-retratistas foi Vincent van Gogh, que desenhou e pintou a si mesmo mais de 43 vezes entre 1886 e 1889. Em todos esses auto-retratos, percebe-se que o olhar do pintor raramente é dirigido. para nós; mesmo quando é um olhar fixo, ele parece procurar em outro lugar. Essas pinturas variam em intensidade e cor e algumas retratam o artista com ataduras; representando o episódio em que ele cortou uma das suas orelhas.
Os muitos auto-retratos de Egon Schiele estabelecem novos padrões de abertura, ou talvez de exibicionismo, representando-o nu em muitas posições, às vezes se masturbando ou com uma ereção, como em Eros (1911). Stanley Spencer deveria seguir um pouco nesse sentido. Max Beckmann foi um pintor prolífico de auto-retratos, como foi Edvard Munch que fez um grande número de pinturas de auto-retrato (70), gravuras (20) e desenhos ou aquarelas (mais de 100) ao longo de sua vida, muitos mostrando ele sendo mal tratado por vida, e especialmente por mulheres. Usando obsessivamente o auto-retrato como expressão artística pessoal e introspectiva, Horst Janssen produziu centenas de autorretratos, mostrando-lhe uma ampla gama de contextos, principalmente em relação à doença, ao mau humor e à morte. A exposição de 2004 “Schiele, Janssen. Selbstinszenierung, Eros, Tod” (Schiele, Janssen: Auto-dramatização, Eros, Morte) no Museu Leopold em Viena, em paralelo com os trabalhos de Egon Schiele e Horst Janssen, ambos fortemente baseados em sujets eróticos e morte em combinação com auto-retrato implacável. Frida Kahlo, que depois de um terrível acidente passou muitos anos acamada, só com uma modelo, foi outro pintor cujos autorretratos retratam uma grande dor, tanto física quanto mental. Seus 55 auto-retratos incluem muitas de suas próprias da cintura para cima, e também algumas representações de pesadelo que simbolizam seus sofrimentos físicos.
Ao longo de sua longa carreira, Pablo Picasso costumava usar autorretratos para se apresentar nas diferentes formas, disfarces e encarnações de sua persona artística autobiográfica. Do jovem desconhecido período “Yo Picasso” ao período “Minotauro no Labirinto”, ao período “velho Cavaleiro” e aos “lascivos artistas e modelos antigos”. Freqüentemente, os auto-retratos de Picasso descreviam e revelavam introvisões psicológicas complicadas, tanto pessoais quanto profundas sobre o estado interior e o bem-estar do artista. Outro artista que pintou auto-retratos de personalidade interessante e reveladora ao longo de sua carreira foi Pierre Bonnard. Bonnard também pintou dezenas de retratos de sua esposa Marthe ao longo de sua vida também. Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Egon Schiele e Horst Janssen, em particular, fizeram autorretratos intensos (às vezes perturbadores) e auto-reveladores ao longo de suas carreiras.
Auto-retratos em geral
Pintores no trabalho
Muitos dos retratos medievais mostram o artista trabalhando, e Jan van Eyck, seu chapéu de acompanhante, tem as partes normalmente soltas amarradas na cabeça, dando a impressão errônea de que ele está usando um turbante, presumivelmente por conveniência enquanto pinta. No início do período moderno, cada vez mais, homens e mulheres que se pintavam no trabalho tinham de escolher entre apresentar-se com suas melhores roupas e o melhor quarto, ou retratar a prática do estúdio de maneira realista. Veja também a Galeria de Mulheres Pintores acima.
Classificação
A crítica de arte Galina Vasilyeva-Shlyapina separa duas formas básicas do autorretrato: retratos “profissionais”, nos quais o artista é retratado no trabalho e retratos “pessoais”, que revelam características morais e psicológicas. Ela também propõe uma taxonomia mais detalhada: (1) o auto-retrato “inserível”, onde o artista insere seu próprio retrato em, por exemplo, um grupo de personagens relacionados a algum assunto; (2) o auto-retrato “de prestígio ou simbólico”, em que um artista se descreve como um personagem histórico ou herói religioso; (3) o “retrato de grupo”, onde o artista é representado por membros da família ou outras pessoas reais; (4) o auto-retrato “separado ou natural”, onde o artista é representado sozinho. No entanto, pode-se pensar que essas classes são bastante rígidas; muitos retratos conseguem combinar vários deles.
Com a nova mídia surgiu a chance de criar diferentes tipos de auto-retratos além de simplesmente pinturas ou fotografias estáticas. Muitas pessoas, especialmente adolescentes, usam sites de redes sociais para formar sua própria identidade pessoal na internet. Outros ainda usam blogs ou criam páginas pessoais para criar um espaço para auto-expressão e auto-retrato.
Espelhos e poses
O autorretrato supõe, em teoria, o uso de um espelho; espelhos de vidro tornaram-se disponíveis na Europa no século XV. Os primeiros espelhos utilizados eram convexos, introduzindo deformações que o artista às vezes preservava. Uma pintura de Parmigianino em 1524 Auto-retrato em um espelho, demonstra o fenômeno. Os espelhos permitem composições surpreendentes, como o auto-retrato triplo de Johannes Gumpp (1646), ou mais recentemente o de Salvador Dalí, mostrado na parte de trás pintando sua esposa, Gala (1972-73). Esse uso do espelho geralmente resulta em pintores destros representando-se como canhotos (e vice-versa). Normalmente, o rosto pintado é, portanto, uma imagem espelhada que o resto do mundo viu, a menos que dois espelhos fossem usados. A maioria dos auto-retratos de Rembrandt anteriores a 1660 mostram apenas uma mão – a mão da pintura é deixada sem pintura. Ele parece ter comprado um espelho maior por volta de 1652, depois do qual seus auto-retratos se tornam maiores. Em 1658, um grande espelho em uma moldura de madeira quebrou enquanto era transportado para sua casa; no entanto, neste ano ele completou seu auto-retrato de Frick, o seu maior.
O tamanho dos espelhos de folha única era restrito até os avanços técnicos feitos na França em 1688 por Bernard Perrot. Eles também permaneceram muito frágeis, e os grandes foram muito mais caros pro-rata do que os pequenos – as quebras foram recortadas em pequenos pedaços. Cerca de 80 cm, parece ter sido o tamanho máximo até então – aproximadamente o tamanho do espelho do palácio em Las Meninas (o espelho convexo no Retrato Arnolfini é considerado pelos historiadores impraticavelmente grande, um dos retratos de Van Eyck muitas distorções astutas de escala). Em grande parte por esse motivo, os auto-retratos mais antigos mostram pintores com não mais do que meio comprimento.
Auto-retratos do artista no trabalho foram, como mencionado acima, a forma mais comum de auto-retrato medieval, e estes continuaram a ser populares, com um número especialmente grande a partir do século XVIII. Um tipo particular nos períodos medieval e renascentista foi o artista mostrado como São Lucas (padroeiro dos artistas) pintando a Virgem Maria. Muitos destes foram apresentados ao Sindicato local de São Lucas, para serem colocados em sua capela. Uma famosa e grande visão do artista em seu estúdio é O Estúdio do Artista, de Gustave Courbet (1855), uma imensa “Alegoria” de objetos e personagens em meio à qual o pintor se senta.
Outros significados, storytelling
Os auto-retratos de muitos artistas contemporâneos e modernistas são muitas vezes caracterizados por um forte senso de narrativa, muitas vezes, mas não estritamente limitado a vinhetas da história da vida dos artistas. Às vezes a narrativa se parece com fantasia, interpretação e ficção. Além de Diego Velázquez, (em sua pintura Las Meninas), Rembrandt Van Rijn, Jan de Bray, Gustave Courbet, Vincent van Gogh e Paul Gauguin outros artistas cujos auto-retratos revelam narrativas complexas incluem Pierre Bonnard, Marc Chagall, Lucian Freud, Arshile Gorky, Alice Neel, Pablo Picasso, Lucas Samaras, Jenny Saville, Cindy Sherman, Andy Warhol e Gilbert e George.
Autopromoção
O autorretrato pode ser uma forma muito eficaz de publicidade para um artista, especialmente, é claro, para um pintor de retratos. Dürer não estava realmente interessado em retratos comercialmente, mas fez bom uso de seus extraordinários auto-retratos para se anunciar como artista, algo que ele era muito sofisticado em fazer. Sofonisba Anguissola pintou miniaturas intrincadas que serviram como propagandas de sua habilidade, bem como itens de novidade, considerados assim, porque a raridade de pintoras de sucesso lhes dava uma qualidade estranha. Rembrandt ganhava a vida principalmente com retratos durante seu período de maior sucesso, e, como Van Dyck e Joshua Reynolds, muitos de seus retratos certamente pretendiam divulgar suas habilidades. Com o advento dos shows regulares da Academia, muitos artistas tentaram produzir auto-retratos memoráveis para impressionar o palco artístico. Uma recente exposição na National Gallery, Londres, Rebeldes e Mártires, não recuou dos quadrinhos que às vezes resultaram. Um exemplo do século 21 é Arnaud Prinstet, um artista contemporâneo pouco conhecido que gerou uma boa quantidade de publicidade ao pintar seu auto-retrato todos os dias. Por outro lado, alguns artistas se descreviam muito como faziam outros clientes.
Diagnosticando o auto-retrato
Alguns artistas que sofreram doenças neurológicas ou físicas deixaram autorretratos de si mesmos que permitiram aos médicos mais tarde tentar analisar as rupturas dos processos mentais; e muitas dessas análises entraram nos livros didáticos de neurologia.
Os auto-retratos de artistas que sofreram doenças mentais oferecem aos médicos uma possibilidade única de investigar a autopercepção em pessoas com distúrbios psicológicos, psiquiátricos ou neurológicos.
O sexólogo russo Igor Kon, em seu artigo sobre masturbação, observa que o hábito de se masturbar pode ser descrito em obras de arte, particularmente pinturas. Então o artista austríaco Egon Schiele se descreveu tão ocupado em um de seus auto-retratos. Kon observa que esta pintura não retrata o prazer da masturbação, mas um sentimento de solidão. Criações de Schiele são analisadas por outros pesquisadores em termos de sexualidade e particularmente pedofilia.
Coleções
Uma das mais ilustres e antigas coleções de auto-retratos está no Corredor de Vasari, na Galeria Uffizi, em Florença. Foi originalmente a coleção pelo cardeal Leopoldo de ‘Medici na segunda parte do século XVII e foi mantida e expandida até o presente momento. Na maioria das vezes não está em exibição para visitantes em geral, embora algumas pinturas sejam exibidas nas principais galerias. Muitos artistas famosos não conseguiram resistir a um convite para doar um autorretrato à coleção. É composto por mais de 200 retratos, em particular os de Pietro da Cortona, Charles Le Brun, Jean-Baptiste-Camille Corot e Marc Chagall. Outras colecções importantes estão alojadas na National Portrait Gallery (Reino Unido) em Londres (com várias estações de satélite noutro local) e na National Portrait Gallery em Washington, DC.