Luz e espaço denota um movimento de arte frouxamente afiliado relacionado a op art, minimalismo e abstração geométrica originados no sul da Califórnia na década de 1960 e influenciados por John McLaughlin. Caracterizou-se pelo foco em fenômenos perceptivos, como luz, volume e escala, e uso de materiais como vidro, néon, lâmpadas fluorescentes, resina e acrílico fundido, muitas vezes formando instalações condicionadas pelo entorno da obra. Seja direcionando o fluxo de luz natural, embutindo luz artificial dentro de objetos ou arquitetura, ou jogando com a luz através do uso de materiais transparentes, translúcidos ou reflexivos, os artistas da Luz e do Espaço fizeram a experiência do espectador da luz e outros fenômenos sensoriais sob condições específicas. o foco do seu trabalho. Eles estavam incorporando ao seu trabalho as mais recentes tecnologias das indústrias aeroespaciais e de engenharia, sediadas no sul da Califórnia, para desenvolver objetos sensuais e repletos de luz. Turrell, que espalhou o movimento em todo o mundo, resumiu sua filosofia ao dizer: “Comemos luz, bebemos através de nossas peles”.
Artistas
A natureza das obras foi refletida no título da exposição na UCLA, que introduziu o movimento emergente em 1971: “Transparência, Reflexão, Luz, Espaço: Quatro Artistas”. O show apresentou o trabalho de Peter Alexander, Larry Bell, Robert Irwin e Craig Kauffman. Outros artistas associados ao movimento são Ron Cooper, Mary Corse, Fred Eversley, John McCracken, Bruce Nauman, Maria Nordman, Eric Orr, Helen Pashgian, James Turrell, DeWain Valentine, Doug Wheeler e Elyn Zimmerman. Um grupo famoso de artistas da teoria das cores abstratas foi influenciado pelo Movimento Luz e Espaço, notavelmente: Frederick Spratt, Phil Sims, Anne Appleby e David Simpson. O legado do movimento Luz e Espaço pode ser visto no trabalho de importantes artistas contemporâneos, como Casper Brindle, Olafur Eliasson, Ann Veronica Janssens, Jennifer Steinkamp, Kaloust Guedel, Phillip K. Smith III e Gisela Colon.
Temas
Irwin e Turrell, por exemplo, investigaram o fenômeno da privação sensorial (que influenciou o desenvolvimento de suas obras de luz similarmente sobressalentes) como parte do programa de arte e tecnologia iniciado pelo Museu de Arte do Condado de Los Angeles em 1967. RM 669 (1969) compreende paredes brancas curvas encasadas por um piso e teto que parecem recuar a cada passo que se dá em direção ao quadrado de luz posicionado na parede oposta, tornando os espectadores incapazes de fixar os olhos em qualquer superfície. Para sua série de trabalhos sobre o tema da alquimia, Eric Orr usou a luz natural, bem como sangue e fogo em seus ambientes, que produzem respostas retinianas extremas. As grandes telas de vidro branco sobre branco da Mary Corse têm micro-contas de vidro embutidas na tinta acrílica para criar uma superfície que muda dramaticamente com a luz. Helen Pashgian criou esferas de acrílico, globos com um brilho irreal, aparentemente iluminados por dentro. Mais recentemente, Gisela Colon, que foi reconhecida no ArtForum como artista de luz e espaço da próxima geração, criou “orbes acrílicos montados na parede de forma irregular … objetos semelhantes a escaravelhos atingem sua iridescência através do jogo de luz natural, mas as esculturas parece mudar de cor à medida que se move ao redor deles, como se estivesse iluminado por lâmpadas de vários tons. ”
McCracken afirma o seguinte. “Eu sempre fui principalmente interessado em forma sozinho, mas depois para fazer uma forma, você tem que fazer isso de algo. Então a cor parecia um material natural para usar, porque a cor é abstrata. Se você faz uma forma que parece ser composta de cor, então você tem algo, um objeto, que é bastante abstrato.Apenas a forma sozinha seria mais abstrata, é claro, porque é apenas uma idéia mental, mas você não tem nada lá para suas percepções se agarrarem a menos que você faça Entretanto, se você o fizer de metal, pedra ou madeira, ou qualquer outra coisa, então você tem algo que em minha mente pode enfatizar demais o aspecto físico e, portanto, ser difícil de perceber como puramente mental. O pensamento por trás disso é que todas as coisas são essencialmente mentais – essa matéria, embora bastante real por um lado, é por outro lado composta de energia e, por sua vez, de puro pensamento “.
Exposições
A arte da Luz e do Espaço da Califórnia foi exibida na influente exposição de arte baseada em ambiente de Germano Celant na Bienal de Veneza de 1976, “Ambiente / arte dal futurismo alla body art”. O movimento raramente foi mostrado em conjunto, como Wheeler rejeitou para ser incluído em exposições de grandes museus, por causa de suas dúvidas de que as obras seriam mostradas da maneira pretendida, e Nordman se recusa a participar de shows em grupo sobre Luz e Espaço. Em 2010, a David Zwirner Gallery, em Nova York, apresentou uma exposição histórica intitulada “Atmosferas Primárias”, um termo cunhado pelo crítico de arte Dave Hickey para descrever as contribuições dos artistas do sul da Califórnia para o movimento Light & Space. Como parte de uma série de exposições financiadas pela J. Paul Getty Foundation durante a iniciativa 2011 Pacific Standard Time, o Museu de Arte Contemporânea de San Diego realizou a mais importante pesquisa de exposição de arte perceptiva intitulada “Phenomenal: California Light, Space, Surface, “organizado pelo curador do Museu, Robin Clark.