O retrato interior (retrato de interior) ou, em alemão, Zimmerbild (imagem de sala), é um gênero pictórico que apareceu na Europa no final do século XVII e desfrutou de uma ótima moda na segunda metade do século XIX. Envolve uma representação cuidadosa e detalhada de um espaço vivo, sem qualquer pessoa. Essas pinturas foram geralmente feitas como aquarelas e exigiam grande domínio técnico, se pouca criatividade. Em meados do século 20, embora essas cenas ainda estivessem sendo criadas, a fotografia mudou esse estilo de pintura em uma forma de arcaísmo intencional.

O termo retrato de interior refere-se a um gênero de pintura que trata da representação de interiores – principalmente privados – e que foi quase exclusivamente na época cultural do Biedermeier foi generalizado.

O retrato interior não deve ser confundido com o que é chamado de “peça de conversação” na Inglaterra; um termo que designa uma cena com um grupo de pessoas envolvidas em alguma atividade e muitas vezes colocadas ao ar livre. A peça interior verdadeira mostra apenas a sala e a decoração, embora a atividade anterior possa ser sugerida pela colocação de artigos na sala.

Havia pinturas como desenhos, aquarelas e gouaches, bem como em diferentes técnicas de mistura. Eles eram relativamente pequenos, o tamanho médio da paisagem era de aproximadamente 32,5 × 22,5 cm, grandes desvios para cima ou para baixo ocorreram, mas eram raros. As ilustrações seguiram na maioria dos casos o princípio da caixa definida. O foco foi geralmente ligeiramente deslocado do centro para a esquerda. Essas obras não eram obra de amadores, mas de artistas profissionais, em parte por “pintores de salas” especializados. Um exemplo claro da apreciação que o gênero tem desfrutado por um tempo é uma série de nove aquarelas que o famoso pintor arquitetônico Eduard Gaertner encomendou a família real para criar interiores no Palácio da Cidade de Berlim.

O estado de um determinado interior foi descrito com grande precisão em um determinado momento – a aparência e a colocação de móveis, as cores e padrões de papel de parede, cortinas e tapetes, o design de salas com obras de arte, objetos cotidianos ou ornamentos. Esta reprodução detalhada dos interiores revela quão intensamente os contemporâneos trataram dos objetos de seu ambiente privado e, ao mesmo tempo, deixa claro que eles também queriam documentar isso. As pessoas raramente eram exibidas nessas fotos e, em caso afirmativo, então, mal com suas características individuais, mas de pequena escala e em uma atividade que correspondia ao propósito de cada sala. Acima de tudo, o indivíduo estava indiretamente presente através da descrição exata de seu ambiente privado.

As fotos do quarto geralmente eram encomendadas como presentes pessoais em certas ocasiões. A princesa príncipe Elisabeth deu a seus pais uma foto de seu berçário berlinense quando ela foi para Darmstadt casada jovem. E uma aguarela do estudo do Grão-Duque Ludwig II de Hesse-Darmstadt foi uma cópia após sua morte e foi distribuída póstuma. As folhas foram eventualmente transmitidas, pelo menos não publicamente emitidas e não vendidas. Eles foram reunidos em álbuns – um emprego então popular entre as mulheres na sociedade – e olhou para eles em um ambiente familiar. Além de seu significado emocional, essas antologias também foram imagens da compreensão da arte, do nível educacional e do status social de seus donos.

Retrato inicial do interior
O interior estava presente nas obras gráficas dos alemães e no início dos Países Baixos no século XVI, nas pinturas dos holandeses no século XVII, usado como fundo na frente e retratos íntimos. No século XVII, a imagem dos interiores tornou-se um gênero inicial da arte nacional.

Nos dias da Idade Média européia, a atenção foi dada não só aos interiores das igrejas e catedrais românicas e góticas, mas também às habitações privadas. Os interiores monásticos e seculares (românico e gótico) diferiram em ascetismo e mobiliário mínimo. Mas, mesmo assim, há uma redistribuição de instalações por nomeação – cozinhas, salões, salas de jantar, quartos para os proprietários, quartos de hóspedes e seus quartos, moradias para servos, arsenais, guardiões. Um número limitado de interiores medievais ou seus cantos se reflete em miniaturas contemporâneas, em desenhos do gentio tardio, nas obras da pintura holandesa primitiva, que se baseou há muito na experiência da Idade Média nacional. A imagem dos interiores evoluiu lentamente a partir da imagem esquemática

A obra-prima da pintura holandesa inicial foi o retrato do trabalho de Arnolfini dos noivos, Jan van Eyck (1434, National Gallery (Londres)). O artista apresentou um momento de juramento de casamento no interior da casa dos burgueses, onde se casou com um comerciante italiano, que há muito se instalou nos Países Baixos. Jan van Eyk ousou expandir os limites do retrato habitual também, sem ocultar a diferença de idade e caráter dos recém-casados, reproduziu exatamente as roupas incomuns agora. Os recém-casados ​​estão no quarto, iluminados por uma luz macia e brilhante da janela. Seguindo uma tradição medieval, Jan van Eyk colocou no quarto uma série de coisas que tinham significado prático e simbólico: uma vela acesa – uma pitada de casamento, uma laranja na janela – uma pitada de prazer, uma cachorrinha de quarto – uma alegoria de lealdade, um machado ou um arnês – um sinal de piedade e assim por diante. Mas a especificidade da imagem das coisas domésticas devolve o espectador à realidade e à relação das coisas na vida cotidiana, as aspirações dos governantes à pureza, conveniência, bem-estar e conforto, tão inerente e agradável nas casas de os Países Baixos, e isso não é usual para os italianos barulhentos e nômades que podem então converter palácios iguais no quadrado nômade. O inconveniente e a incoerência dos interiores italianos queixaram-se aos viajantes holandeses e alemães.

Numerosas imagens de interiores foram criadas por mestres de gráficos alemães. Entre eles, como cenas religiosas (“Anunciação”, “Esticão”), bem como a imagem dos pais fundadores (“São Jerônimo na cela”). A imagem de São Jerônimo na cela foi praticamente canonizada e logicamente transformada dos mestres medievais aos mestres da era da regeneração e do maneirismo, onde cada um deles submeteu sua própria interpretação das células do teólogo.

Entre as histórias seculares, a atenção é atraída para as imagens raras das pessoas durante o tempo de lazer (Izrael van Mekenem Jr. (1440-1503), gravura “The Dance in Roundabout”) ou um ciclo de gravuras com imagens de artesãos em suas próprias oficinas (gravador Yost Amman, “Brewer”, “Tkach Kilimar”, “Printing House”, “Farmácia”, “Salão de cabeleireiro”, “Vitrina de estúdio”). Os interiores não são separados de pessoas ou situações domésticas – e não serão separados por um longo tempo ainda. Mas os mestres reproduziram livremente as peculiaridades do mobiliário contemporâneo, utensílios domésticos, máquinas-ferramentas, instrumentos e roupas da época. No ciclo de gravuras com artesãos, são precisamente esses ofícios que são caracterizados por técnicas recursos, recursos específicos e até recursos da tecnologia.

Retrato interior do século XVII
Este tipo de cena aparece pela primeira vez no final do século XVII. Naquela época, a intenção era inteiramente descritiva. Eles costumavam ser feitos especificamente para mostrar o conteúdo de uma galeria de arte, biblioteca pessoal ou gabinete de curiosidades. Um dos primeiros exemplos conhecidos retrata a biblioteca de Samuel Pepys em Londres, datada de 1693. Eles ainda são valorizados hoje por pesquisadores e decoradores. No caso de Pepys, pode-se ver, em primeira mão, como um erudito da época organiza seus livros em uma estante de livros (uma inovação na época), usa um púlpito, coloca almofadas para seu conforto, trava mapas, etc.

A arte da Holanda tem crescido logicamente na arte de todas as regiões que faziam parte do território da Holanda histórica nos séculos 15 e 16, quando eles, juntamente com a Flandres, eram membros de uma única formação político estadual. A partir do século 17 houve uma divisão estatal e artística, que resultou na formação de duas escolas artísticas nacionais, de origem única, mas de caráter diferente. As diferenças confessionais também contribuíram para a distinção artística. O sul dos Países Baixos e a Flandres permaneceram no seio do catolicismo, onde a arte religiosa teve uma nova floração no século XVII. no estilo barroco. A Holanda tornou-se predominantemente um estado protestante com guias realistas em cultura e o uso limitado de estilícies barrocas.

No início do século 17, a Holanda experimentou vários anos de auto afirmação e vivacidade. Porque a luta pela independência do poderoso império da Espanha terminou com sucesso. Houve um longo trabalho no reconhecimento do jovem estado, que acabou de aparecer no mapa político da Europa Ocidental. A auto-afirmação e a alegria eram inerentes ao comportamento dos habitantes e da arte nacional, que estava ativamente privado de restrições religiosas que passaram da Itália católica. O domínio do protestantismo, que não reconheceu a pintura religiosa do modelo católico e passou pelo estágio da iconoclastia, levou a uma redução significativa nos pedidos de pinturas religiosas. E, pelo contrário, levará a uma propagação explosiva de temas seculares nos gêneros. Foi na arte da Holanda que o poder e o desenvolvimento extraordinários adquiriram um retrato, uma paisagem, um gênero cotidiano, ainda a vida, o interior como gênero, que nem sequer conhecia os famosos centros de arte contemporânea da Itália ou da França.

Os artistas holandeses estão encantados de pintar os interiores de suas próprias habitações estrangeiras. Quase todas as composições do famoso Jan Wermer são apresentadas em interiores acolhedores e burgueses. Mestres incomuns de interiores com figuras eram Jan Stan, Peter de Hooh, Gerard Terborh. Deserta após anos de iconoclasia, os interiores ascéticos das igrejas pintadas por Peter Sanremad, Antony de Lorme. Os sentimentos mais quentes são interiores sagrados nas pinturas de Emmanuel de Witte, iluminadas pelo sol e sem detalhes. Casas de meia camponesas de tecelãs pobres, artistas, barritas, notários, artesãos pequenos, ferreiros forjados foram gravadas por Peter Codde, Cornelis Beag, Michiel van Mücher, Adrian van Gasbeck, Cornelis Belt. A parte das composições foi com o canto obrigatório do interior – é “cientista em seu próprio escritório”. Rembrandt, Solomon Konink, Bartolomeus Maton, Constantine Nettsher, Dominique van Tol criaram suas próprias variantes com um personagem adulto ou cinza, seja como teólogo ou como astrólogo (com livros, um globo). Os interiores nas pinturas de mestres holandeses acompanham uma pessoa do nascimento à morte ou a uma “lição de anatomia” (visitada por todos aqueles que gostam), um gênero especial da arte holandesa do século XVII.

A arte holandesa do século XVII tornou-se um fenômeno peculiar na situação artística da Europa no século XVII. Por artistas fundados pela Holanda, artistas de outras escolas artísticas europeias da Europa irão.

Não foi até o último quarto do século 18 que surgiu um novo tipo de retrato interior com uma intenção diferente. Este tipo surgiu em empresas de arquitetura e foi feito em benefício de seus clientes. Grandes arquitetos como James Adam e seu irmão Robert Adam da Escócia e François-Joseph Bélanger executariam aquarelas de seus projetos anteriores para atrair potenciais clientes. Isso criou uma moda entre os ricos e a nobreza para encomendar quadros de seus próprios quartos, para mostrar e preservar para a posteridade. Essas pinturas foram muitas vezes compiladas em álbuns. Esta mania era particularmente prevalente na Inglaterra. A partir daí, espalhou-se amplamente em toda a Europa.

Uma característica do Biedermeier foi o desenvolvimento da simplicidade e da modéstia – não como uma atitude ética, mas como uma questão de estilo. Em vez de formas transbordantes e aplicação abundante de ouro, objetos simples, formalmente reduzidos e materiais simples mas magistrados foram considerados como prova de qualidade estética. Esse tipo particular de modéstia modesta foi dispendioso. A nobreza e, cada vez mais, a burguesia rica poderia pagar isso – e eles tiveram as conquistas registradas em imagens.

Periodização no século 18
Por algum tempo, a arte do século XVIII. na França, foram divididos em dois períodos principais – rococó e classicismo (ou neoclassicismo do final do século 18) ou reis improdutivos. Esta abordagem simplista, que prevaleceu na arte da França, é bastante esquemática e não depende dos padrões históricos e da sua impressão na realidade. A abordagem simplista ignorou as mudanças reais, com ênfase em outros eventos, empurrou o calor da luta anti-malária e a importância de um período como o classicismo revolucionário, um fenômeno único da arte da Europa Ocidental.

A imagem real da luta das idéias e das mudanças de estilos foi muito mais complicada, desagradável, multi-estágio.

As primeiras décadas do século XVIII. – é o classicismo acadêmico, muito peculiar e mais parecido com o classicismo “barroco”.
As direções estilísticas foram precedidas por um período de pré-coco, cujos brotos fracos atravessaram o trabalho de vários mestres diferentes, não necessariamente franceses (holandês Nicholas Berchem, carreira italiana de Rosalba de Veneza)
Rococó (que reinava entre o classicismo acadêmico do século XVII e o neoclasicismo do final do século).
Iluminação desenvolvida em paralelo e de forma síncrona com o rococó e preparou praticamente a revolução antifeuta do biénio 1789-1793.
Classicalismo do final do século 18. na convivência com o sentimentalismo, o classicismo revolucionário de curto prazo e impostas à arte da França (Napoleão e seus adeptos do marechal) Império.
O classicismo (e o Império) duraram até os anos 1830 e 1850 e coexistiram com o romantismo.
Quase em todos os períodos, a pintura histórica, declarou um gênero presidencial, perdeu suas posições de liderança, cedendo ao gênero retrato. Para praticamente todos os artistas conhecidos do século, partidários rocosos da França e da Itália, eram portraitistas, e o retrato estava no centro da luta das idéias, praticamente dirigido para a busca artística. .

Interior em pintura rococó
O início do século 18 em Paris foi marcado pelo nascimento do estilo rococó. Para a formação de um novo estilo de pintura foram envolvidos artistas franceses Antoine Watteau e italiano de Veneza Rosalba Career, apoiados ativamente pelo rico e padroeiro Pedro Croz. Germain Bofran tornou-se a primeira figura significativa entre os designers de interiores que iniciaram o Rococo na decoração do palácio de numerosos hotéis (propriedades urbanas privadas de aristocratas franceses). O Salão Oval do Hotel Subiz tornou-se um modelo de um novo estilo – com a rejeição da tectônica clássica e das pilastras colunas, com janelas arqueadas, decoração de vegetais, colocadas nas fotos e passadas para o teto. Edifícios comuns são substituídos por painéis de madeira, pinturas e espelhos são tecidos em ornamentos de enrolamento estranho, leve e caprichoso. Uma característica importante do interior são móveis leves e confortáveis, que suplantaram o luxuriante e pesado mobiliário barroco.

A arte, como tal, permanece aristocrática e atende as necessidades dos estados privilegiados da sociedade. A arte do rococó (com sua frivolidade, o culto ao prazer, o flerte) existe como para agradar a aristocracia e entretê-la facilmente ao lazer. Ficaria uma das páginas de moda, se não fosse abordar a estilística do rococó por vários artistas extremamente talentosos, incluindo Germain Boffran. Pela primeira vez desde a era gótica, os interiores recusaram a ordem, substituindo-a por decoração vegetativa ou ondulada. Mudanças na moda, reparos e redesenvolvimento de instalações em outros estilos não contribuíram para a preservação de interiores do rococó. A noção de seu valor artístico significativo virá mais tarde. Foi então, no século 19, que eles seriam gravados em uma série de aquarelas (pintadas por Hau Edward Petrovich, interiores do Grande Palácio Gatchina), em fotos e fotos do século XX. O valor artístico considerável das raridades rococo nas rochas do Reino Unido faz os historiadores se moverem para a decoração única do Palácio Norfolk Nouus no Museu Victoria e Albert (Norfolk Nawas Music Hall), onde se tornará uma exibição importante do passado.

Apogee no século XIX
O primeiro exemplo historicamente importante do retrato interior representa uma pequena galeria de arte criada pela Imperatriz Josephine em Malmaison em 1812. Nesta aquarela de Auguste-Siméon Garneray, podemos ver sua harpa, coleção de arte e seu xale, deixados em uma poltrona . Assim, aparece um novo elemento: os elementos psicológicos da decoração e uma presença humana palpável. Pode-se sentir as emoções e pensamentos do dono. Nesse sentido, as pinturas realmente se tornaram “retratos”.

O século XIX experimentará uma moda dessas representações pictóricas, o que é explicado por muitos fatores. Nas classes sociais elevadas, o fenômeno coincide com a importância crescente dada à casa como um lugar de conforto, intimidade, família. As funções das moedas estão cada vez mais especializadas: por exemplo, o conceito da sala de jantar agora é padrão6. Por outro lado, o desenvolvimento de novas classes médias, ansioso para copiar o gosto aristocrático, aumenta o movimento: à medida que o século avança, os móveis se tornam mais acessíveis, graças às tecnologias industriais que o fabricam em série, em uma grande variedade de escolha. Finalmente, os modos decorativos são renovados rapidamente, os estilos anteriores são revisados: neo-gótico, neoclássico, neo-Louis XV, etc. Por isso, é comum que os proprietários façam a exibição de seu interior para lembrar, oferecer ou legar .

A imensa popularidade dessas pinturas no século XIX pode ser explicada por muitos fatores. Entre o nouveau-riche e a burguesia, foi dada grande importância à casa como um lugar de conforto, intimidade e família. Este período também viu uma especialização (por exemplo, salas de jantar separadas) que já eram conhecidas apenas pelos muito ricos. Essas novas “classes médias” também estavam ansiosas para copiar sabores aristocráticos e a industrialização fez uma variedade muito maior de móveis facilmente acessíveis. Finalmente, os estilos decorativos foram constantemente mudados e ressuscitados, de modo que os retratos interiores eram uma maneira de preservar as memórias e legá-las até a próxima geração.

A rainha Victoria gostava muito desses retratos, pois eles permitiram que ela dê uma olhada na vida familiar amorosa e nos confortos de casa de uma maneira elegante. A mania foi assim espalhada por toda a Família Real da Europa. Devido ao número de palácios ricamente decorados que possuíam (o Palácio de Inverno, Tsarskoye Selo, Palácio Gatchina, Palácio de Peterhof, Palácio de Pavlovsk …), os czaristas estavam entre os comissários mais entusiasmados de retratos de interiores. Praticamente todos os seus quartos (exceto os mais particulares) foram renderizados pelo menos uma vez; Algumas vezes. Estas aquarelas são consideradas entre os melhores do seu gênero.

Nas seções históricas imediatamente a seguir, as imagens mantiveram seu valor de memória particular por um tempo, mas perderam o significado através da mudança nas visões estéticas e nos hábitos individuais. O desejo de documentar suas próprias quatro paredes desta maneira especial já não era tão prevalente quanto antes. Quem ainda quisesse usar o “moderno” meio de fotografia. A uma distância maior da sua criação, no entanto, as pinturas da sala Biedermeier tornaram-se de novo importantes fontes de informação especial sobre a história cultural.

O ressurgimento no século XX
No século XX e hoje, alguns artistas perpetuam essa tradição. Os artistas perpetuam hoje a arte do retrato de interiores, trabalhando na ordem, em aquarela ou óleo. Os proprietários procuram vistas de suas casas para lembrá-los, oferecê-los ou legá-los aos seus filhos, como um testemunho da felicidade de viver ou ter vivido em um lugar amado. Os decoradores também usam essa arte para projetos que desejam dar uma atmosfera especial.

Artistas especializados
Numa época em que toda jovem cultivada aprendeu a pintar aquarelas, muitos pintaram seus próprios aposentos ou aqueles em que eles receberam suas lições. A maioria dos exemplos sobreviventes é anônima e raramente de alta qualidade, mas muitas vezes eles têm um charme que compensa o que lhes falta na especialização técnica.

No entanto, alguns membros da aristocracia tinham talento real, chegando ao profissional. O conde polonês Artur Potocki, por exemplo, viajou amplamente, pintando aquarelas dos quartos do hotel e outros lugares onde ele ficou, de Roma a Londres.

No entanto, praticamente todas as obras de alta qualidade foram produzidas por profissionais com virtuosismo excepcional nas aquarelas e um domínio da perspectiva … especialmente a perspectiva cônica, com dois ou três pontos de fuga, o que produz um efeito fotograficamente fotográfico para os olhos modernos.

Com apenas algumas exceções, como Jean-Baptiste Isabey e Eugène Lami da França, o arquiteto John Nash e o fabricante de móveis Thomas Sheraton (ambos da Inglaterra), poucos artistas que trataram exclusivamente desses retratos ainda estão familiarizados hoje. Entre alguns artistas notáveis ​​que os produziram, não mencionados anteriormente:

Na Inglaterra: William Henry Hunt, Mary Ellen Best, William Henry Pyne.
Na França: Charles Percier, Adrien Dauzats.
Na Alemanha: Ferdinand Rothbart, Rudolf von Alt, Eduard Gaertner.
Na Rússia: Eduard Hau, Vasily Sadovnikov, Konstantin Ukhtomsky, Grigory Chernetsov, Nikanor Chernetsov (seu irmão), Alexander Brullov, Karl Brullov (seu irmão), Pyotr Sokolov, Orest Kiprensky, Alexey Venetsianov.
Na Polônia, Aleksander Gryglewski.