A arte contemporânea indígena australiana é a obra de arte moderna produzida por australianos indígenas, ou seja, australianos aborígines e habitantes das ilhas do Estreito de Torres. É geralmente considerado como começando em 1971 com um movimento de pintura iniciado em Papunya, a noroeste de Alice Springs, no Território do Norte, envolvendo artistas aborígines como Clifford Possum Tjapaltjarri e Kaapa Tjampitjinpa, e facilitado pelo professor e trabalhador de arte australiano branco Geoffrey Bardon. O movimento gerou amplo interesse em toda a Austrália aborígene rural e remota na criação de arte, enquanto a arte indígena contemporânea de natureza diferente também emergiu nos centros urbanos; juntos, eles se tornaram centrais na arte australiana. Os centros de arte indígena promoveram o surgimento do movimento de arte contemporânea,

Artistas indígenas contemporâneos ganharam muitos dos prêmios de arte mais importantes da Austrália. O Prêmio Wynne foi ganho por artistas indígenas em pelo menos três ocasiões, o Prêmio Blake de Arte Religiosa foi ganho em 2007 por Shirley Purdie com Linda Syddick Napaltjarri finalista em três ocasiões distintas, enquanto o Prêmio de Arte Contemporânea Clemenger foi ganho por John Mawurndjul em 2003 e Judy Watson em 2006. Há um prêmio nacional de arte para artistas indígenas, o National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award, que em 2013 foi conquistado por Jenni Kemarre Martiniello, de Canberra.

Artistas indígenas, incluindo Rover Thomas, representaram a Austrália na Bienal de Veneza em 1990 e 1997. Em 2007, uma pintura de Emily Kngwarreye, Earth’s Creation, foi a primeira obra de arte indígena australiana a ser vendida por mais de US $ 1 milhão. Os principais artistas indígenas tiveram exposições individuais em galerias australianas e internacionais, enquanto seu trabalho foi incluído em importantes colaborações, como o design do Musée du quai Branly. Obras de artistas indígenas contemporâneos são realizadas por todas as principais galerias públicas da Austrália, incluindo a Galeria Nacional da Austrália, que em 2010 abriu uma nova ala dedicada à sua coleção indígena.

A “pintura pontilhada” figurativa produzida pelos artistas do deserto ocidental está entre os estilos mais conhecidos da arte aborígine contemporânea.

Origens e evolução
A arte indígena australiana pode reivindicar ser “a mais longa tradição artística contínua do mundo”. Antes do assentamento europeu da Austrália, os povos indígenas usavam muitas formas de arte, incluindo escultura, escultura em madeira, escultura em pedra, pintura corporal, pintura de cascas e tecelagem. Muitos deles continuam a ser usados ​​tanto para fins tradicionais quanto na criação de obras de arte para exibição e venda. Algumas outras técnicas declinaram ou desapareceram desde o assentamento europeu, incluindo a decoração do corpo por cicatrizes e a confecção de mantos de pele de gambá. No entanto, os indígenas australianos também adotaram e expandiram o uso de novas técnicas, incluindo pintura em papel e tela. Os primeiros exemplos incluem os desenhos do final do século XIX de William Barak.

Iniciativas iniciais
Nos anos 30, os artistas Rex Battarbee e John Gardner introduziram a pintura em aquarela a Albert Namatjira, um homem indígena da Missão Hermannsberg, a sudoeste de Alice Springs. Suas pinturas de paisagens, criadas pela primeira vez em 1936 e exibidas nas cidades australianas em 1938, foram imediatamente bem-sucedidas, e ele se tornou o primeiro aquarelista indígena australiano e o primeiro a exibir e vender com sucesso seus trabalhos para a comunidade não-indígena. O estilo de trabalho de Namatjira foi adotado por outros artistas indígenas da região, começando com seus parentes próximos, e eles se tornaram conhecidos como a Escola Hermannsburg ou os aquarelistas de Arrernte.

Namatjira morreu em 1959, e então uma segunda iniciativa também havia começado. Em Ernabella, agora Pukatja, Austrália Meridional, foi introduzido o uso de tintas acrílicas brilhantes para produzir desenhos para pôsteres e cartões postais. Isso levou mais tarde ao design de tecidos e ao trabalho de batik, que ainda é produzido no mais antigo centro de arte indígena da Austrália.

Origem
Embora as iniciativas em Hermannsburg e Ernabella tenham sido antecedentes importantes, a maioria das fontes traça as origens da arte indígena contemporânea, particularmente a pintura acrílica, até Papunya, Território do Norte, em 1971. Geoffrey Bardon, professor australiano, chegou a Papunya e iniciou um programa de arte com crianças na escola e depois com os homens da comunidade. Os homens começaram pintando um mural nas paredes da escola e passaram a pintar em quadros e telas.

Ao mesmo tempo, Kaapa Tjampitjinpa, membro da comunidade que trabalhou com Bardon, ganhou um prêmio de arte regional em Alice Springs com sua pintura Gulgardi. Logo, mais de 20 homens em Papunya estavam pintando e fundaram sua própria empresa, a Papunya Tula Artists Limited, para apoiar a criação e comercialização de obras. Embora a pintura tenha surgido rapidamente em Papunya, ela permaneceu como um “fenômeno regional de pequena escala” ao longo da década de 1970 e, durante uma década, nenhuma das galerias estaduais ou da galeria nacional coletou as obras, com a notável exceção do Museu e Galeria de Arte de Território do Norte, que adquiriu 220 das primeiras placas da Papunya.

Evolução
Depois de estar em grande parte confinado a Papunya na década de 1970, o movimento de pintura se desenvolveu rapidamente na década de 1980, estendendo-se a Yuendumu, Lajamanu, Utopia e Haasts Bluff no Território do Norte, e Balgo, Austrália Ocidental. Na década de 1990, a atividade artística se espalhou para muitas comunidades em todo o norte da Austrália, incluindo aquelas estabelecidas como parte do movimento Outstation, como Kintore, Território do Norte e Kiwirrkurra Community, Austrália Ocidental.

À medida que o movimento evoluiu, nem todos os artistas ficaram satisfeitos com sua trajetória. O que começou como uma expressão contemporânea de conhecimento e identidade rituais foi se tornando cada vez mais mercantilizado, à medida que o sucesso econômico da pintura criava suas próprias pressões nas comunidades. Alguns artistas criticaram os trabalhadores do centro de arte e se afastaram da pintura, voltando sua atenção ao ritual. Outros artistas estavam produzindo obras menos conectadas às redes sociais que tradicionalmente eram responsáveis ​​pelos designs. Enquanto o movimento estava evoluindo, no entanto, seu crescimento não diminuiu: pelo menos outras 10 comunidades de pintura se desenvolveram no centro da Austrália entre o final dos anos 90 e 2006.

As cooperativas de arte indígena têm sido fundamentais para o surgimento da arte indígena contemporânea. Enquanto muitos artistas ocidentais buscam treinamento formal e trabalham como indivíduos, a maior parte da arte indígena contemporânea é criada em grupos comunitários e centros de arte. Em 2010, o corpo de pico que representa os centros de arte indígena da Austrália central, Desart, tinha 44 centros membros, enquanto a Associação de Artistas Aborígenes do Norte, Kimberley e Arnhem (ANKAAA), o corpo de pico das comunidades do norte da Austrália, tinha 43 centros de membros. Os centros representam um grande número de artistas – a ANKAAA estimou que em 2010 suas organizações membros incluíam até 5.000. O número de pessoas envolvidas e o pequeno tamanho dos locais em que trabalham, significa que às vezes um quarto a metade dos membros da comunidade são artistas,

Estilos e temas
A arte indígena freqüentemente reflete as tradições espirituais, práticas culturais e circunstâncias sócio-políticas dos povos indígenas, e elas variaram em todo o país. As obras de arte, portanto, diferem muito de um lugar para outro. Os principais trabalhos de referência sobre arte indígena australiana costumam discutir obras por região geográfica. Os agrupamentos habituais são de arte do deserto da Austrália Central; o Kimberley na Austrália Ocidental; as regiões do norte do Território do Norte, particularmente a Terra de Arnhem, frequentemente chamada de Top End; e norte de Queensland, incluindo as Ilhas do Estreito de Torres. A arte urbana também é geralmente tratada como um estilo distinto da arte indígena, embora não esteja claramente definida geograficamente.

Arte do deserto
Artistas indígenas da remota região central da Austrália, particularmente a região central e oeste do deserto, freqüentemente pintam ‘sonhos’ ou histórias particulares, pelos quais têm responsabilidade ou direitos pessoais. Os mais conhecidos são os trabalhos dos pintores de Papunya Tula e da artista utopia Emily Kngwarreye. Os padrões retratados por artistas do centro da Austrália, como os da Papunya, originaram-se como traduções de motivos tradicionais marcados na areia, tábuas ou gravados no rock. Os símbolos usados ​​nos desenhos podem representar local, movimento ou pessoas e animais, enquanto os campos de pontos podem indicar uma variedade de fenômenos, como faíscas, nuvens ou chuva.

Existem algumas abordagens figurativas na arte das da Austrália central, como entre alguns dos pintores de Balgo, Austrália Ocidental. Alguns artistas da Austrália central, cujas pessoas foram deslocadas de suas terras em meados do século XX por testes de armas nucleares, pintaram obras que usam técnicas tradicionais de pintura, mas também retratam os efeitos das explosões em seu país.

APY terras
Anangu Pitjantjatjara Yankunytjatjara, no noroeste da Austrália Meridional, é conhecida por seus artistas, que estão sempre bem representados em quaisquer exposições e prêmios para artistas indígenas australianos. Em 2017, os artistas da APY receberam 25 indicações no prestigiado Telstra National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Awards; dois foram nomeados finalistas no Prêmio Archibald; O trabalho de 14 artistas da APY foi selecionado para o Prêmio Wynne de A $ 50.000 em 2019 para pintura de paisagem; e em 2019, os artistas da APY também ganharam ou foram pré-selecionados para o Prêmio de Arte Ramsay, o Prêmio Sir John Sulman, o Prêmio John Fries e outros. Nici Cumpston, diretor artístico do Tarnanthi Festival na Galeria de Arte do Sul da Austrália, visita regularmente os centros de arte APY.

O APY Art Center Collective é, a partir de 2020, um grupo de dez empresas de propriedade e governo indígenas que apóiam artistas de todo o país e ajudam a divulgar seu trabalho. O coletivo apoia projetos regionais colaborativos, como o renomado projeto Kulata Tjuta e a iniciativa APY Photography. Sete centros de arte em todo o país apoiam o trabalho de mais de 500 artistas Anangu, desde o mais antigo, Ernabella Arts, até o Iwantja Arts em Indulkana, cujos moradores incluem o premiado Vincent Namatjira. Outros centros APY são Tjala Arts (em Amata), Kaltjiti Arts, Mimili Maku Arts e Tjungu Palya (Nyapari). Assim como os centros APY, a Maruku Arts de Uluru, a Tjanpi Desert Weavers com sede em Alice Springs e a Ara Iritja Aboriginal Corporation aumentam o número para dez.

O Collective possui galerias em Darlinghurst, Sydney e, desde maio de 2019, uma galeria e estúdio na Light Square (Wauwi) em Adelaide.

The Top End
Na Terra de Arnhem, no Território do Norte, os homens pintaram seus desenhos tradicionais de clãs. A iconografia, no entanto, é bastante separada e distinta da da Austrália central. No norte de Queensland e no estreito de Torres, muitas comunidades continuam praticando tradições artísticas culturais, além de expressar fortes mensagens políticas e sociais em seus trabalhos.

Arte urbana
Nas comunidades indígenas do norte da Austrália, a maioria dos artistas não tem treinamento formal, seu trabalho é baseado no conhecimento e nas habilidades tradicionais. No sudeste da Austrália, outros artistas indígenas, que geralmente moram nas cidades, treinaram em escolas e universidades de arte. Esses artistas são freqüentemente chamados de artistas indígenas “urbanos”, embora o termo às vezes seja controverso e não descreva com precisão as origens de alguns desses indivíduos, como Bronwyn Bancroft, que cresceu na cidade de Tenterfield, Nova Gales do Sul, Michael Riley, que veio da zona rural de New South Wales, perto de Dubbo e Moree, ou Lin Onus, que passou algum tempo no país tradicional de seu pai no rio Murray, perto da floresta de Barmah, em Victoria. Alguns, como Onus, foram autodidatas, enquanto outros,

meios de comunicação
O antropólogo Nicholas Thomas observou que a prática da arte indígena contemporânea talvez fosse única em como “toda a nova mídia foi adaptada tão rapidamente para produzir um trabalho com uma força tão palpável”. Muita arte indígena contemporânea é produzida com tinta acrílica sobre tela. No entanto, outros materiais e técnicas estão em uso, geralmente em regiões específicas. A pintura da casca predomina entre os artistas de Arnhem Land, que também realizam talha e tecelagem. Nas comunidades da Austrália central associadas ao povo Pitjantjatjara, a escultura no trabalho de pôquer é significativa. A gravura dos aborígines e das ilhas do Estreito de Torres foi descrita em 2011 pelo curador sênior de gravuras e desenhos da National Gallery como “o desenvolvimento mais significativo da história recente da gravura”.

A produção têxtil, incluindo batik, tem sido importante nas regiões desérticas do noroeste da Austrália do Sul, na comunidade Utopia do Território do Norte e em outras áreas da Austrália central. Por uma década antes de iniciar a carreira de pintor que a tornaria famosa, Emily Kngwarreye estava criando desenhos de batik que revelavam seu “talento original prodigioso” e a modernidade de sua visão artística. Uma ampla variedade de técnicas de arte têxtil, incluindo tingimento e tecelagem, está particularmente associada a Pukatja, Austrália do Sul (anteriormente conhecida como Ernabella), mas em meados da década de 2000 a comunidade também desenvolveu uma reputação de cerâmica sgraffito fina. Hermannsburg, originalmente o lar de Albert Namatjira e os aquarelistas de Arrente, agora é conhecida por sua cerâmica.

Entre os artistas indígenas urbanos, estão sendo utilizadas técnicas mais diversas, como serigrafia, criação de pôsteres, fotografia, televisão e cinema. Um dos artistas indígenas contemporâneos mais importantes de sua geração, Michael Riley trabalhou em filmes, vídeos, fotografia e mídia digital. Da mesma forma, Bronwyn Bancroft trabalhou em tecidos, têxteis, “design de joias, pintura, colagem, ilustração, escultura e decoração de interiores”. No entanto, a pintura continua sendo um meio usado por muitos artistas ‘urbanos’, como Gordon Bennett, Fiona Foley, Trevor Nickolls, Lin Onus, Judy Watson e Harry Wedge.

Exposições e coleções
O reconhecimento público e a exposição da arte indígena contemporânea eram inicialmente muito limitados: por exemplo, era apenas uma parte menor da coleção da galeria nacional da Austrália quando seu edifício foi inaugurado em 1982. Exposições iniciais de grandes obras foram realizadas como parte do Sydney Bienais de 1979 e 1982, enquanto uma pintura em areia em grande escala era uma característica do 1981 Sydney Festival. As primeiras exposições privadas de arte indígena contemporânea nas galerias incluíram uma exposição individual de pinturas de cascas de Johnny Bulunbulun na Hogarth Gallery, em Sydney, em 1981, e uma exposição de artistas do deserto ocidental na Gallery A, em Sydney, que fazia parte do Festival de Sydney de 1982.

Há uma série de exposições regulares dedicadas à arte indígena contemporânea. Desde 1984, a exposição National Art aborígine e Torres Strait Islander tem sido realizada no Território do Norte, sob os auspícios do Museu e Galeria de Arte do Território do Norte. Em 2007, a Galeria Nacional da Austrália realizou a primeira Trienal Nacional de Arte Indígena (NIAT), intitulada unDISCLOSED, que incluiu obras de trinta artistas indígenas contemporâneos como Richard Bell, Danie Mellor, Doreen Reid Nakamarra e Shane Pickett. Apesar do nome, o segundo triênio não foi realizado até 2012 e foi intitulado não divulgado. A terceira Trienal, Defying Empire, foi realizada em 2017, com o título referente ao 50º aniversário do referendo de 1967.

O Araluen Center for Arts and Entertainment, uma galeria pública de arte em Alice Springs, abriga a exposição anual Desert Mob, representando as atividades atuais de pintura nos centros de arte aborígine da Austrália.

Vários artistas individuais foram objeto de exposições retrospectivas em galerias públicas. Estes incluíram Rover Thomas na Galeria Nacional da Austrália em 1994, Emily Kngwarreye, na Galeria de Arte de Queensland em 1998, John Mawurndjul no Museu Tinguely em Basileia, Suíça em 2005, e Paddy Bedford em várias galerias, incluindo o Museu de Arte Contemporânea , Sydney em 2006-07.

Internacionalmente, artistas indígenas representaram a Austrália na Bienal de Veneza, incluindo Rover Thomas e Trevor Nickolls em 1990, e Emily Kngwarreye, Judy Watson e Yvonne Koolmatrie em 1997. Em 2000, vários artistas e colaborações artísticas foram mostrados na prestigiada Nicholas Salão no Museu Hermitage na Rússia. Em 2003, oito artistas indígenas – Paddy Bedford, John Mawurndjul, Ningura Napurrula, Lena Nyadbi, Michael Riley, Judy Watson, Tommy Watson e Gulumbu Yunupingu – colaboraram em uma comissão para fornecer obras que decoram um dos quatro edifícios do Musée du quai Branly concluídos em 2006.

As obras de arte indígena contemporânea são coletadas por todas as principais galerias públicas da Austrália. A Galeria Nacional da Austrália tem uma coleção significativa e uma nova ala foi (na foto) aberta em 2010 para sua exposição permanente. Algumas galerias estaduais, como a Galeria de Arte de Nova Gales do Sul, a Galeria Nacional de Victoria e o Museu e Galeria de Arte do Território do Norte, têm um espaço de galeria permanentemente dedicado à exposição de arte indígena contemporânea. A coleção da Galeria Nacional da Victoria inclui a principal coleção de batik indígena do país. O Centro de Artes e Entretenimento de Araluen abriga a maior coleção de obras de Albert Namatjira do país.

Galerias fora da Austrália que adquirem arte indígena contemporânea incluem o Museu Britânico, o Victoria and Albert Museum e o Metropolitan Museum of Art de Nova York. Exposições permanentes de arte indígena fora da Austrália são encontradas no Seattle Art Museum, na Galeria de Arte Moderna de Glasgow e no Museu Kluge – Ruhe da Universidade da Virgínia.

Prémios
As obras de arte indígena contemporânea conquistaram vários prêmios nacionais de arte da Austrália, incluindo o prêmio Wynne, o Clemenger Contemporary Art Award e o Blake Prize for Religious Art. Os premiados indígenas incluíram Shirley Purdie, vencedora do Prêmio Blake em 2007, com seu trabalho Stations of the Cross; John Mawurndjul, vencedor do Prêmio Clemenger de 2003 e Judy Watson, vencedor do Clemenger em 2006. O prêmio Wynne foi conquistado por artistas indígenas contemporâneos em várias ocasiões, inclusive em 1999 por Gloria Petyarre with Leaves; em 2004 por George Tjungurrayi; e em 2008 por Joanne Currie Nalingu, com sua pintura O rio é calmo.

Além de ganhar grandes prêmios, os artistas indígenas estão bem representados entre os finalistas nessas competições. O Prêmio Blake incluiu vários finalistas indígenas, como Bronwyn Bancroft (2008), Angelina Ngal e Irene (Mbitjana) Entata (2009), Genevieve Kemarr Loy, Cowboy Loy Pwerl, Dinni Kunoth Kemarre, Elizabeth Kunoth Kngwarray (2010) e Linda Syddick Napaltjarri (em três ocasiões separadas).

O maior prêmio de arte indígena da Austrália é o National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award. Estabelecido pelo Museu e Galeria de Arte do Território do Norte em 1984, o prêmio inclui um grande vencedor que recebe US $ 40.000 e cinco prêmios de categoria, cada um, no valor de US $ 4000: um para pintura de casca, outro para trabalhos em papel e outro para trabalhos tridimensionais e, introduzido pela primeira vez em 2010, um para novas mídias.

Os vencedores do prêmio principal incluíram Makinti Napanangka em 2008 e Danie Mellor em 2009. Em 2008, a Galeria de Arte da Austrália Ocidental estabeleceu o Western Australian Indigenous Art Awards, que inclui o prêmio em dinheiro de arte indígena mais valioso do país, no valor de A $ 50.000, como além de um prêmio de US $ 10.000 para o melhor artista da Austrália Ocidental e um prêmio de US $ 5.000 da People’s Choice, todos selecionados no campo de finalistas, que inclui 15 indivíduos e um grupo de colaboração. O vencedor do prêmio principal em 2009 foi Ricardo Idagi, enquanto o prêmio People’s Choice foi conquistado por Shane Pickett. Wayne Quilliam foi premiado com o NAIDOC Artist of the Year 2009 por seus muitos anos de trabalho no cenário local e internacional, trabalhando com grupos indígenas em todo o mundo.

Benefícios e custos
O florescimento da arte indígena proporcionou benefícios econômicos, sociais e culturais aos australianos indígenas, que são social e economicamente desfavorecidos em comparação com a comunidade australiana como um todo. A venda de obras de arte é uma atividade econômica significativa para artistas individuais e para suas comunidades. As estimativas do tamanho do setor variam, mas situaram seu valor no início dos anos 2000 em A $ 100 a 300 milhões, e em 2007 em meio bilhão de dólares e crescendo. O setor é particularmente importante para muitas comunidades indígenas porque, além de ser uma fonte de dinheiro para um grupo economicamente desfavorecido, reforça a identidade e a tradição indígena e ajudou a manter a coesão social. Por exemplo,

Fraude e exploração são questões importantes que afetam a arte indígena australiana contemporânea. Obras de arte indígena são reproduzidas regularmente sem a permissão de artistas, inclusive pelo Reserve Bank of Australia, quando usaram uma pintura de David Malangi na nota de um dólar em 1966. Apropriação semelhante de material ocorreu em desenhos de tecidos, camisetas e tapetes . Houve alegações de artistas serem seqüestrados ou realocados contra os desejos de suas famílias por pessoas interessadas em adquirir as pinturas dos artistas.

Os artistas, particularmente nas partes mais remotas da Austrália, às vezes pintam para outros locais que não os centros de arte indígenas ou suas próprias empresas. Eles fazem isso por razões econômicas, no entanto, as pinturas resultantes podem ser de qualidade desigual e de valor econômico precário. Dúvidas sobre a procedência das pinturas indígenas e os preços pagos por elas geraram um escrutínio da mídia, um inquérito parlamentar australiano, e têm sido um fator que limita o crescimento do valor das obras.

Surgiram perguntas sobre a autenticidade de obras em relação a determinados artistas, incluindo Emily Kngwarreye, Rover Thomas, Kathleen Petyarre, Turkey Tolson Tjupurrula, Ginger Riley Munduwalawala e Clifford Possum Tjapaltjarri; em 2001, um negociante de arte foi preso por fraude em relação ao trabalho de Clifford Possum. Essas pressões levaram em 2009 à introdução de um código de conduta comercial, destinado a estabelecer “padrões mínimos de prática e negociação justa na indústria de artes visuais indígenas”. No entanto, problemas persistentes no setor em setembro de 2012 levaram o presidente do Código de Arte Indígena do órgão de administração do código, Ron Merkel, a pedir que o código fosse obrigatório para os negociantes de arte.

Os preços buscados no mercado secundário de obras de arte indígenas variam muito. Até 2007, o recorde em leilão de uma obra de arte indígena era de US $ 778.750 pagos em 2003 por uma pintura de Rover Thomas, Toda a grande chuva vinda do lado superior. Em 2007, um trabalho importante de Emily Kngwarreye, Earth’s Creation, foi vendido por US $ 1,056 milhão, um novo recorde que foi eclipsado apenas alguns meses depois, quando o épico trabalho de Clifford Possum, Warlugulong, foi comprado por US $ 2,4 milhões pela Galeria Nacional da Austrália. Ao mesmo tempo, no entanto, obras de artistas de destaque, mas de procedência duvidosa, eram distribuídas em leilões. Em 2003, havia 97 artistas australianos indígenas cujas obras estavam sendo vendidas em leilão na Austrália por preços acima de US $ 5.000, com um mercado total de leilão de cerca de US $ 9,5 milhões. Naquele ano, a Sotheby ‘ s estimou que metade das vendas era para licitantes fora da Austrália. Em 2012, o mercado havia mudado, com obras mais antigas buscando preços mais altos do que as pinturas contemporâneas.

Uma mudança em 2011 nas regras de investimento da aposentadoria australiana resultou em um declínio acentuado nas vendas de novas artes indígenas. A alteração proíbe que os ativos adquiridos para um fundo de aposentadoria autogerenciado sejam “usados” antes da aposentadoria; em particular, uma obra de arte deve ser mantida em armazenamento e não exibida.

Avaliação
O professor de história da arte Ian McLean descreveu o nascimento do movimento de arte indígena contemporânea em 1971 como “o momento mais fabuloso da história da arte australiana” e considerou que estava se tornando um dos mitos fundadores da Austrália, como o espírito ANZAC. O historiador de arte Wally Caruana chamou a arte indígena de “a última grande tradição de arte a ser apreciada pelo mundo em geral”, e a arte indígena contemporânea é o único movimento artístico de importância internacional a emergir da Austrália. O principal crítico Robert Hughes o considerou “o último grande movimento artístico do século XX”, enquanto o poeta Les Murray o considerou “o equivalente da Austrália ao jazz”.

As pinturas dos artistas do deserto ocidental, em particular, alcançaram rapidamente “uma reputação extraordinariamente ampla”, com colecionadores competindo para obtê-las. Alguns artistas indígenas são considerados um dos principais talentos criativos da Austrália; Emily Kngwarreye foi descrita como “uma das maiores pintoras australianas modernas” e “entre as melhores artistas australianas, sem dúvida entre as melhores de seu tempo”. Os críticos que revisaram a exposição do Museu Hermitage em 2000 foram elogiosos, comentando: “Esta é uma exposição de arte contemporânea, não no sentido de que foi feita recentemente, mas no sentido de que é baseada na mentalidade, tecnologia e filosofia de arte radical dos últimos tempos.Ninguém, além dos aborígines da Austrália,

As avaliações não foram universalmente favoráveis. Quando uma exposição foi realizada no Reino Unido, em 1993, um revisor do The Independent descreveu as obras como “talvez a arte mais chata do mundo”. O curador do museu, Philip Batty, envolvido na assistência à criação e venda de arte na Austrália central, expressou preocupação com o efeito do mercado de arte não indígena sobre os artistas – particularmente Emily Kngwarreye – e seu trabalho. Ele escreveu “sempre havia o perigo de que o componente europeu dessa parceria transcultural se tornasse excessivamente dominante. No final de sua breve carreira, acho que Emily praticamente evacuou esse domínio intercultural, e seu trabalho simplesmente se tornou um espelho”. imagem dos desejos europeus “. Obras de arte pendentes são misturadas com obras pobres,

Inicialmente uma fonte de interesse etnográfico e, posteriormente, um movimento artístico com raízes fora das tradições artísticas ocidentais, a arte indígena foi influenciada e influenciou poucos artistas australianos europeus. Os primeiros trabalhos de Margaret Preston às vezes expressavam motivos da arte indígena tradicional; seus trabalhos posteriores mostram uma influência mais profunda “no uso de cores, na interação de figuração e abstração na estrutura formal”.

Em contrapartida, Hans Heysen, embora admirasse o colega paisagista Albert Namatjira e colecionasse suas pinturas, não foi influenciado por seu colega indígena. O movimento de arte indígena contemporânea influenciou alguns artistas australianos não indígenas por meio de projetos colaborativos. Os artistas indígenas Gordon Bennett e Michael Nelson Jagamarra se envolveram em obras de arte e exposições colaborativas com o galerista Michael Eather e com o pintor Imants Tillers, filho de refugiados letões nascido na Austrália. O Conselho Australiano de Pesquisa e a Land & Water Australia apoiaram uma colaboração artística e arqueológica através do projeto Strata: Deserts Past, Present and Future, que envolveu os artistas indígenas Daisy Jugadai Napaltjarri e Molly Jugadai Napaltjarri.