O expressionismo alemão consistiu em uma série de movimentos criativos relacionados na Alemanha antes da Primeira Guerra Mundial, que atingiu um pico em Berlim durante a década de 1920. Esses desenvolvimentos na Alemanha fizeram parte de um movimento expressionista maior na cultura do norte e do centro da Europa em áreas como arquitetura, dança, pintura, escultura e cinema. Este artigo trata primeiramente dos desenvolvimentos no cinema expressionista alemão antes e imediatamente após a Primeira Guerra Mundial.
História
1910-1930
Entre os primeiros filmes expressionistas, The Student of Prague (1913), O Gabinete do Dr. Caligari (1920), De Morn a Meia-noite (1920), O Golem: Como Ele Veio ao Mundo (1920), Destiny (1922), Nosferatu (1922), Phantom (1922), Schatten (1923) e The Last Laugh (1924) foram altamente simbólicos e estilizados.
O movimento expressionista alemão foi inicialmente confinado à Alemanha devido ao isolamento que o país experimentou durante a Primeira Guerra Mundial. Em 1916, o governo proibiu filmes estrangeiros. A demanda dos cinemas para gerar filmes levou a um aumento na produção nacional de filmes de 24 filmes em 1914 para 130 filmes em 1918. Com a inflação em alta, os alemães assistiam filmes mais livremente porque sabiam que o valor de seu dinheiro estava diminuindo constantemente.
Além da popularidade dos filmes na Alemanha, em 1922 a audiência internacional começou a apreciar o cinema alemão, em parte devido a um sentimento anti-alemão decrescente após o fim da Primeira Guerra Mundial. Quando a proibição das importações em 1916 foi suspensa, a Alemanha tornou-se parte da indústria cinematográfica internacional.
Várias culturas européias da década de 1920 adotaram uma ética de mudança e uma disposição de olhar para o futuro experimentando novas idéias e estilos artísticos. Os primeiros filmes expressionistas compensaram a falta de orçamentos luxuosos, usando desenhos de cenário com ângulos desarranjadamente absurdos e geometricamente absurdos, juntamente com desenhos pintados em paredes e pisos para representar luzes, sombras e objetos. Os enredos e histórias dos filmes expressionistas muitas vezes lidavam com loucura, insanidade, traição e outros tópicos “intelectuais” desencadeados pelas experiências da Primeira Guerra Mundial (em oposição à ação-aventura e aos filmes românticos). Filmes posteriores geralmente classificados como parte da breve história do expressionismo alemão incluem Metropolis (1927) e M (1931), ambos dirigidos por Fritz Lang. Essa tendência foi uma reação direta contra o realismo. Seus praticantes usavam distorções extremas na expressão para mostrar uma realidade emocional interior em vez do que estava na superfície.
O extremo anti-realismo do expressionismo foi de curta duração, desaparecendo depois de apenas alguns anos. No entanto, os temas do expressionismo foram integrados em filmes posteriores das décadas de 1920 e 1930, resultando em um controle artístico sobre a colocação de cenários, luz, etc. para melhorar o clima de um filme. Essa escola escura e mal-humorada de produção cinematográfica foi trazida para os Estados Unidos quando os nazistas ganharam o poder e vários cineastas alemães emigraram para Hollywood. Esses diretores alemães encontraram estúdios de cinema dos EUA dispostos a aceitá-los, e vários diretores alemães e cinegrafistas floresceram ali, produzindo um repertório de filmes de Hollywood que tiveram um efeito profundo no filme como um todo. O teórico do cinema nazista Fritz Hippler, no entanto, era um defensor do expressionismo. Dois outros filmes produzidos na Alemanha nazista usando o estilo expressionista foram “Das Stahltier” (O Animal de Aço) em 1935 por Willy Zielke e “Michelangelo. Das Leben eines Titanen ”(Michelangelo. A Vida de um Titã) em 1940 por Curt Oertel.
Dois gêneros que foram especialmente influenciados pelo expressionismo são o filme de terror e o filme noir. Carl Laemmle e Universal Studios fizeram um nome para si mesmos produzindo filmes de terror famosos da época silenciosa, como O Fantasma da Ópera, de Lon Chaney. Cineastas alemães como Karl Freund (o diretor de fotografia de Drácula em 1931) definiram o estilo e o humor dos filmes de monstros da Universal dos anos 1930 com seus conjuntos escuros e artisticamente projetados, fornecendo um modelo para gerações posteriores de filmes de terror. Diretores como Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Carol Reed e Michael Curtiz introduziram o estilo expressionista aos dramas do crime da década de 1940, expandindo a influência do expressionismo no cinema moderno.
Influência e legado
O cinema mudo alemão estava possivelmente muito à frente de Hollywood durante o mesmo período. O cinema fora da Alemanha beneficiou-se tanto da emigração de cineastas alemães quanto dos desenvolvimentos expressionistas alemães em estilo e técnica que apareciam na tela. O novo visual e técnicas impressionaram outros cineastas, artistas e cineastas contemporâneos, e eles começaram a incorporar o novo estilo em seu trabalho.
Em 1924, Alfred Hitchcock foi enviado pela Gainsborough Pictures para trabalhar como assistente de direção e diretor de arte na UFA Babelsberg Studios, em Berlim, no filme The Blackguard. O efeito imediato do ambiente de trabalho na Alemanha pode ser visto em seus projetos expressionistas para esse filme. Hitchcock disse mais tarde: “Eu … adquiri uma forte influência alemã trabalhando nos estúdios UFA de Berlim”.
O expressionismo alemão continuaria a influenciar Hitchcock ao longo de sua carreira. Em seu terceiro filme, The Lodger, Hitchcock introduziu projetos de cenários expressionistas, técnicas de iluminação e truques com câmeras para o público britânico contra os desejos de seu estúdio. Sua experimentação visual incluía o uso de uma imagem de um homem andando em um piso de vidro, visto de baixo, um conceito representando alguém andando de um lado para o outro. Esta influência continuou através do filme de grande sucesso Psycho em 1960, onde a imagem borrada de Norman Bates, vista através de uma cortina de chuveiro, é uma reminiscência de Nosferatu mostrado através de sua sombra. A produção cinematográfica de Hitchcock, por sua vez, influenciou muitos outros cineastas, e por isso tem sido um dos veículos que impulsionaram o uso contínuo de técnicas expressionistas alemãs, embora com menos frequência.
O filme Nosferatu: Phantom der Nacht, de Werner Herzog, de 1979, foi uma homenagem ao filme de 1922 de FW Murnau. O filme usa técnicas expressionistas de eventos simbólicos e de ação altamente simbólicos para contar sua história. O filme de 1998, Cidade das Trevas, usou um forte contraste, movimentos rígidos e elementos fantásticos.
Elementos estilísticos retirados do expressionismo alemão são comuns hoje em filmes que não precisam referenciar o realismo contemporâneo, como os filmes de ficção científica (por exemplo, o filme de 1982 de Ridley Scott, Blade Runner, que foi influenciado por Metropolis). O filme Shadows and Fog de Woody Allen, de 1991, é uma homenagem aos cineastas expressionistas alemães Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst e FW Murnau.
Ambiciosas adaptações do estilo são retratadas em toda a filmografia contemporânea do diretor Tim Burton. Seu filme Batman Returns, de 1992, é frequentemente citado como uma tentativa moderna de capturar a essência do expressionismo alemão. Os projetos de prédios angulares e as praças de aparência severa de Gotham City evocam o tear e a ameaça presentes na metrópole de Lang. As influências expressionistas de Burton são mais aparentes na paisagem suburbana de Edward Scissorhands. O aparecimento do titular Edward Mãos de Tesoura (não acidentalmente) reflete o servo sonambúlico de Caligari. Burton lança um desconforto em seu subúrbio cor de doces, e a tensão é visualmente desmascarada através de Edward e seu castelo gótico, um último refúgio do passado no final de uma rua suburbana. Burton subverte o pesadelo de Caligari com uma narrativa inspirada, lançando Edward, o forasteiro, como o herói, e os aldeões como os vilões. Da mesma forma, o Dr. Caligari foi a inspiração para a aparência grotesca e parecida com uma ave do filme Batman Returns, de 1992, de Penguin in Burton. O aspecto familiar do personagem principal de Caligari também pode ser visto no filme The Crow. Com a roupa preta apertada, maquiagem branca e olhos escuros, o personagem de Brandon Lee é parente próximo de Cesare e do filme de Edward Burton, Edward Mãos de Tesoura. Burton também foi influenciado pelos filmes mudos e pelo expressionismo alemão por sua adaptação cinematográfica do musical Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet, descrevendo o musical como um “filme mudo com música”.
Cinema e arquitetura
Muitos críticos vêem uma ligação direta entre o cinema e a arquitetura da época, afirmando que os cenários e obras de arte dos filmes expressionistas freqüentemente revelam prédios de ângulos agudos, grandes alturas e ambientes lotados, como a frequentemente vista da Torre de Babel na metrópole de Fritz Lang. .
Elementos fortes do monumentalismo e do modernismo aparecem em todo o cânone do expressionismo alemão. Um excelente exemplo disso é Metropolis, como evidenciado pela enorme usina de energia e vislumbres da cidade “superior” maciça mas intocada.
Os pintores expressionistas alemães rejeitavam a representação naturalista da realidade objetiva, muitas vezes retratando figuras distorcidas, edifícios e paisagens de uma maneira desorientadora que desconsiderava as convenções de perspectiva e proporção. Essa abordagem, combinada com formas estilizadas irregulares e cores duras e antinaturais, era usada para transmitir emoções subjetivas.
Vários artistas e artesãos que trabalham no teatro de Berlim trouxeram o estilo visual expressionista ao design de cenários. Isto, por sua vez, teve uma eventual influência em filmes que lidam com fantasia e horror.
O principal exemplo é o filme de sonho de Robert Wiene, O Gabinete do Dr. Caligari (1920), que é universalmente reconhecido como um dos primeiros clássicos do cinema expressionista. Hermann Warm, diretor de arte do filme, trabalhou com pintores e designers de palco, Walter Reimann e Walter Röhrig, para criar cenários fantásticos e apavorantes com estruturas retorcidas e paisagens com formas pontiagudas e linhas oblíquas e curvas. Alguns desses projetos foram construções, outros foram pintados diretamente em telas.
Os filmes expressionistas alemães produzidos na República de Weimar, imediatamente após a Primeira Guerra Mundial, não apenas encapsulam os contextos sociopolíticos em que foram criados, mas também retrabalham os problemas intrinsecamente modernos de auto-reflexividade, espetáculo e identidade.
Seguindo as estimadas críticas de Siegfried Kracauer e Lotte Eisner, esses filmes são agora vistos como um tipo de consciência coletiva, tão inerentemente ligados a eles em seu meio social. Brevemente mencionado por JP Telotte em sua análise do filme alemão “Expressionismo alemão: um problema cinematográfico / cultural”, o expressionismo se concentra no “poder dos espetáculos” e oferece ao público “uma espécie de imagem metonímica de sua própria situação”.
Este movimento cinematográfico foi paralelo à pintura expressionista e ao teatro ao rejeitar o realismo. Os criadores do Período de Weimar procuraram transmitir a experiência interior e subjetiva através de meios externos e objetivos. Seus filmes foram caracterizados por conjuntos e atuação altamente estilizados; eles usaram um novo estilo visual que incorporava alto contraste e edição simples. Os filmes foram filmados em estúdios onde eles podiam empregar iluminação e ângulos de câmera deliberadamente exagerados e dramáticos para enfatizar algum efeito particular – medo, horror, dor. Aspectos das técnicas expressionistas foram posteriormente adaptados por diretores como Alfred Hitchcock e Orson Welles e foram incorporados em muitos filmes de terror e gângsteres americanos. Alguns dos principais cineastas da época eram FW Murnau, Erich Pommer e Fritz Lang. O movimento terminou depois que a moeda se estabilizou, tornando mais barato a compra de filmes no exterior. A UFA entrou em colapso financeiro e os estúdios alemães começaram a lidar com estúdios italianos que levaram à sua influência no estilo de filmes de terror e filmes noir. A influência americana na indústria cinematográfica também levaria alguns cineastas a continuar sua carreira nos EUA. O último filme da UFA foi Der Blaue Engel (1930), considerado uma obra-prima do expressionismo alemão.
Interpretação
Dois trabalhos sobre a época são The Haunted Screen, de Lotte Eisner, e De Caligari, de Sigfried Kracaer, a Hitler. Kracauer examina o cinema alemão da Era Dourada / Silenciosa e conclui que os filmes alemães feitos antes da tomada de Hitler e a ascensão do Terceiro Reich indicam a inevitabilidade da Alemanha nazista. Para Eisner, o cinema expressionista alemão é uma manifestação visual dos ideais românticos. Ela examina de perto a encenação, a cinematografia, a atuação, os cenários e outros elementos cinematográficos em filmes de Pabst, Lubitsch, Lang (seu favorito óbvio), Riefenstahl, Harbou e Murnau. Estudiosos expressionistas alemães mais recentes examinam elementos históricos do expressionismo alemão, como inflação / economia, UFA, Erich Pommer, Nordisk e Hollywood.
Filme de expressionismo
O filme expressionista foi escrito principalmente na Alemanha, especialmente em sua “capital cinematográfica” Berlim, na era silenciosa da primeira metade da década de 1920. É por isso que as pessoas falam frequentemente do expressionismo alemão. Mas mesmo nos anos que antecederam a aparição dos primeiros elementos expressionistas nas produções austríacas – os chamados filmes “pré-expressionistas”, que se desenvolveram a partir das populares adaptações cinematográficas populares.
German Expressionist Cinema é o nome dado a um grupo de produções cinematográficas com certos aspectos em comum. Esse estilo de cinema tem sua correspondência com o expressionista atual, nomeado em contraste com o atual impressionista do século XIX na pintura, ou seja, com aquele tipo de pintura em que premia a “expressão subjetiva” na representação da objetividade. Esta pintura recorreu a cores dolorosas e a ritmos lineares muito fortes. Basicamente, isso criou raízes na Alemanha, onde nasceu o movimento Die Brücke (a ponte), fundado em 1905 por estudantes de arquitetura.
É no orçamento da crítica e oposição ao positivismo que muitas das linhas de força dos expressionistas são projetadas. Para estes, a realidade era algo que tinha que ser experimentado a partir da mais profunda interioridade e, portanto, atraía o corpo e as experiências emocionais do mundo, em vez de sua captura pelo olho. O artista expressionista tentou representar a experiência emocional em sua forma mais completa, sem se preocupar com a realidade externa, mas com sua natureza interna.
O cinema chega, tardiamente e ocorre em parte, como resultado das medidas organizacionais adotadas pelas autoridades alemãs. A origem dessas medidas pode ser atribuída a duas observações: primeiro, o povo alemão toma conhecimento da influência exercida pelos filmes anti-alemães em países estrangeiros. Segundo, reconhecem a insuficiência da produção local e para satisfazer essa demanda, produções de qualidade inferior, em relação a países estrangeiros, inundam o mercado.
Conscientes desta situação perigosa, as autoridades alemãs intervieram diretamente na produção cinematográfica. Em 1916, o governo, com o apoio de associações que promovem objetivos culturais, políticos e econômicos, fundou a Deulig (Deutsche Liehtspiel Gesellsehaft), uma empresa cinematográfica que, por meio de documentários apropriados, se dedicaria à publicidade do país. no exterior como na própria Alemanha.
No início de 1917, a Fundação Bufa (Bild- und Filmamt) continuou; Fundada como uma simples agência governamental, fornecia as tropas, nas frentes de batalha, com salas de projeção, e também era responsável pela tarefa de fornecer documentários que registrassem atividades militares.
O número de empresas passou de apenas 28 em 1913 para 245 em 1919, alguns anos em que uma poderosa indústria foi consolidada.
Isso foi algo, mas não o suficiente. Após a entrada dos Estados Unidos à guerra, os filmes deste país expandiram-se por todo o mundo, inculcando com força incompatível o ódio à Alemanha, tanto nos neutros, como nos inimigos. Os líderes alemães chegaram à conclusão de que apenas uma grande organização poderia contra-atacar essa campanha. O Gerenal Ludendorff tomou a iniciativa, recomendando a união das principais companhias cinematográficas para que suas energias, antes disseminadas, pudessem ser canalizadas no interesse nacional. Suas sugestões eram ordens. Através de uma resolução do Alto Comando Alemão de novembro de 1917, em contato próximo com financistas, industriais e armadores proeminentes, o Messter Film, o Sindicato de Davidson e as empresas controladas pela Nordisk – com o apoio de um grupo de bancos – fundiram-se nova empresa: Ufa (Universum Film AG).
A tarefa oficial da Ufa era fazer propaganda em favor da Alemanha, de acordo com as diretrizes do governo. Esta organização serviu de trampolim para o sucesso em alemão de cineastas alemães como Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Wiene, Friedrich Murnau, entre outros, alguns dos quais fizeram parte do movimento expressionista que teve uma ótima relação estética e temática com o trabalho gráfico e pictórico proposto por seus fundadores antes e depois da guerra, um evento que deixou a Alemanha falida, e que influenciou os expressionistas, externalizaram suas emoções e psicologia, além de distorcer a realidade e mostrar simbolismo para aprofundar os filmes.
Tendências contemporâneas
Na década de 1920, o movimento dada provocou uma revolução no mundo artístico, e as diferentes culturas européias defenderam uma mudança e o desejo de considerar o futuro experimentando novas idéias e estilos revolucionários. O expressionismo também é contemporâneo do surrealismo na França.
Influência do expressionismo cinematográfico
Dois gêneros foram particularmente influenciados pelo expressionismo: o filme noir e o filme de terror. Carl Laemmle e Universal Studios fizeram um nome para si mesmos, produzindo filmes de terror famosos durante a era burra, como O Fantasma da Ópera (Lon Chaney, 1925). Emigrantes alemães inspiraram o estilo e a atmosfera dos filmes de monstros da Universal Studios nos anos 1930, com origens artísticas muito escuras, e assim tornaram-se uma referência para gerações subseqüentes de filmes de terror.
Depois de Fritz Lang (Fúria) na década de 1930, outros diretores de origem germânica, como Otto Preminger (Laura), Robert Siodmak (Os Assassinos) ou Billy Wilder (Seguro contra a Morte) introduziram o estilo expressionista nos filmes policiais dos anos 1940 e influenciaram subsequentemente gerações de cineastas, fazendo com que o expressionismo sobrevivesse.
“O cinema do pós-guerra parecia insistir em acentuar seu caráter enigmático, macabro, sinistro e mórbido. Ele reflete o processo de retirada” na profundidade da alma “realizado pela população durante este período de incerteza”, diz Sigfried Kracauer, especialista no período alemão.
As origens desse movimento cinematográfico, que teve seu melhor momento na década de 20, remontam ao início do século XX, quando o expressionismo emergiu como reflexo da realidade. Alguns diretores assimilaram as teorias e propostas desse fenômeno artístico. Um dos filmes pioneiros foi o Gabinete do Doutor Caligari, filme inspirado em uma série de crimes ocorridos em Hamburgo, na Alemanha. Narrou os crimes chocantes cometidos por Cesare, sob as ordens hipnóticas do Dr. Caligari, que percorreu as feiras das cidades alemãs exibindo seu sonâmbulo. A ideia dos escritores era denunciar o desempenho do estado alemão durante a guerra.
Mas Robert Wiene, que irá dirigi-lo, adicionará duas novas cenas ao roteiro, uma no início e outra no final, o que mudará todo o sentido da história, porque se torna a história imaginária de um louco que acredita que ele vê o diretor do hospital psiquiátrico em que o terrível Dr. Caligari é encontrado.
A principal atração do filme está na sua anormalidade cenográfica, com chaminés oblíquas, reminiscências cubistas e janelas em forma de flechas, todas com uma função meramente dramática e psicológica, e não como algo decorativo. É verdade que o acaso contribuirá para melhorar esse drama, porque, devido à iluminação limitada no estúdio em que foi filmado, foi decidido pintar os cenários com luzes e sombras.
Outra característica a destacar será a composição dos atores e sua interpretação. O gabinete do doutor Caligari obterá grande sucesso. Será, ao lado do personagem de Charlot, o primeiro grande mito da história do cinema. Os críticos franceses cunharam a palavra caligarismo para designar os filmes alemães da nova estética. Wiene dirigirá várias outras obras em anos sucessivos, mas nunca alcançará o sucesso ou a qualidade artística de Caligari. Com a chegada dos nazistas ao poder, ele decidiu ir para o exílio e morreu em Paris em 1938.
O expressionismo evoluirá com uma nova corrente substituindo os tecidos pintados pelos conjuntos, dando lugar a uma iluminação mais complexa como meio expressivo. Isto dá origem a uma nova corrente que se conhecerá como Kammerspielfilm ou Camera Theatre, que possui sua origem nas experiências realistas do teatro de câmara de Max Reinhardt, famoso director de teatro da época.
Essa proposta foi impulsionada, em grande parte, pelo trabalho do roteirista Carl Mayer, cujos dramas às vezes eram simplistas e um tanto teatrais. Diretores importantes foram atraídos por essa corrente, na qual contribuíram para o cinema alemão algumas de suas maiores obras cinematográficas.
Estilistico
Característica são os cenários grotescamente distorcidos fortemente influenciados pela pintura expressionista e pela iluminação contrastante, que foi reforçada pelas sombras pintadas. Uma mise-en-scène surrealista e simbólica cria fortes humores e níveis mais profundos de significado.
Além disso, é sobretudo o estilo gestual exagerado e enfatizado dos atores, que caracteriza o expressionista desse fluxo cinematográfico. É emprestado do precursor artístico, o expressionismo de palco.
A estética do Kammerspielfilm abandona os temas fantásticos e os conjuntos expressionistas, para tentar uma abordagem do drama cotidiano de personagens simples, extraídos da vida real, imersos em um pequeno espaço, a modesta residência, que, sem mais atributos, adquire aqui um caráter claustrofóbico. Baseia-se no respeito, embora não total, das unidades de tempo, lugar e ação, numa grande linearidade e simplicidade argumentativa, o que torna desnecessária a inserção de rótulos explicativos e a sobriedade interpretativa. A simplicidade dramática e o respeito pelas unidades permitem criar atmosferas fechadas e opressivas, nas quais os protagonistas se moverão. A trajetória dessa corrente parece dominada principalmente por três cineastas:
Friedrich Wilhelm Murnau
Friedrich Wilhelm Murnau fundou sua própria produtora em 1919, começando a dirigir filmes nos quais tentaria expressar sua subjetividade com o máximo respeito pelas formas reais do mundo. Nosferatu (1922) é um exemplo disso, um filme que conta o mito do vampiro e será uma de suas obras-primas. Para filmar, recorrerá a cenários naturais, frente à preferência expressionista de filmar as cenas no estúdio. Com a introdução de elementos reais em uma história fantástica, consegue realçar sua veracidade. Ele também fará uso do acelerado e ocioso, e o uso de filme negativo para marcar a passagem do mundo real para o ultrarreal.
Depois de Nosferatu, ele dirigirá El último (Der letze Mann), a história do porteiro de um hotel de luxo que é transferido de um emprego devido à sua idade. O homem não está satisfeito com a perda de seu uniforme e o rouba todos os dias para retornar com ele à sua casa, até que ele seja descoberto. Este trabalho representa a transição clara do expressionismo para o realismo social, embora seja narrado em uma linguagem plástica repleta de protótipos expressionistas. Para dar agilidade à história, Murnau e seu operador, Karl Freund, usarão uma câmera muito dinâmica, amarrada ao peito do último, para fazer circular circular subjetivamente às viagens, e imitar os movimentos de um guindaste, colocando a câmera no final. de uma escada de incêndio.
Murnau fará várias outras obras, sempre com alta qualidade técnica, em anos sucessivos, como as adaptações de Faust e Moliere Tartufo, para acabar aceitando um contrato tentador em Hollywood, onde ganhará um Oscar e morrerá em um acidente de trânsito. 1931
Fritz Lang
Juntamente com Murnau, o austríaco Fritz Lang é outro professor da escola expressionista. O mais antigo filme sobrevivente de sua longa carreira é o Die Spinnen de 1919, mas obteve sucesso e reconhecimento com Der müde Tod (A morte cansada ou As três luzes), em 1921, que narra a luta entre amor e morte. Este trabalho causará um impacto muito importante, e será o que decide a vocação do diretor espanhol Luis Buñuel. Em seu próximo trabalho, Los nibelungos, você terá a chance de demonstrar toda a sua maturidade. Essa exaltação ariana, na qual os hunos são apresentados como seres de raça inferior, parece premonitória dos tempos vindouros.
Metropolis, 1927, será seu trabalho definitivo. Nele, brinque com espaços, volumes e chiaroscuro. Em Metropolis Lang obterá imagens que vão afundar na história do cinema e que o espectador não poderá esquecer: seu mundo subterrâneo opressivo, o deslocamento dos trabalhadores, a inundação, o pânico na cidade, etc. representam o apogeu do expressionismo da ordem arquitetônica, como Caligari estava no pictórico.
Em 1933, Lang fará o testamento do Dr. Mabuse, um filme que foi banido na Alemanha na época. Um pouco mais tarde, ele fugirá para os Estados Unidos, onde continuará seu trabalho e falecerá em 1976.
Georg Wilhelm Pabst
O último grande produtor da estética expressionista alemã foi Georg Wilhelm Pabst. Depois de estrear como ator de teatro, fundou sua própria produtora cinematográfica, na qual realizou seu primeiro filme em 1923, uma obra menor chamada Der Schat. Tornou-se conhecido até dois anos depois com o filme Under the Mask of Pleasure, um drama de miséria, interpretado por Greta Garbo, localizado em um momento histórico e real. De um estilo puramente realista, este trabalho foi filmado inteiramente em estúdio, o que faz perder parte de sua força devido à falsidade de seus conjuntos, mas seu mérito está em apresentar pela primeira vez a situação da burguesia alemã depois da guerra, arruinado e em crise.
Pabst foi o primeiro cineasta a incorporar a psicanálise em um de seus filmes, assistido por dois discípulos de Sigmund Freud, conduzindo um estudo sobre a impotência em 1926. Seus trabalhos seguintes abordaram os problemas da psicologia feminina em uma trilogia: Abwege, La caja de Pandora e Três páginas de um diário, onde através da vida de suas protagonistas femininas fez uma crítica amarga da Alemanha do seu tempo. Esses eram os dois motores que moviam o trabalho de Pabst: os sentimentos e a realidade social de seu país.
Pabst colocou o cinema alemão no caminho do realismo social, e a trilogia feminina seguiu filmes mais engajados social e politicamente, que foram banidos em 1933 após a ascensão ao poder do Nacional-Socialismo. Ele fugiu para a França, onde continuou com seu trabalho, para retornar ao seu país, onde filmou na década de 50 uma denúncia contra o nazismo. Ele morreu em Viena em 1967.
Filmes importantes
O estudante de Praga (1913, diretor: Stellan Rye)
A Serpente da Paixão (1918, dirigido por Jakob e Luise Fleck)
Ópio (1919, dirigido por Robert Reinert)
Nervos (1919, dirigido por Robert Reinert)
O Gabinete do Dr. Ing. Caligari (1920, diretor: Robert Wiene)
De manhã à meia-noite (1920, diretor: Karlheinz Martin)
Genuine (1920, diretor: Robert Wiene)
Algol (1920, diretor: Hans Werckmeister)
O Golem, como ele entrou no mundo (1920, diretor: Paul Wegener)
A morte cansada (1921, dirigida por Fritz Lang)
O gato da montanha (1921, diretor: Ernst Lubitsch – paródia do expressionismo)
Dr. Mabuse, o jogador (1922, diretor: Fritz Lang)
Nosferatu, uma sinfonia de horror (1922, diretor: Friedrich Wilhelm Murnau)
Vanina (1922, diretor: Arthur von Gerlach)
Fantasma (1922, diretor: Friedrich Wilhelm Murnau)
Sombra (1923, diretor: Arthur Robison)
Raskolnikov (1923, diretor: Robert Wiene)
The Street (1923, dirigido por Karl Grune)
Aelita (1924, diretor: Yakov Protasanov)
Mãos de Orlac (1924, diretor: Robert Wiene)
A cidade sem judeus (1924, diretor: Hans Karl Breslauer)
O Museu de Cera (1924, Diretor: Paul Leni)
O Último Homem (1924, Diretor: Friedrich Wilhelm Murnau)
Na Crônica de Grieshuus (1925, dirigido por Arthur von Gerlach)
Faust – uma lenda popular alemã (1926, diretor: Friedrich Wilhelm Murnau)
O Casaco (1926, dirigido por Grigori Kosinzew e Leonid Trauberg)
Metropolis (1927, diretor: Fritz Lang)
M (1931, diretor: Fritz Lang)
Vida após a morte
A curta época do filme expressionista já havia terminado em meados da década de 1920. Quando, após a tomada do poder pelos nazistas em 1933, muitos dos ex-protagonistas deixaram a Alemanha em busca de Hollywood, apenas os efeitos posteriores puderam ser sentidos ali. Especialmente dois gêneros foram influenciados por ela e podem ser considerados como “herdeiros” do expressionismo cinematográfico: o filme de terror e o filme noir.
Hoje, o trabalho de David Lynch parece inspirado no expressionista (Fritz Lang: M) e no filme surrealista (Luis Buñuel, Salvador Dalí: Um cão andaluz). Werner Herzog virou em 1979 como uma homenagem a um remake Nosferatu com Klaus Kinski no papel principal. Da mesma forma um remake com som de um famoso filme mudo expressionista, o diretor americano David Lee Fisher filmou 2006 com o tiro em preto-e-branco O Gabinete do Dr. Caligari, onde os atores de hoje atuam na tela azul na frente das cenas do filme. filme original.
Tim Burton geralmente constrói cenas bizarras em seus filmes. Por exemplo, os cenários no mundo dos espíritos em Beetlejuice, ou “Halloweentown” em Nightmare Before Christmas, e as cenas no filme Corpse Bride – Wedding with Dead Body são muito influenciadas pelos modelos expressionistas. Lemony Snicket – Eventos enigmáticos, as filmagens de Lemony Snickets Uma série de eventos tristes, fortemente baseada nesses filmes Burton e, portanto, também fortemente baseada no estilo expressionista.