O hiperrealismo é um gênero de pintura e escultura que se assemelha a uma fotografia de alta resolução. O hiperrealismo é considerado um avanço do fotorrealismo pelos métodos usados para criar as pinturas ou esculturas resultantes. O termo é aplicado principalmente a um movimento e estilo de arte independentes nos Estados Unidos e na Europa, que se desenvolve desde o início dos anos 1970. Carole Feuerman é a precursora do movimento hiperrealista, juntamente com Duane Hanson e John De Andrea.
O hiper-realismo é uma forma de arte, pintura e escultura, mas também inclui fotografia e cinema. O realismo sempre foi um elemento importante na série de estilos artísticos. O hiper-realismo é um desenvolvimento adicional do realismo e está relacionado à arte pop. Seu ideal não é necessariamente uma réplica exata fiel à vida, como é típico do realismo, mas um exagero fotorrealista da realidade, uma “realidade exagerada”. A abstração é rejeitada.
Um elemento essencial do hiperrealismo é a renúncia do artista à interpretação subjetiva. O hiperrealismo usa meios de expressão do realismo fotográfico, nos quais o conteúdo da imagem é pintado com um nível de detalhe que lembra uma fotografia. Enquanto o foto-realismo quer ser bonito acima de tudo por meio da representação brilhante e realista, o hiper-realismo na representação realidade fria e profana “exageradamente perturbadora” coloca a questão da natureza das coisas em um contexto existencial quase irônico. Por exemplo, as pinturas de paisagens de Gottfried Heln trabalham principalmente com o realismo fotográfico, uma vez que são principalmente “bonitas”, mas não têm o caráter perturbador de seus retratos. No entanto, devido às cicatrizes e feridas tornadas visíveis pelo artista, é mais provável que elas sejam atribuídas ao hiperrealismo; os limites são fluidos e é “irrelevante se essas fotos são fotografadas ou pintadas”.
História
O negociante de arte belga Isy Brachot cunhou a palavra francesa Hyperréalisme, que significa Hyperrealismo, como o título de uma grande exposição e catálogo em sua galeria em Bruxelas em 1973. A exposição foi dominada por fotorrealistas americanos como Ralph Goings, Chuck Close, Don Eddy, Robert Bechtle e Richard McLean; mas incluía artistas europeus influentes como Domenico Gnoli, Gerhard Richter, Konrad Klapheck e Roland Delcol. Desde então, o Hyperealisme tem sido usado por artistas e revendedores europeus para aplicar a pintores influenciados pelos fotorrealistas. Entre os pintores hiperrealistas europeus contemporâneos, encontramos Gottfried Helnwein (austríaco), Willem van Veldhuizen e Tjalf Sparnaay (holandês), Roger Wittevrongel (belga), além dos franceses Pierre Barraya, Jacques Bodin, Ronald Bowen, François Bricq, Gérard Schlosser, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Gilles Aillaud e Gérard Fromanger.
No início do século XXI, o hiperrealismo foi fundado nos princípios estéticos do fotorrealismo. O pintor americano Denis Peterson, cujas obras pioneiras são universalmente vistas como uma ramificação do fotorrealismo, usou o “hiperrealismo” pela primeira vez para aplicar ao novo movimento e seu grupo dissidente de artistas. Graham Thompson escreveu “Uma demonstração de como a fotografia se assimilou ao mundo da arte é o sucesso da pintura fotorrealista no final dos anos 60 e início dos anos 70. É também chamado de super-realismo ou hiper-realismo e pintores como Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack e Chuck Close costumavam trabalhar com fotografias para criar pinturas que pareciam ser fotografias “.
No entanto, o hiperrealismo contrasta com a abordagem literal encontrada nas pinturas fotorrealistas tradicionais do final do século XX. Os pintores e escultores hiperrealistas usam imagens fotográficas como fonte de referência para criar uma renderização mais definitiva e detalhada, que muitas vezes, diferentemente do fotorrealismo, é narrativa e emotiva em suas representações. Pintores fotorrealistas estritos tendiam a imitar imagens fotográficas, omitindo ou abstraindo certos detalhes finitos para manter um desenho pictórico consistente e abrangente. Eles frequentemente omitiam a emoção humana, o valor político e os elementos narrativos. Desde que evoluiu da Pop Art, o estilo fotorrealista da pintura era excepcionalmente rígido, preciso e nitidamente mecânico, com ênfase nas imagens mundanas e cotidianas.
O hiper-realismo, embora essencialmente fotográfico, geralmente envolve um foco mais suave e muito mais complexo sobre o assunto descrito, apresentando-o como um objeto vivo e tangível. Esses objetos e cenas nas pinturas e esculturas do hiperrealismo são meticulosamente detalhados para criar a ilusão de uma realidade não vista na foto original. Isso não quer dizer que sejam surreais, pois a ilusão é uma representação convincente da realidade (simulada). Texturas, superfícies, efeitos de iluminação e sombras parecem mais nítidos e mais distintos do que a foto de referência ou mesmo o próprio assunto.
O hiperrealismo tem suas raízes na filosofia de Jean Baudrillard, “a simulação de algo que realmente nunca existiu”. Assim, os hiper-realistas criam uma realidade falsa, uma ilusão convincente baseada em uma simulação da realidade, a fotografia digital. As pinturas e esculturas hiper-reais são um resultado de imagens de altíssima resolução produzidas por câmeras digitais e exibidas em computadores. À medida que o fotorrealismo emulava a fotografia analógica, o hiper-realismo usa imagens digitais e as expande para criar um novo senso de realidade. Pinturas e esculturas hiper-realistas confrontam o espectador com a ilusão de imagens manipuladas de alta resolução, embora mais meticulosas.
O fotorrealismo como precursor do hiperrealismo
Na década de 1920, os pintores de precisão já trabalhavam com a ajuda de fotografias reproduzidas fielmente (como no caso de Charles Sheeler, pintor e fotógrafo ao mesmo tempo). Mas é inegável que a pop art continua a ser o precursor imediato do hiperrealismo, uma vez que leva a iconografia do cotidiano, permanece fiel à distância de seu foco e produz as mesmas imagens neutras e estáticas.
Os fotorrealistas nunca formaram um grupo, mas fizeram exposições que os apresentaram como um estilo: a imagem fotográfica e 22 realistas, ambos em Nova York, em meados da década de 1960. Naquela época, a abstração era a tendência dominante e o realismo era desaprovado; Foi considerada uma arte que copiava de fotografias ou realidade e sem nenhum interesse. No entanto, artistas como Chuck Close ou Richard Estes desenvolveram técnicas totalmente novas para representar a realidade, alcançando resultados às vezes surpreendentes.
Outros artistas americanos dessa tendência são Don Eddy, John Salt, Ralph Goings, Robert Cottingham, John Kacere, Paul Staiger, Richard McLean, Malcolm Morley e John de Andrea.
Como todos os fotorrealistas, não há traços de pinceladas e o artista parece estar ausente; as pinturas são cobertas com uma fina camada de tinta, aplicada com pistola e pincel, sendo raspadas, se necessário, com uma lâmina para que não haja alívio, não importa. Adicionado a isso é a precisão nos detalhes. Ao usar a moldura no processo da realidade, o que é quebrado e manipulado duas vezes (tanto na moldura quanto na fotografia), diferenciando o realismo tradicional do fotorrealismo.
É graças a esse tipo de arte que nasce o hiperrealismo.
Hiperrealismo
O hiperrealismo de hoje foi fundado nos princípios estéticos do fotorrealismo. O pintor americano Denis Peterson, cujas obras pioneiras são universalmente vistas como um ramo do fotorrealismo, primeiro usou o termo “hiperrealismo” para aplicar ao novo movimento e seu grupo dissidente de artistas.
Graham Thompson escreveu: “Uma demonstração de como a fotografia foi assimilada ao mundo da arte é o sucesso da pintura fotorrealista no final dos anos 1960 e início dos anos 1970. É também chamado de super realismo ou hiperrealismo e pintores como Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack e Chuck Close costumava trabalhar com fotografias para criar pinturas que pareciam ser fotografias “.
No entanto, o hiperrealismo contrasta com a abordagem literal encontrada nas pinturas fotorrealistas tradicionais do final do século XX. Pintores e escultores hiperrealistas usam imagens fotográficas como fonte de referência para criar uma representação mais definitiva e detalhada, que muitas vezes é diferente do fotorrealismo, narrativa e emocional em suas representações. Pintores fotorrealistas estritos tendiam a imitar imagens fotográficas, omitindo ou abstraindo certos detalhes finitos para manter um desenho pictórico consistente geral. Eles freqüentemente omitiam a emoção humana, a coragem política e os elementos narrativos. Desde que evoluiu da Pop Art, o estilo fotorrealista da pintura tem sido excepcionalmente rígido, preciso e profundamente mecânico, com ênfase nas imagens mundanas e cotidianas.
O hiperrealismo, embora essencialmente fotográfico, geralmente envolve uma abordagem mais suave e muito mais complexa do assunto que está sendo retratado, apresentando-o como um objeto vivo e tangível. Esses objetos e cenas em pinturas e esculturas hiperrealistas são meticulosamente detalhados para criar a ilusão de uma realidade não vista na foto original. Isso não significa que eles sejam surreais, pois a ilusão é uma representação convincente da realidade (simulada). Texturas, superfícies, efeitos de iluminação e sombras parecem mais claros e claros que a foto de referência ou até o próprio objeto.
Em relação à escultura hiper-realista americana, devemos destacar Duane Hanson, que reproduz personagens em tamanho real das classes trabalhadoras, e Segal, que usa a mesma técnica que Hanson: moldar gesso, encher os moldes com fibra de vidro. vidro e poliéster, montagem das peças e pintado em cor de pele; A peça é finalizada vestindo-a com roupas usadas. John de Andrea esculpe nus de hiperrealismo tão pronunciados que parecem pessoas reais, assim como Nancy Graves faz com suas esculturas de camelo.
Algumas das figuras mais relevantes do hiperrealismo seriam os pintores Antonio López, Eduardo Naranjo ou Gregorio Palomo.
No mercado de arte atual, os números mais consolidados de sua carreira são o chileno Claudio Bravo, que através de suas naturezas-mortas, desenhos e, principalmente, sua série de pinturas em tecidos, embalagens e papéis, conseguiu reinventar o hiperrealismo, dando-lhe uma status quase metafísico; e o argentino Enrique Sobisch, que vive e morre em Madri, cujas obras, de grande perfeição artística, competem com o instantâneo fotográfico.
Pintura hiperrealismo
Na pintura, essa direção é particularmente representada por Chuck Monroe, Don Eddy, Claudio Bravo, Chuck Close, Richard Estes, Ralph Goings, Audrey Flack, Vija Celmins, Franz Gertsch, Rudolf Häsler ou Gottfried Helnwein. Os artistas contemporâneos que trabalham com meios hiper-realistas incluem Jeff Koons, Ron Mueck e Luigi Rocca, além dos aerógrafos Hajime Sorayama, Gerard Boersma e Dru Blair e vários outros artistas (na Alemanha, por exemplo, Maximilian Pfalzgraf, Günther Hermann, Lars Reiffers, Dietmar Gross ou Roland H. Heyder, com seu “Realismo Fantástico”). O sueco Tommy TC Carlsson trabalha com dispositivos estilísticos hiper-realistas em sua arte de objetos (“Modern Illusion Art”). Roland Delcol, nascido em Bruxelas em 1942, é um representante idiossincrático entre o hiperrealismo e o pluralismo pós-moderno de hoje.
Estilo e métodos
O estilo hiperrealista concentra muito mais sua ênfase nos detalhes e nos assuntos. As pinturas e esculturas hiper-reais não são interpretações estritas das fotografias, nem são ilustrações literais de uma cena ou assunto em particular. Em vez disso, eles usam elementos pictóricos adicionais, muitas vezes sutis, para criar a ilusão de uma realidade que de fato não existe ou não pode ser vista pelo olho humano. Além disso, eles podem incorporar elementos temáticos emocionais, sociais, culturais e políticos como uma extensão da ilusão visual pintada; um afastamento da escola de fotorrealismo mais antiga e consideravelmente mais literal.
Pintores e escultores hiperrealistas permitem alguns meios mecânicos de transferência de imagens para a tela ou molde, incluindo desenhos preliminares ou pinturas e moldes de grisaille. Projeções de slides fotográficos ou projetores multimídia são usados para projetar imagens em telas e técnicas rudimentares como a grade também podem ser usadas para garantir a precisão. As esculturas utilizam poliésteres aplicados diretamente no corpo ou molde humano. O hiper-realismo requer um alto nível de capacidade técnica e virtuosismo para simular uma realidade falsa. Como tal, o hiper-realismo incorpora e freqüentemente capitaliza limitações fotográficas, como profundidade de campo, perspectiva e alcance do foco. Anomalias encontradas em imagens digitais, como a fractalização, também são exploradas para enfatizar suas origens digitais por alguns pintores hiperrealistas, como Chuck Close, Denis Peterson, Bert Monroy e Robert Bechtle.
Temas
O assunto varia de retratos, arte figurativa, natureza morta, paisagens, paisagens urbanas e cenas narrativas. O estilo hiperrealista mais recente é muito mais literal do que o fotorrealismo, para expor detalhes pictóricos com ênfase em temas sociais, culturais ou políticos. Isso também contrasta fortemente com o fotorrealismo simultâneo mais recente, com sua contínua evitação de anomalias fotográficas. Pintores hiperrealistas simulam e aprimoram imagens fotográficas precisas para produzir ilusões visuais opticamente convincentes da realidade, geralmente em um contexto social ou cultural.
Alguns hiper-realistas expuseram regimes totalitários e governos militares do terceiro mundo através de suas descrições narrativas do legado do ódio e da intolerância. Denis Peterson e Gottfried Helnwein retrataram desvios políticos e culturais da decadência social em seu trabalho. O trabalho de Peterson se concentrou em diásporas, genocídios e refugiados. Helnwein desenvolveu um trabalho narrativo não convencional, centrado nos desvios do passado, presente e futuro do Holocausto. Assuntos provocativos incluem imagens enigmáticas de genocídios, suas conseqüências trágicas e as conseqüências ideológicas. Tematicamente, esses controversos artistas hiper-reais enfrentaram agressivamente a condição humana corrompida através de pinturas narrativas como um meio fenomenológico. Essas pinturas realistas são um comentário histórico sobre os maus tratos grotescos aos seres humanos.
As pinturas e esculturas hiper-reais criam ainda mais solidez tangível e presença física através de efeitos sutis de iluminação e sombreamento. As formas, formas e áreas mais próximas à vanguarda da imagem aparecem visualmente além do plano frontal da tela; e no caso das esculturas, os detalhes têm mais clareza do que na natureza. As imagens hiper-realistas costumam ter entre 10 e 20 vezes o tamanho da fonte de referência fotográfica original, mas mantêm uma resolução extremamente alta em cores, precisão e detalhes. Muitas das pinturas são realizadas com um aerógrafo, usando acrílicos, óleos ou uma combinação de ambos. As esculturas realistas de Ron Mueck são dimensionadas muito maiores ou menores que a vida e terminadas em detalhes incrivelmente convincentes através do uso meticuloso de resinas de poliéster e vários moldes. As imagens digitais de Bert Monroy parecem ser pinturas reais tiradas de fotografias, mas são totalmente criadas em computadores.
Crítica
Uma visão crítica do hiperrealismo enfatiza a natureza sem imaginação da representação: “O hiperrealismo desperdiça as possibilidades que a pintura tem a favor de uma simples piada dentro da competição entre pintura e fotografia”. O hiper-realismo americano nas décadas de 1960 e 1970 tornou-se europeu descrito como “americano à caricatura”: “Esse hiper-realismo desenvolvido e difundido da arte pop dos anos 60 foi hiper-provocativo, hiper-superficial e hiper-comercial”.