A arte ambiental é uma gama de práticas artísticas que engloba as abordagens históricas da natureza na arte e os mais recentes tipos de trabalhos ecológicos e politicamente motivados. A arte ambiental evoluiu para longe das preocupações formais, elaboradas com a Terra como material escultural, para uma relação mais profunda com sistemas, processos e fenômenos em relação às preocupações sociais. As abordagens sociais e ecológicas integradas desenvolvidas como uma posição ética e restauradora emergiram na década de 1990. Ao longo dos últimos dez anos, a arte ambiental tornou-se um ponto focal de exposições em todo o mundo, à medida que os aspectos sociais e culturais das mudanças climáticas se tornaram vanguardistas.

Em um mundo em crescimento, o número de artistas que criam, focando em sistemas e interações dentro do nosso ambiente, são ecológicos, geográficos, políticos, culturais e biológicos. Muitas das obras desta arte são compostas por elementos bidimensionais e tridimensionais, nos quais os efeitos visuais e vocais podem ser integrados para mostrar como a humanidade deve ser ancorada e conectada ao mundo natural socialmente, filosóficamente, economicamente e espiritualmente .

O termo “arte ambiental” abrange frequentemente preocupações “ecológicas”, mas não é específico para elas. Ele celebra principalmente a conexão de um artista com a natureza usando materiais naturais. O conceito é melhor compreendido em relação à arte histórica terrestre / terrestre e ao campo evolutivo da arte ecológica. O campo é interdisciplinar no fato de que os artistas ambientais adotem idéias da ciência e da filosofia. A prática abrange meios de comunicação tradicionais, novas mídias e formas sociais criativas de produção. O trabalho abrange uma gama completa de condições paisagísticas / ambientais do meio rural, para as urbanas suburbanas e urbanas, bem como urbanas / rurais.

A maioria dos artistas apresenta o desapego da humanidade do meio ambiente e tenta corrigi-la através de quatro motivos principais que levam à mudança:

Sensibilização para a fragilidade da natureza e a necessidade de protegê-la.
Explore vários fenômenos naturais para seguir as mudanças e expressá-las na arte.
Recolher materiais da natureza de diferentes partes do mundo e distribuí-los.
Para evitar a deterioração da situação ambiental no terreno na restauração da paisagem danificada e retornando ao seu estado natural.

História:
Pode-se argumentar que a arte ambiental começou com as pinturas rupestres paleolíticas de nossos antepassados. Embora não tenham sido encontradas paisagens (ainda), as pinturas rupestres representaram outros aspectos da natureza importantes para os primeiros seres humanos, como animais e figuras humanas. “São observações pré-históricas da natureza. De uma maneira ou de outra, a natureza durante séculos permaneceu o tema preferencial da arte criativa”. Exemplos mais modernos de arte ambiental decorrem da pintura e representação de paisagens. Quando os artistas pintaram no local, eles desenvolveram uma conexão profunda com o ambiente envolvente e seu clima e trouxeram essas observações próximas em suas telas. As pinturas do céu de John Constable “representam mais o céu na natureza”. A série de Londres de Monet também exemplifica a conexão do artista com o meio ambiente. “Para mim, uma paisagem não existe por direito próprio, pois sua aparência muda a cada momento, mas a atmosfera circundante traz vida, o ar e a luz, que variam continuamente para mim, é apenas a atmosfera circundante que dá aos sujeitos o seu verdadeiro valor “.

Os fundamentos da arte ambiental começaram com o movimento artístico romântico (1800-1850). Na sequência da Revolução Industrial, este movimento foi chamado de movimento “Neo-Romântico”. As principais obras de arte incluíam adorar a beleza da natureza, incluindo imagens de destruição e poluição, a fim de enfatizar a injustiça e a desigualdade ambiental.

Os românticos adoravam a grandeza e a beleza da natureza e acreditavam que a humanidade deveria estar apegada a ela e não se separava dela. Os artistas procuraram despertar a humanidade para retornar à natureza e se concentraram principalmente na pintura, na música e na escultura, a fim de expor a injustiça do desapego humano da natureza, para chocar e despertar a humanidade para a ação.

Com o nascimento da arte minimalista, especialmente nos Estados Unidos, muitos artistas sentiram que os limites da galeria ou exibição do museu já não atendiam suas demandas. A escultura minimalista tratava dos limites da exibição por instalações e outras atividades artísticas, e fora dos limites do espaço institucional era uma jogada óbvia para muitos deles. No final da década de 1960, começou uma tendência de documentação e pensamento estético e crítico sobre a arte da terra.

O crescimento do movimento de arte ambiental começou principalmente a partir de 1900 com a nova tendência chamada “Land Art”. Este movimento artístico se desenvolveu na América em 1960, quando uma série de esculturas e pintores como Robert Smithson (1973-1938) com seu famoso trabalho Whirlpool Pier (1970) causaram danos irreversíveis e significativos à paisagem em que ele trabalhou. O trabalho foi construído com basalto e terra e Smithson, que usou uma escavadeira para arranhar e cortar a paisagem, afetou diretamente o lago.

Em 1912, Boccioni já teorizou em seu Manifesto Técnico de escultura Futurista que não poderia haver renovação, exceto através da escultura do meio ambiente, capaz de modelar a atmosfera que a rodeia.

Outros precedentes da Arte Ambiental são rastreáveis ​​nas vanguardas históricas: o ambiente do Proun do construtivista El Lissitskij é um espaço de exposição criado para a grande exposição de Berlim em 1923, na qual elementos arquitetônicos, pintores e modelos estão inextricavelmente ligados; enquanto o Merzbau do Dadaista Kurt Schwitters é uma acumulação progressiva de objetos cotidianos feitos no estúdio do artista em Hannover por dez anos, durante os quais ele se torna um testemunho orgânico da vida do artista.

O envolvimento do espaço real começou a ser um aspecto significativo das obras de arte no final dos anos 50 e, em seguida, continua a afetar as principais correntes artísticas (Neo-Dadaism, Arte Programada, Minimalismo, Arte Processual, Arte Povera, Arte Conceitual ) para todos os anos 60, até o início dos anos 70. Inicialmente, a Arte Ambiental estava muito mais relacionada à escultura (em particular como Arte Específica do Site, Arte da Terra e Arte Povera), considerando a crescente crítica das escultura e práticas tradicionais que eram vistas cada vez mais obsoletas e potencialmente desarmonizadas com o ambiente natural. .

Os pintores contemporâneos, como Diane Burko, representam fenômenos naturais – e sua mudança ao longo do tempo – para transmitir questões ecológicas, chamando a atenção para a mudança climática. As paisagens de Alexis Rockman representam uma visão sardônica das mudanças climáticas e as intervenções da humanidade com outras espécies por meio da engenharia genética.

Hal Foster, crítico de arte contemporâneo dos EUA, define os trabalhos da arte ambiental como “esculturas específicas do site que usam material retirado do meio ambiente para criar novas formas ou reorientar nossas percepções do contexto; programas que importam objetos novos e não naturais para um cenário natural para fins semelhantes, atividades individuais na paisagem em que o fator tempo desempenha um papel decisivo, intervenções colaborativas e socialmente conscientes “. Esta citação mostra como o termo “arte ambiental” refere-se a processos artísticos e resultados muito diferentes uns dos outros, mas na base dos quais há a superação da concepção de autonomia da obra de arte em relação ao contexto em que é colocado.

Apesar do desejo inicial de arte ambiental para combater o “sistema artístico”, eliminando o próprio objeto artístico e, em geral, a mercantilização da obra de arte, tornou-se essencial exibir as obras nas galerias e museus para o reconhecimento de seu status como obras de arte e para poder coletar o capital financeiro necessário para sua realização. Esta necessidade levou muitos artistas a conceber o trabalho para fins de sua reprodução fotográfica e fílmica, como nos casos de Richard Long e Robert Smithson, que agora possuem tanto um valor documental quanto um valor de mercado.

Movimento:
O crescimento da arte ambiental como um “movimento” começou no final da década de 1960 e início da década de 1970. Nas suas fases iniciais, estava mais associado à escultura – especialmente a arte específica do local, Land art e Arte povera – tendo surgido de críticas crescentes de formas e práticas escultóricas tradicionais que eram cada vez mais vistas como ultrapassadas e potencialmente fora de harmonia com o ambiente natural .

Em outubro de 1968, Robert Smithson organizou uma exposição na Dwan Gallery em Nova York intitulada “Earthworks”. As obras no show representaram um desafio explícito às noções convencionais de exposição e vendas, na medida em que eram muito grandes ou muito difíceis de serem coletadas ; A maioria foi representada apenas por fotografias, enfatizando ainda mais a sua resistência à aquisição. Para esses artistas escapar dos limites da galeria e a teoria modernista foi alcançada deixando as cidades e saindo para o deserto.

“Eles não estavam descrevendo a paisagem, mas envolvendo-a; sua arte não era simplesmente a paisagem, mas também na mesma. “Esta mudança no final da década de 1960 e 1970 representa uma noção vanguardista de escultura, a paisagem e nossa relação com ela. O trabalho desafiou os meios convencionais para criar escultura, mas também desafiou mais elites de difusão e exibição de arte, como o show Dawn Gallery mencionado anteriormente. Esta mudança abriu um novo espaço e, assim, expandiu as formas em que o trabalho foi documentado e conceituado.

Na Europa, artistas como Nils Udo, Jean-Max Albert, Piotr Kowalski, entre outros, criaram arte ambiental desde a década de 1960.

Urbano:
“Ninguém sabe exatamente quando os navios fantasma começaram a aparecer perto da foz do riacho, mas os moradores locais lembraram de tocar neles na década de 1950, quando ainda estavam flutuando. Alguns deles são considerados velhos navios baleeiros cujos proprietários não queriam pague para que os descartem adequadamente. Eles os transportariam para o Creek e os queimariam até a linha de água. O Corpo de engenheiros do Exército identificou os navios abandonados em outras partes da cidade, mas não aqui. A lama do creek é tão tóxica que perturbando as destroços liberaria uma torrente de produtos químicos perigosos na água e no ar “. – Elizabeth Albert, texto em parede da exposição, “Praias silenciosas, histórias não contadas, o rio esquecido da cidade de Nova York”

Em 1978, Barry Thomas e amigos ocuparam ilegalmente um lote de CDB vago em Wellington, Nova Zelândia. Ele despejou uma carga de caminhão da camada superior e plantou 180 mudas de repolho na forma da palavra “Repolho” para o seu “lote vazio de couves. O site foi então inundado com o trabalho de artistas contribuintes – todo o evento durou 6 meses e terminou com um festival de uma semana que celebrava árvores e florestas nativas. Em 2012, o Museu da Nova Zelândia Te Papa Tongarewa, a maior instituição cultural do país, comprou todos os arquivos de repolho de repolho citando-o como “uma parte importante da nossa história artística e social”.

Embora este trabalho anterior tenha sido feito principalmente nos desertos do oeste americano, o final da década de 1970 e o início da década de 1980 viram os trabalhos se movendo para a paisagem pública. Artistas como Robert Morris começaram a engajar os departamentos do condado e as comissões de artes públicas para criar obras em espaços públicos, como um poço de cascalho abandonado. Herbert Bayer usou uma abordagem semelhante e foi selecionado para criar o seu Mill Creek Canyon Earthworks em 1982. O projeto serviu funções como o controle da erosão, um lugar para servir de reservatório durante períodos de chuva alta e um parque de 2,5 acres durante as estações secas. O livro pioneiro de Lucy Lippard, no paralelo entre arte terrestre contemporânea e sites pré-históricos, examinou as formas como essas culturas, formas e imagens pré-históricas “se sobrepuseram” ao trabalho de artistas contemporâneos trabalhando com os sistemas naturais e naturais.

O termo em expansão da arte ambiental também abrange o alcance da paisagem urbana. Agnes Denes criou um trabalho no centro de Manhattan Wheatfield – A Confrontation (1982) em que plantou um campo de trigo no local de dois acres de um aterro coberto de detritos urbanos e escombros. O site agora é Battery Park City e o World Financial Center: transformando-se do poder ecológico em poder econômico.

Alan Sonfist introduziu a ideia chave do ambientalista de trazer a natureza de volta para o ambiente urbano com sua primeira escultura histórico do Time Landscape, proposta à cidade de Nova York em 1965 e visível até hoje na esquina de Houston e LaGuardia no Greenwich Village, cidade de Nova York. Hoje, a Sonfist está unindo o amplo entusiasmo por questões ambientais e verdes entre autoridades públicas e cidadãos privados para propor uma rede de tais sites em toda a área metropolitana, o que levará a consciência do papel fundamental que a natureza vai desempenhar nos desafios do 21 século. O caráter sagrado da natureza e do ambiente natural é muitas vezes evidente no trabalho dos artistas ambientais.

Assim como os movimentos de terra nos desertos do oeste surgiram de noções de pintura de paisagem, o crescimento da arte pública estimulou os artistas a envolver a paisagem urbana como outro meio e também como uma plataforma para envolver idéias e conceitos sobre o meio ambiente para um público maior . “Muitos artistas ambientais agora não desejam apenas uma audiência para seu trabalho, mas um público, com quem eles podem corresponder sobre o significado e propósito de sua arte”. A instalação de Andrea Polli, Particle Falls, criou partículas no ar visíveis de maneira que os transeuntes pudessem ver. Para HighWaterLine Eve Mosher e outros atravessaram bairros em cidades em risco, como Nova York e Miami, marcando o dano causado pelas inundações que poderia ocorrer como resultado das mudanças climáticas e conversando com os moradores sobre o que estavam fazendo.

A Superstorm Sandy iniciou inúmeras respostas de artistas para os beira-mar esquecidos da cidade de Nova York e vias navegáveis ​​históricas. A exposição, Praias silenciosas, histórias não contadas: o rio esquecido da cidade de Nova York, com curadoria da professora da Universidade de St. John, Elizabeth Alpert, apresentou uma série de abordagens de artistas para o meio ambiente urbano e sistemas ecológicos complexos da cidade de Nova York.

EcoArt:
Arte ecológica a.k.a. EcoArt é uma prática ou disciplina artística que propõe paradigmas sustentáveis ​​com as formas de vida e os recursos do nosso planeta. É composto de artistas, cientistas, filósofos e ativistas dedicados às práticas da arte ecológica. Os precedentes históricos incluem Terraplanagens, Land Art e pintura de paisagem / fotografia. A EcoArt distingue-se por um foco em sistemas e inter-relações no nosso meio ambiente: ecológico, geográfico, político, biológico e cultural. Ecoart cria consciência, estimula o diálogo, muda o comportamento humano em relação a outras espécies e incentiva o respeito a longo prazo pelos sistemas naturais com os quais coexistemos. Ele se manifesta como uma arte restauradora ou intervencionista socialmente comprometida, baseada na comunidade. Artista ecológico, Aviva Rahmani acredita que “A Arte Ecológica é uma prática artística, muitas vezes em colaboração com cientistas, planejadores urbanos, arquitetos e outros, o que resulta em intervenção direta na degradação ambiental. Muitas vezes, o artista é o principal agente dessa prática”. Existem inúmeras abordagens para a EcoArt, incluindo, entre outras,:

Obras de representação – revelando informações e condições principalmente através da criação de imagens e da criação de objetos com a intenção de estimular o diálogo.
Projetos de reabilitação que reclamam ou restauram ambientes poluídos e perturbados – esses artistas muitas vezes trabalham com cientistas ambientais, arquitetos paisagistas e planejadores urbanos
Projetos ativistas que envolvem, informam, dinamizam e ativam a mudança de comportamentos e / ou políticas públicas.
Esculturas Sociais – artebras dedicadas socialmente e baseadas no tempo que envolvem as comunidades no monitoramento de suas paisagens e assumindo um papel participativo em práticas e estilos de vida sustentáveis.
Abordagens EcoPoetic que iniciam uma reencenação e re-encantamento com o mundo natural, inspirando cura e coexistência com outras espécies.
Encontros diretos – obras de arte que trazem em prática fenômenos naturais como água, clima, luz solar, plantas, etc.
Trabalhos Didáticos ou Pedagógicos que compartilham informações sobre injustiça ambiental e problemas ecológicos como a poluição da água e do solo e riscos para a saúde.
Estética vivida e relacional envolvendo existências de permacultura sustentáveis, off-the-grid.

As contribuições das mulheres na área de EcoArt são significativas, muitas são catalogadas no WEAD, Women Environmental Artists Directory, fundado em 1995 por Jo Hanson, Susan Leibovitz Steinman e Estelle Akamine.

Definição de EcoArt: há discussão e debate entre artistas ecológicos, se arte ecológica ou EcoArt, deve ser considerada uma disciplina discreta dentro das artes, distinta da arte ambiental. Uma definição atual de Arte Ecológica, elaborada coletivamente pela EcoArtNetwork é “A Arte Ecológica é uma prática artística que engloba uma ética da justiça social, tanto no seu conteúdo como na sua forma / material. EcoArt é criado para inspirar cuidado e respeito, estimular o diálogo e encorajar o desenvolvimento a longo prazo dos ambientes sociais e naturais em que vivemos. Ele comumente se manifesta como uma arte restauradora socialmente envolvida, ativista, baseada na comunidade ou intervencionista. “Artistas considerados como trabalhando neste campo se inscrevem geralmente em um ou mais dos seguintes princípios:

Concentre-se na rede de inter-relações em nosso ambiente – nos aspectos físicos, biológicos, culturais, políticos e históricos dos sistemas ecológicos.
Crie trabalhos que empregam materiais naturais ou envolvam forças ambientais, como vento, água ou luz solar.
Recupere, restaure e remova os ambientes danificados.
Informe o público sobre a dinâmica ecológica e os problemas ambientais que enfrentamos.
Revisar as relações ecológicas, propondo criativamente novas possibilidades de convivência, sustentabilidade e cura.

Impacto:
Dentro da arte ambiental, uma distinção crucial pode ser feita entre artistas ambientais que não consideram os possíveis danos ao meio ambiente que sua arte pode incorrer, e aqueles cuja intenção é não causar danos à natureza. Por exemplo, apesar de seus méritos estéticos, a célebre escultura espiral do artista americano Robert Smithson (1969) infligiu danos permanentes à paisagem com que ele trabalhou, usando uma escavadeira para raspar e cortar a terra, com a própria espiral atingindo o lago. Da mesma forma, as críticas foram levantadas contra o escultor europeu Christo, quando ele embalou temporariamente o litoral em Little Bay, sul de Sydney, Austrália, em 1969. Os comentários dos conservacionistas atraíram a atenção internacional nos círculos ambientais e levaram os artistas contemporâneos da região a repensar as inclinações de arte terrestre e arte específica do site.

A arte sustentável é produzida com consideração pelo impacto mais amplo do trabalho e sua recepção em relação aos seus ambientes (sociais, econômicos, biofísicos, históricos e culturais). Alguns artistas optam por minimizar o seu impacto potencial, enquanto outros trabalhos envolvem a restauração da paisagem imediata para um estado natural.

O escultor britânico Richard Long criou, durante várias décadas, trabalhos temporários de esculturas ao ar livre, reorganizando materiais naturais encontrados no local, como rochas, lamas e galhos, que, portanto, não terão efeito prejudicial persistente. Chris Drury instituiu um trabalho intitulado “Roda de Medicina”, que foi fruto e resultado de uma caminhada meditativa diária, uma vez por dia, por um ano civil. A entrega deste trabalho foi um mandala de objetos encontrados em mosaico: arte da natureza como arte de processo. O artista de colheita Stan Herd mostra uma conexão e um respeito semelhantes pela terra.

Os principais artistas ambientais, como o escultor holandês Herman de Vries, o escultor australiano John Davis e o escultor britânico Andy Goldsworthy deixaram de forma semelhante a paisagem com a qual trabalharam sem ilarmos; em alguns casos, eles reveletaram terras danificadas com flora indígena apropriada no processo de fazer seu trabalho. Desta forma, a obra de arte surge de uma sensibilidade para o habitat. Talvez o exemplo mais famoso da arte ambiental no final do século 20 foi de 7000 Oaks, uma ação ecológica encenada na Documenta em 1982 por Joseph Beuys, no qual o artista e seus assistentes destacaram a condição do meio ambiente local plantando 7000 carvalhos ao longo e em torno da cidade de Kassel.

Transformação:
Outros artistas, como a artista eco-feminista Aviva Rahmani, refletem o nosso envolvimento humano com o mundo natural e criam obras de arte ecologicamente informadas que se concentram em transformação ou recuperação. Nas últimas duas décadas, Rosalie Gascoigne fez um trabalho significante para o meio ambiente, que formou suas esculturas serenas de lixo e lixo que encontrou descartadas nas áreas rurais. Da mesma forma, Marina DeBris usa lixo da praia para criar trashion, educando as pessoas sobre o lixo da praia e do oceano. Patrice Stellest criou grandes instalações com lixo, mas também incorporou itens pertinentes coletados em todo o mundo e mecanismos de energia solar. John Wolseley caminha por regiões remotas, reunindo dados visuais e científicos, e incorpora informações visuais e outras em trabalhos complexos de parede em papel. Arte ambiental ou arte verde por escultores de vidro baseados em Washington, DC Erwin Timmers e Alison Sigethy incorporam alguns dos materiais de construção menos reciclados; vidro estrutural. O escritor e teórico da EcoArt, Linda Weintraub, cunhou o termo “ciclo-lógico” para descrever a correlação entre reciclagem e psicologia. A noção do século 21 do envolvimento consciente dos artistas com seus materiais retorna às pilas paleolíticas de cerâmica descartada e metais de civilizações antigas. Weintraub cita o trabalho da MacArthur Fellow, Sarah Sze, que recicla, reutiliza e remodela os detritos do fluxo de resíduos em instalações de tendas elegantes. Seu trabalho auto-reflexivo chama nossa atenção para nossas próprias vidas desordenadas e conexão com a cultura do consumidor. O campo de energia de Brigitte Hitschler atraiu o poder para 400 díodos vermelhos do montão de lixa de potássio para ser recuperado sobre o qual foram instalados, usando arte e ciência para revelar cultura material escondida. O artista e ativista ecológico, Beverly Naidus, cria instalações que abordam crises ambientais, problemas de legado nuclear e criam trabalhos em papel que visam a transformação. Seu projeto de permacultura com base na comunidade, Eden Reframed remediará solo degradado usando fitorremediação e cogumelos resultando em um local público para cultivar e colher plantas medicinais e plantas comestíveis. Naidus é um educador que já ensinou na Universidade de Washington, em Tacoma, há mais de dez anos, onde criou as Artes do Estúdio Interdisciplinar no currículo comunitário que combina a arte com a ecologia e as práticas socialmente envolvidas. O livro de Naidus, Arts for Change: Ensinar fora do quadro é um recurso para professores, ativistas e artistas. A escultora e artista de instalação Erika Wanenmacher foi inspirada por Tony Price em seu desenvolvimento de obras de criatividade, mitologia e presença nuclear no Novo México. Vários artistas, incluindo Daniele Del Nero, trabalharam de maneiras diferentes usando o molde vivo como elemento artístico.

Renováveis:
A escultura de energia renovável é outro desenvolvimento recente em arte ambiental. Em resposta à crescente preocupação com as mudanças climáticas globais, os artistas estão projetando intervenções explícitas a um nível funcional, combinando respostas estéticas com as propriedades funcionais da geração ou economia de energia. O Projeto de energia eólica Queensbridge de Andrea Polli é um exemplo de arquitetura experimental, incorporando turbinas eólicas na estrutura de uma ponte para recriar aspectos do design original, além de iluminar a ponte e as áreas vizinhas. A escultura pública de Ralf Sander, a World Saving Machine, usou energia solar para criar neve e gelo fora do Museu de Arte de Seul no verão coreano quente. Os praticantes desta área emergente trabalham frequentemente de acordo com códigos éticos e práticos ecologicamente informados que estão em conformidade com os critérios de Ecodesign.