A arte romana refere-se às artes visuais feitas na Roma antiga e nos territórios do Império Romano. A arte romana é a arte produzida nos territórios da Roma antiga, desde a fundação de Roma (753 aC., Segundo a cronologia tradicional, parcialmente confirmada pela arqueologia) até a queda do Império Ocidental (476 dC). Realmente decolou em contato com a arte grega quando os historiadores da arte, no século xix, o criticaram por imitar e encontraram novas influências nas regiões afetadas pelo império.
A arte romana inclui obras de arquitetura, pintura, escultura e mosaico. Objetos de luxo em trabalhos em metal, gravuras de pedras preciosas, esculturas em marfim e vidro são, às vezes, considerados modernos em termos de formas menores da arte romana, embora isso não fosse necessariamente o caso dos contemporâneos. A escultura talvez fosse considerada a forma mais alta de arte pelos romanos, mas a pintura de figuras também era muito respeitada. As duas formas tiveram taxas de sobrevivência muito contrastantes, com um corpo muito grande de escultura sobrevivendo a partir do século I aC, embora muito pouco de antes, mas ainda resta muito pouca pintura, e provavelmente nada que um contemporâneo consideraria para ser da mais alta qualidade.
A cerâmica romana antiga não era um produto de luxo, mas uma vasta produção de “produtos finos” em terra sigillata era decorada com relevos que refletiam o gosto mais recente e fornecia a um grande grupo na sociedade objetos elegantes a um preço evidentemente acessível. As moedas romanas eram um importante meio de propaganda e sobreviveram em grande número.
Após a queda do Império, a arte romana continua na arte bizantina e na arte cristã medieval. Ele influenciou fortemente os artistas do Renascimento na época do Classicismo e do Neoclassicismo. Esta arte desenvolve retratos, mosaicos, teatros e inova com banhos termais, bustos, aquedutos e até arcos triunfais. A pintura romana tem quatro períodos.
Introdução
Embora a visão tradicional dos artistas romanos antigos seja a de que eles muitas vezes pegam emprestado e copiam os precedentes gregos (muitas das esculturas gregas conhecidas hoje estão na forma de cópias de mármore romano), mais análises recentes indicaram que a arte romana é altamente pastiche criativo que se apóia fortemente nos modelos gregos, mas também abrange a cultura visual etrusca, itálica nativa e até egípcia. O ecletismo estilístico e a aplicação prática são as marcas de muita arte romana.
Plínio, o historiador mais importante da Roma antiga sobre as artes, registrou que quase todas as formas de arte – escultura, paisagem, pintura de retrato e até mesmo pintura de gênero – foram avançadas nos tempos gregos e, em alguns casos, mais avançadas que em Roma. Embora muito poucos restos de arte e retratos gregos na parede, certamente a escultura grega e a pintura de vasos confirmam isso. Essas formas provavelmente não foram superadas pelos artistas romanos em termos de design ou execução. Como outro exemplo da “Era de Ouro” perdida, ele destacou Peiraikos, “cuja arte é superada por muito poucos … Ele pintou barbearias e bancas de sapateiros, burros, vegetais e outros, e por esse motivo chegou a ser chamado de “pintor de assuntos vulgares”; ainda assim, essas obras são deliciosas, e foram vendidos a preços mais altos do que as melhores pinturas de muitos outros artistas. ” O adjetivo “vulgar” é usado aqui em sua definição original, que significa “comum”.
Os antecedentes gregos da arte romana eram lendários. Em meados do século V aC, os artistas gregos mais famosos eram Polygnotos, conhecido por seus murais, e Apollodoros, o criador do claro-escuro. O desenvolvimento da técnica realista é creditado a Zeuxis e Parrhasius, que segundo a lenda grega antiga, uma vez competiram em uma exibição ousada de seus talentos, as primeiras descrições da história da pintura trompe l’oeil. Na escultura, Skopas, Praxiteles, Phidias e Lysippos foram os principais escultores. Parece que os artistas romanos tinham muita arte da Grécia Antiga para copiar, já que o comércio de arte era forte em todo o império, e grande parte da herança artística grega chegou à arte romana através de livros e ensino. Sabe-se que os tratados gregos antigos sobre as artes existiam no tempo dos romanos, embora agora estejam perdidos.
O alto número de cópias romanas da arte grega também fala da estima que os artistas romanos tinham pela arte grega, e talvez de sua qualidade mais rara e superior. Muitas das formas e métodos de arte usados pelos romanos – como alto e baixo relevo, escultura independente, fundição em bronze, arte em vasos, mosaico, camafeu, arte em moedas, joias e metais, escultura funerária, desenho em perspectiva, caricatura, pintura de gênero e retrato, pintura de paisagem, escultura arquitetônica e pintura de trompe l’oeil – todos foram desenvolvidos ou refinados por artistas da Grécia Antiga. Uma exceção é o busto romano, que não incluía os ombros.
O busto tradicional de cabeça e ombros pode ter sido uma forma etrusca ou romana antiga. Praticamente todas as técnicas e métodos artísticos usados pelos artistas renascentistas 1.900 anos depois, haviam sido demonstrados por artistas gregos antigos, com as notáveis exceções de cores de óleo e perspectiva matematicamente precisa. Onde os artistas gregos eram altamente reverenciados em sua sociedade, a maioria dos artistas romanos era anônima e considerada comerciante. Não há registro, como na Grécia Antiga, dos grandes mestres da arte romana, e praticamente nenhuma obra assinada. Onde os gregos adoravam as qualidades estéticas da grande arte e escreviam extensivamente sobre a teoria artística, a arte romana era mais decorativa e indicativa de status e riqueza, e aparentemente não era assunto de estudiosos ou filósofos.
Devido em parte ao fato de as cidades romanas serem muito maiores do que as cidades-estados gregas em poder e população, e geralmente menos provinciais, a arte na Roma Antiga assumiu um propósito mais amplo e, às vezes, mais utilitário. A cultura romana assimilou muitas culturas e, em grande parte, era tolerante com os costumes dos povos conquistados. A arte romana foi encomendada, exibida e possuída em quantidades muito maiores e adaptada a mais usos do que nos tempos gregos. Os romanos ricos eram mais materialistas; eles decoravam suas paredes com arte, sua casa com objetos decorativos e eles mesmos com jóias finas.
Na era cristã do final do Império, de 350 a 500 EC, a pintura de parede, o teto e o piso de mosaico e a escultura funerária prosperaram, enquanto a escultura em tamanho real na pintura redonda e em painel desapareceu, provavelmente por razões religiosas. Quando Constantino mudou a capital do império para Bizâncio (renomeada Constantinopla), a arte romana incorporou influências orientais para produzir o estilo bizantino do império tardio. Quando Roma foi demitida no século V, os artesãos se mudaram para e encontraram trabalho na capital oriental. A Igreja de Hagia Sophia, em Constantinopla, empregou quase 10.000 trabalhadores e artesãos, numa explosão final de arte romana sob o imperador Justiniano (527-565 dC), que também ordenou a criação dos famosos mosaicos da Basílica de San Vitale, na cidade de Ravena .
Sociologia dos artistas
Patrocinadores em destaque
A sociedade romana nunca conheceu desenvolvimentos que se beneficiaram do século v aC. AD, artistas gregos. Os melhores foram reconhecidos durante a vida, deixaram obras famosas e afixaram seus nomes em suas realizações. Em sua História Natural, notavelmente o livro XXXV, Plínio, o Velho, cita dezenas de nomes de artistas, classifica-os pelas escolas, distingue suas originalidades e narra histórias sobre eles. São artistas quase exclusivamente gregos, com exceção de Fabius Pictor e Pacuvius. A incerteza que paira sobre a primeira é reveladora: o cognomen “pictor” significa “pintor”, mas é comum a uma família de altos magistrados romanos do século III antes de Cristo. Fabius Pictor, ele é um pintor ou um magistrado que pintou o Templo de Salus? O texto de Plínio mostra perfeitamente que,
Arte de falar
Obviamente, esse anonimato não se deve à mediocridade dos artistas romanos. Deve ser procurado em causas culturais, sociais e históricas. A primeira dessas causas é que, para os romanos, a literatura é a primeira das artes, antes de qualquer conquista plástica, por mais bela que seja. A educação dos jovens romanos é, antes de tudo, um aprendizado de linguagem, fala, raciocínio e aritmética. Esse gosto pela linguagem vem do lugar ocupado pela política entre as elites: você constrói sua carreira sabendo falar, defender, argumentar, mesmo no campo de batalha (o famoso harangue ou adlocutio). Se tantas estátuas – incluindo estátuas funerárias de capsa contendo a continuação de seu discurso, é que a arte da oratória – e também a musical, mas é quase a mesma coisa – é considerada para a altura do gênio.
Um status relativamente humilde
Na sociedade romana, a palavra “artista” não tem o mesmo significado que hoje, significa mais “artesão” do que “criador”. O hábito de copiar modelos ilustres, já muito presentes na arte grega helenística e adotados por artistas / artesãos romanos, confunde as águas. Embora nunca sejam cópias idênticas, mas adaptações, ou mesmo variações em torno de uma obra importante, essa abordagem da Antigüidade ajudou a diminuir o status do artesão / artista, cuja expressão livre é aparentemente aniquilada. Por fim, a reflexão artística, o trabalho intelectual e sensível que caracteriza um artista hoje em dia foi uma gratificação muitas vezes fornecida, mas não necessária.
A obra de arte no sentido moderno era, portanto, apenas uma produção com baixo valor agregado, que valia pouco mais do que os materiais dos quais a Faber a fabricara. O trabalho era, portanto, barato. Ela era apenas servil para as tarefas mais baixas, que não podem ser descritas como “artísticas”. O artista / artesão, por outro lado, era às vezes um homem nascido livre, muitas vezes um homem livre, muitas vezes um estrangeiro. No século I aC. AD, temos exemplos de artistas que chegaram a Roma como prisioneiros de guerra. Em 301, o pintor parietário, pintor de grandes superfícies de parede, ganha, além de sua comida, 75 denários; o pictor imaginarius, pintor de cenas complexas, ganha, nas mesmas condições, 150 denários; o mosaicista que faz o chão ganha 50 negadores, o mosaicista de cofres ou paredes, 60 negadores. O alfaiate de mármore (escultor?) Ganha 60 denários. Um carpinteiro ganha 50 denários, como o ferreiro, o padeiro, o chofer, o tintureiro. Tudo isso não tem nada a ver com um professor de falar em público (250 denários) ou um advogado que pleiteia um julgamento (1000 denários).
No entanto, é certo que os clientes distinguiram muito bem os melhores artistas e os menos talentosos. Uma certa reputação os cercava, a moda era favorável ou não, e seus serviços podiam atingir preços altos. Obviamente, a comitiva imperial recorreu ao melhor. Às vezes, eles afixavam suas assinaturas em suas obras, da maneira helenística. É o caso do museu Marcellus do Louvre, um retrato funerário-estátua do sobrinho e genro de Augusto, Marcus Claudius Marcellus. A imensa qualidade deste trabalho não deixa dúvidas quanto à proximidade de seu patrocinador com o imperador. O animal não é seu atributo. Preferiria estar associado a Vênus, cujos Iulii afirmam ser descendentes. Seria, portanto, um lembrete simbólico de seu parentesco com a divindade e uma marca de legitimidade. Na carapaça, lemos em grego:
Adaptar-se ao meio ambiente
com exceção do setor funerário, a arte plástica é sobretudo considerada uma decoração, um ornamento. A correspondência de Cícero mostra isso muito bem: não se trata de trazer estátuas dos melhores mestres atenienses para admirá-las, mas para decorar sua palestra. A preparação e o layout são essenciais. Temos a impressão de que o ponto de vista romano da arte é o ponto de vista de um arquiteto. As descobertas arqueológicas (por exemplo, em Bavay, no norte), mostram que os patrocinadores não hesitam em financiar estátuas copiadas de obras-primas gregas para formar agrupamentos inesperados (mas não desprovidos de significado), ou mesmo para separar grupos concebidos como unidades – como à dança conhecida nas moedas de Cyzicus, no século II aC. A intenção de AD é decorar um lugar, sem deixar espaço para novos significados.
Fatores ECONOMICOS
Outro fator impede o surgimento de fortes personalidades artísticas, particularmente evidentes na escultura: parece que em Roma, mais do que na Grécia, a divisão do trabalho nas oficinas foi levada ao extremo. Sabemos há muito tempo que a acusação de esculpir um rosto em mármore e a esculpir um corpo em toga raramente raramente caem na mesma mão, como mostra claramente o Augusto da Via Labicana. Mas parece até que o cuidado de esculpir os cabelos era reservado para braços menos talentosos ou mais especializados. Não é certo que Horace exagere em sua Epístola aos Pisões, quando escreve: “Perto do circo emiliano, apenas um artista saberá fazer as unhas e imitar no bronze a flexibilidade do cabelo, infeliz perfeição da arte. ! Porque ele nunca pode fazer um todo.
Essa divisão do trabalho anda de mãos dadas com uma prática esboçada nos tempos helenísticos, mas usada amplamente no império: a prática de fazer cabeças juntando várias peças de mármore – geralmente o rosto, a tampa do crânio e o occipital – colados ou mortificados juntos. É uma questão, se um dos oradores cometer um erro, de poder “consertar” com facilidade, a fim de economizar, tanto quanto possível, uma matéria-prima que pesa muito no preço de custo, devido à pequena mão da mão. obra de arte.
Uma produção artística gratuita e acessível
Em conclusão, pode-se perguntar se o apagamento dos artistas por trás de seus clientes não era uma chance para a arte romana. Primeiro, permitiu uma real generalização da arte, deixando de poder falar em “democratização”. É certo que, mesmo nas províncias mais distantes, mesmo em círculos externos às elites financeiras ou intelectuais, a arte não é considerada reservada para uma categoria privilegiada da população. Além da existência de “galerias” abertas ao público (como o Atrium Libertatis), residências modestas e até adegas eram frequentemente decoradas com afrescos.
Por outro lado, a multiplicidade da clientela e o fato de se sentirem pouco preocupados com questões artísticas apropriadas certamente aumentaram a margem de liberdade do artista / artesão. A inventividade, variedade e espontaneidade da arte romana dependiam dessa situação. Podemos supor que uma margem da clientela se preocupasse pouco com o caráter mais ou menos acadêmico da cena esculpida na frente de um sarcófago. Se a tipologia (cenas de caça, obras de Hércules, faculdade das Musas …) a agradou, ela não procurou ver ou criticar as inovações, os pequenos detalhes, os toques estilísticos que fazem o encanto de muitos relevos, muitos afrescos e mosaicos, muitos vasos de prata.
Pintura
Do vasto corpo da pintura romana, agora temos apenas muito poucas bolsas de sobrevivência, com muitos tipos documentados que não sobrevivem, ou o fazem apenas a partir do final do período. O bolso mais conhecido e mais importante são as pinturas nas paredes de Pompéia, Herculano e outros locais próximos, que mostram como os moradores de uma rica estância balnear decoraram suas paredes no século mais ou menos antes da erupção fatal do Monte Vesúvio em 79 EC. Uma sucessão de estilos datados foi definida e analisada pelos historiadores da arte moderna a partir de agosto de Mau, mostrando crescente elaboração e sofisticação.
Começando no século III dC e terminando em cerca de 400, temos um grande corpo de pinturas das Catacumbas de Roma, de modo algum todas cristãs, mostrando a continuação posterior da tradição decorativa doméstica em uma versão adaptada – provavelmente não muito adaptada – para uso em câmaras funerárias, no que provavelmente era um ambiente social bastante mais humilde do que nas maiores casas de Pompéia. Grande parte do palácio de Nero em Roma, o Domus Aurea, sobreviveu como grutas e nos dá exemplos que, com certeza, representam a melhor qualidade de pintura de parede em seu estilo, e que podem muito bem ter representado uma inovação significativa em estilo. Existem várias outras partes de salas pintadas que sobrevivem de Roma e de outros lugares, que de alguma forma ajudam a preencher as lacunas de nosso conhecimento sobre pintura de parede. Do Egito romano, há um grande número do que é conhecido como retratos de múmias de Fayum, retratos de busto em madeira adicionados ao exterior das múmias por uma classe média romanizada; apesar de seu caráter local muito distinto, eles provavelmente são amplamente representativos do estilo romano em retratos pintados, que de outra forma são totalmente perdidos.
Nada resta das pinturas gregas importadas para Roma durante os séculos IV e V, nem da pintura em madeira feita na Itália durante esse período. Em suma, o leque de amostras se limita a apenas 200 anos dos cerca de 900 anos da história romana e da pintura provincial e decorativa. A maior parte dessa pintura de parede foi feita usando o método secco (“seco”), mas algumas pinturas a fresco também existiam no tempo dos romanos. Há evidências de mosaicos e algumas inscrições de que algumas pinturas romanas eram adaptações ou cópias de obras gregas anteriores. No entanto, para aumentar a confusão está o fato de que as inscrições podem estar registrando os nomes dos artistas gregos imigrantes da época romana, não dos originais gregos antigos que foram copiados. Os romanos não tinham uma tradição de pintura figurativa comparável à dos gregos antigos,
Variedade de sujeitos
A pintura romana fornece uma ampla variedade de temas: animais, natureza morta, cenas da vida cotidiana, retratos e alguns assuntos mitológicos. Durante o período helenístico, evocou os prazeres do campo e representou cenas de pastores, rebanhos, templos rústicos, paisagens montanhosas rurais e casas de campo. Cenas eróticas também são relativamente comuns. No final do império, depois de 200 dC, temas cristãos primitivos misturados com imagens pagãs sobrevivem nas paredes das catacumbas.
Paisagem e vistas
A principal inovação da pintura romana comparada à arte grega foi o desenvolvimento de paisagens, em particular incorporando técnicas de perspectiva, embora a verdadeira perspectiva matemática tenha se desenvolvido 1.500 anos depois. Texturas de superfície, sombreamento e coloração são bem aplicados, mas a escala e a profundidade espacial ainda não foram renderizadas com precisão. Algumas paisagens eram cenas puras da natureza, particularmente jardins com flores e árvores, enquanto outras eram vistas arquitetônicas que descreviam prédios urbanos. Outras paisagens mostram episódios da mitologia, as cenas mais famosas da Odisséia.
Na visão tradicional, a arte do antigo Oriente teria conhecido a pintura de paisagem apenas como pano de fundo para cenas narrativas civis ou militares. Esta teoria é defendida por Franz Wickhoff, é discutível. É possível ver evidências do conhecimento grego sobre o retrato da paisagem nas críticas de Platão (107b-108b):
… e se olharmos para o retrato dos corpos divinos e humanos executado pelos pintores, em relação à facilidade ou dificuldade com que eles conseguem imitar seus súditos na opinião dos espectadores, notaremos em primeiro lugar que no que diz respeito à terra, montanhas, rios, bosques e todo o céu, com as coisas que existem e se movem nelas, ficamos contentes se um homem é capaz de representá-las com um pequeno grau de semelhança …
Ainda vida
Os assuntos romanos de natureza morta são frequentemente colocados em nichos ou prateleiras ilusionistas e retratam uma variedade de objetos do cotidiano, incluindo frutas, animais vivos e mortos, frutos do mar e conchas. Exemplos do tema da jarra de vidro cheia de água foram habilmente pintados e mais tarde serviram de modelo para o mesmo assunto, frequentemente pintado nos períodos renascentista e barroco.
Retratos
Plínio reclamou do declínio do estado da arte romana de retratos, “A pintura de retratos que costumavam transmitir através dos tempos a semelhança exata das pessoas desapareceu completamente … A indolência destruiu as artes”.
Na Grécia e Roma, a pintura de parede não era considerada arte de alta qualidade. A forma de arte de maior prestígio além da escultura era a pintura em painel, ou seja, têmpera ou pintura encáustica em painéis de madeira. Infelizmente, como a madeira é um material perecível, apenas poucos exemplos dessas pinturas sobreviveram, a saber, o Severan Tondo de c. 200 dC, um retrato oficial muito rotineiro de algum escritório do governo da província e os conhecidos retratos de múmias de Fayum, todos do Egito romano, e quase certamente não da mais alta qualidade contemporânea. Os retratos foram anexados a múmias funerárias no rosto, das quais quase todas já foram destacadas. Eles geralmente representam uma única pessoa, mostrando a cabeça, ou a cabeça e a parte superior do peito, vistas frontalmente. O fundo é sempre monocromático, às vezes com elementos decorativos. Em termos de tradição artística, as imagens derivam claramente mais das tradições greco-romanas do que das egípcias. Eles são notavelmente realistas, embora variáveis em qualidade artística, e podem indicar arte semelhante que foi difundida em outros lugares, mas não sobreviveu. Alguns retratos pintados em vidro e medalhas do império posterior sobreviveram, assim como retratos de moedas, alguns dos quais também são considerados muito realistas.
Vidro dourado
O vidro de ouro, ou vidro sanduíche de ouro, era uma técnica para fixar uma camada de folha de ouro com um design entre duas camadas de vidro fundidas, desenvolvidas em vidro helenístico e revividas no século III dC. Existem muito poucos desenhos grandes, incluindo um grupo muito fino de retratos do século III com tinta adicionada, mas a grande maioria das cerca de 500 sobreviventes são roundels que são o fundo cortado de xícaras ou copos de vinho usados para marcar e decorar túmulos nas catacumbas de Roma pressionando-os contra a argamassa.
Eles datam predominantemente dos séculos IV e V. A maioria é cristã, embora haja muitos exemplos pagãos e alguns judeus. É provável que eles tenham sido originalmente dados como presentes no casamento ou em ocasiões festivas como o Ano Novo. Sua iconografia tem sido muito estudada, embora artisticamente sejam relativamente pouco sofisticadas. Seus assuntos são semelhantes às pinturas das catacumbas, mas com um equilíbrio de diferenças, incluindo mais retratos. Com o passar do tempo, houve um aumento na representação dos santos. A mesma técnica começou a ser usada para mosaicos de ouro para mosaicos em meados do século I em Roma, e no século V eles se tornaram o pano de fundo padrão para mosaicos religiosos.
O grupo anterior está “entre os retratos mais vívidos para sobreviver desde os primeiros tempos dos cristãos. Eles nos olham com uma intensidade severa e melancólica extraordinária” e representam as melhores indicações sobreviventes do que o retrato romano de alta qualidade poderia obter na pintura. O medalhão Gennadios no Metropolitan Museum of Art, em Nova York, é um belo exemplo de um retrato alexandrino em vidro azul, usando uma técnica e um estilo naturalista mais complexos do que a maioria dos exemplos romanos tardios, incluindo pintura sobre o ouro para criar sombreamento, e com a inscrição grega mostrando recursos de dialetos locais. Talvez ele tivesse recebido ou encomendado a peça para comemorar a vitória em uma competição musical. Um dos mais famosos medalhões de retrato em estilo alexandrino, com uma inscrição em grego egípcio, mais tarde foi montado em um ponto crucial da Idade Média medieval em Brescia, na crença equivocada de que mostrava a imperatriz devota e a rainha gótica Galla Placida e seus filhos; de fato, o nó no vestido da figura central pode marcar um devoto de Ísis.
Este é um de um grupo de 14 peças que datam do século III dC, todos retratos seculares individualizados de alta qualidade. A inscrição no medalhão está escrita no dialeto alexandrino do grego e, portanto, provavelmente representa uma família do Egito romano. O medalhão também foi comparado a outras obras de arte contemporânea romano-egípcia, como os retratos das múmias de Fayum. Pensa-se que os pequenos detalhes de peças como essas só podem ser alcançados usando lentes. Os óculos posteriores das catacumbas têm um nível de retrato rudimentar, com características, penteados e roupas, todos seguindo estilos estereotipados.
Cenas de gênero
As cenas de gênero romano geralmente descrevem os romanos no lazer e incluem jogos de azar, música e encontros sexuais. Algumas cenas retratam deuses e deusas no lazer.
Pinturas triunfal
A partir do século III aC, um gênero específico conhecido como Pinturas Triunfal apareceu, como indicado por Plínio (XXXV, 22). Eram pinturas que mostravam entradas triunfais após vitórias militares, representavam episódios da guerra e conquistavam regiões e cidades. Mapas de resumo foram desenhados para destacar os principais pontos da campanha. Josefo descreve a pintura executada por ocasião do saco de Jerusalém de Vespasiano e Tito:
Havia também ouro e marfim trabalhados presos a todos; e muitas semelhanças da guerra, e de várias maneiras e variedade de artifícios, proporcionando um retrato mais animado de si mesmo. Pois havia um país feliz devastado, e esquadrões inteiros de inimigos mortos; enquanto alguns deles fugiram e outros foram levados para o cativeiro; com muros de grande altitude e magnitude derrubados e arruinados por máquinas; com as mais fortes fortificações tomadas, e os muros das cidades mais populosas sobre os topos das colinas tomados, e um exército se derramando dentro dos muros; como também todo lugar cheio de matança e súplicas dos inimigos, quando eles não eram mais capazes de levantar as mãos em meio à oposição.
Aqui também se representava o fogo enviado aos templos, e as casas derrubadas e caindo sobre seus donos: os rios também, depois de saírem de um deserto grande e melancólico, correram, não para uma terra cultivada, nem como bebida para homens ou para homens. gado, mas através de uma terra ainda em chamas por todos os lados; pois os judeus relataram que haviam sofrido algo durante essa guerra. Agora, a obra dessas representações era tão magnífica e animada na construção das coisas, que exibia o que havia sido feito para quem não a via, como se elas estivessem realmente presentes. No topo de cada um desses concursos estava o comandante da cidade tomada, e a maneira como ele foi levado.
Essas pinturas desapareceram, mas provavelmente influenciaram a composição dos relevos históricos esculpidos em sarcófagos militares, o Arco de Tito e a Coluna de Trajano. Essa evidência ressalta o significado da pintura de paisagem, que às vezes tendia a ser planos de perspectiva.
Ranuccio também descreve a pintura mais antiga encontrada em Roma, em uma tumba no Monte Esquilino:
Descreve uma cena histórica, sobre fundo claro, pintada em quatro seções sobrepostas. Várias pessoas são identificadas, como Marcus Fannius e Marcus Fabius. São maiores que as outras figuras … Na segunda zona, à esquerda, há uma cidade cercada por paredes com ameias, na frente da qual está um grande guerreiro equipado com um cesto oval e um capacete de penas; perto dele está um homem de túnica curta, armado com uma lança … Ao redor destes dois soldados menores em túnicas curtas, armados com lanças … Na zona inferior, uma batalha está ocorrendo, onde um guerreiro com cunha oval e um capacete de penas é mostrado maior que os outros, cujas armas permitem assumir que esses são provavelmente samnitas.
Este episódio é difícil de identificar. Uma das hipóteses de Ranuccio é que se refere à vitória do cônsul Fabius Maximus Rullianus durante a segunda guerra contra os samnitas em 326 aC. A apresentação das figuras com tamanhos proporcionais à sua importância é tipicamente romana e encontra-se em relevos plebeus. Esta pintura está na infância da pintura triunfal e teria sido realizada no início do século III aC para decorar a tumba.
Escultura
A arte romana primitiva foi influenciada pela arte da Grécia e pela dos etruscos vizinhos, muito influenciadas por seus parceiros comerciais gregos. Uma especialidade etrusca era quase efígie de tumba em terracota, geralmente em cima de uma tampa de sarcófago apoiada em um cotovelo na pose de uma lanchonete naquele período. Quando a República Romana em expansão começou a conquistar o território grego, primeiro no sul da Itália e depois em todo o mundo helenístico, exceto no extremo oriente parta, a escultura oficial e patrícia tornou-se em grande parte uma extensão do estilo helenístico, do qual elementos romanos específicos são difíceis de desembaraçar, especialmente porque muitas esculturas gregas sobrevivem apenas em cópias do período romano. No século 2 aC, “a maioria dos escultores que trabalhavam em Roma” eram gregos, muitas vezes escravizados em conquistas como a de Corinto (146 aC), e os escultores continuavam sendo na maioria gregos, muitas vezes escravos, cujos nomes raramente são registrados. Um grande número de estátuas gregas foi importado para Roma, seja como espólio ou como resultado de extorsão ou comércio, e os templos eram frequentemente decorados com obras gregas reutilizadas.
Um estilo italiano nativo pode ser visto nos monumentos da tumba de romanos prósperos da classe média, que muitas vezes apresentavam bustos de retratos, e o retrato é sem dúvida a principal força da escultura romana. Não há sobrevivências da tradição de máscaras de antepassados que foram usadas em procissões nos funerais das grandes famílias e expostas em casa, mas muitos dos bustos que sobrevivem devem representar figuras ancestrais, talvez dos grandes túmulos familiares, como o Tumba dos Cipós ou a mausoléia posterior fora da cidade. A famosa cabeça de bronze, supostamente de Lucius Junius Brutus, é datada de várias formas, mas é considerada uma sobrevivência muito rara do estilo itálico sob a República, no meio preferido de bronze.
Da mesma forma, cabeças severas e vigorosas são vistas nas moedas dos cônsules e, no período imperial, moedas e bustos enviados ao redor do Império para serem colocados nas basílicas das cidades provinciais eram a principal forma visual da propaganda imperial; até Londinium tinha uma estátua quase colossal de Nero, embora muito menor que o Colosso de Nero, com 30 metros de altura, em Roma, agora perdido. O túmulo de Eurysaces the Baker, um bem-sucedido libertado (c. 50-20 aC) tem um friso que é um exemplo incomumente grande do estilo “plebeu”. O retrato imperial foi inicialmente helenizado e altamente idealizado, como no cameo de Blacas e em outros retratos de Augusto.
Os romanos geralmente não tentavam competir com obras gregas autônomas de façanhas heróicas da história ou da mitologia, mas desde o início produziam obras históricas em relevo, culminando nas grandes colunas triunfais romanas com relevos narrativos contínuos em torno deles, dos quais aqueles comemorando Trajano (113 dC) e Marco Aurélio (em 193) sobrevivem em Roma, onde o Ara Pacis (“Altar da Paz”, 13 aC) representa o estilo greco-romano oficial da maneira mais clássica e refinada, e as esculturas de Sperlonga no seu mais barroco. Algumas esculturas públicas romanas tardias desenvolveram um estilo maciço e simplificado que às vezes antecipa o realismo socialista soviético. Entre outros exemplos importantes, estão os relevos reutilizados anteriormente no Arco de Constantino e na base da Coluna de Antonino Pio (161),
Todas as formas de pequenas esculturas de luxo continuaram a ser apadrinhadas, e a qualidade pode ser extremamente alta, como na Taça Warren de prata, na Taça Lycurgus de vidro e em grandes aparições como Gemma Augustea, Gonzaga Cameo e “Great Cameo of France”. Para uma seção muito mais ampla da população, a decoração em relevo moldada de vasos de cerâmica e pequenas figuras foram produzidas em grande quantidade e com qualidade considerável.
Depois de passar por uma fase “barroca” do final do século II, no século III, a arte romana abandonou em grande parte, ou simplesmente se tornou incapaz de produzir, escultura na tradição clássica, uma mudança cujas causas permanecem muito discutidas. Até os monumentos imperiais mais importantes agora mostravam figuras atarracadas e de olhos grandes em um estilo frontal severo, em composições simples que enfatizavam o poder em detrimento da graça. O contraste é ilustrado de forma famosa no Arco de Constantino de 315 em Roma, que combina seções no novo estilo com rodelas no estilo greco-romano completo anterior retirado de outros lugares, e os Quatro Tetrarcas (c. 305) da nova capital de Constantinopla, agora em Veneza. Ernst Kitzinger encontrou nos dois monumentos as mesmas “proporções atarracadas, movimentos angulares,
Essa revolução de estilo logo precedeu o período em que o cristianismo foi adotado pelo estado romano e pela grande maioria do povo, levando ao fim de grandes esculturas religiosas, com grandes estátuas agora usadas apenas para imperadores, como nos famosos fragmentos de um estátua acrolítica colossal de Constantino, e o colosso do século IV ou V de Barletta. No entanto, os cristãos ricos continuaram a solicitar relevos para os sarcófagos, como no sarcófago de Junius Bassus, e uma escultura muito pequena, especialmente em marfim, foi continuada pelos cristãos, construindo o estilo do díptico consular.
A escultura romana tradicional é dividida em cinco categorias: retratos, relevos históricos, relevos funerários, sarcófagos e cópias de obras gregas antigas. Ao contrário da crença dos primeiros arqueólogos, muitas dessas esculturas eram grandes imagens policromáticas de terracota, como o Apolo de Veii (Villa Givlia, Roma), mas a superfície pintada de muitos deles se desgastou com o tempo.
Relevos narrativos
Enquanto os escultores gregos tradicionalmente ilustravam façanhas militares através do uso de alegoria mitológica, os romanos usavam um estilo mais documentário. Os relevos romanos das cenas de batalha, como os da Coluna de Trajano, foram criados para a glorificação do poder romano, mas também fornecem representação em primeira mão de trajes e equipamentos militares. A coluna de Trajano registra as várias guerras dacianas conduzidas por Trajano na atual Romênia. É o principal exemplo de relevo histórico romano e um dos grandes tesouros artísticos do mundo antigo. Essa conquista sem precedentes, com mais de 200 metros de comprimento em espiral, apresenta não apenas indivíduos renderizados de forma realista (mais de 2.500 deles), mas paisagens, animais, navios e outros elementos em uma história visual contínua – na verdade, um antigo precursor de um documentário. Sobreviveu à destruição quando foi adaptado como base para a escultura cristã. Durante a era cristã, após 300 dC, a decoração dos painéis das portas e dos sarcófagos continuou, mas a escultura em tamanho natural desapareceu e não parecia ser um elemento importante nas igrejas primitivas.
Artes menores
Cerâmica e terracota
Os romanos herdaram uma tradição da arte em uma ampla variedade das chamadas “artes menores” ou arte decorativa. A maioria delas floresceu de maneira impressionante no nível de luxo, mas um grande número de figuras de terracota, tanto religiosas quanto seculares, continuou a ser produzido de forma barata, assim como alguns relevos maiores de Campana em terracota. A arte romana não usava pintura de vasos no caminho dos gregos antigos, mas os vasos da cerâmica romana antiga eram frequentemente decorados com elegância em relevo moldado. Os produtores das milhões de pequenas lamparinas vendidas parecem ter confiado em uma decoração atraente para derrotar os concorrentes e todos os assuntos da arte romana, exceto paisagem e retrato, são encontrados em miniatura.
Vidro
As artes de luxo incluíam o vidro romano sofisticado em uma grande variedade de técnicas, muitas das quais menores eram provavelmente acessíveis a uma boa proporção do público romano. Esse certamente não foi o caso dos tipos mais extravagantes de vidro, como os copos de gaiola ou diatreta, dos quais a Lycurgus Cup no Museu Britânico é um exemplo figurativo quase único no vidro que muda de cor quando visto com a luz passando por ele . O Augustan Portland Vase é a obra-prima do camafeu romano, imitando o estilo das grandes jóias gravadas (Blacas Cameo, Gemma Augustea, Great Cameo da França) e outras esculturas em pedra dura que também eram mais populares na época.
mosaico
O mosaico romano era uma arte menor, embora muitas vezes em escala muito grande, até o final do período, quando os cristãos do final do século IV começaram a usá-lo para grandes imagens religiosas nas paredes de suas novas grandes igrejas; na arte romana anterior, o mosaico era usado principalmente para pisos, tetos curvos e paredes internas e externas que iam se molhar. A famosa cópia de uma pintura helenística no Alexander Mosaic em Nápoles foi originalmente colocada no chão de Pompéia; trata-se de um trabalho de qualidade muito mais alta do que a maioria dos mosaicos romanos, embora painéis muito finos, muitas vezes de objetos de natureza morta em tecidos pequenos ou micromosos, também tenham sobrevivido.
Os romanos distinguiram entre o opus tessellatum normal e o tesserae com mais de 4 mm de diâmetro, que foi estabelecido no local, e o opus vermiculatum mais fino para pequenos painéis, que se acredita terem sido produzidos fora do local de uma oficina e levados ao local como acabados painel. Este último era um gênero helenístico encontrado na Itália entre cerca de 100 aC e 100 dC. A maioria dos mosaicos assinados tem nomes gregos, sugerindo que os artistas continuavam gregos, embora provavelmente os escravos fossem treinados em oficinas. O mosaico do Nilo do final do século II aC de Palestrina é um exemplo muito grande do gênero popular da paisagem nilótica, enquanto o mosaico do gladiador do século IV em Roma mostra várias figuras grandes em combate. Os mosaicos de Orfeu, geralmente muito grandes, eram outro assunto favorito das vilas, com vários animais ferozes domados pela música de Orfeu.
Metalwork
O trabalho em metal era altamente desenvolvido e claramente uma parte essencial das casas dos ricos, que jantavam prata enquanto bebiam frequentemente de vidro e tinham elaborados acessórios de fundição em seus móveis, jóias e pequenas figuras. Várias acumulações importantes encontradas nos últimos 200 anos, principalmente das margens mais violentas do império tardio, nos deram uma idéia muito mais clara da placa de prata romana. O Mildenhall Treasure e o Hoxne Hoard são ambos de East Anglia, na Inglaterra. Existem poucas sobrevivências de móveis romanos antigos de luxo, mas eles mostram design e execução refinados e elegantes.
Moedas e medalhas
Poucas moedas romanas atingem os picos artísticos das melhores moedas gregas, mas sobrevivem em grande número e sua iconografia e inscrições formam uma fonte crucial para o estudo da história romana e para o desenvolvimento da iconografia imperial, além de conter muitos bons exemplos de retrato. Eles penetraram na população rural de todo o Império e além, com bárbaros às margens do Império fazendo suas próprias cópias. No Império, medalhões em metais preciosos começaram a ser produzidos em pequenas edições como presentes imperiais, semelhantes a moedas, embora maiores e geralmente mais finos na execução. As imagens em moedas inicialmente seguiram os estilos gregos, com deuses e símbolos, mas nos tumultos da República primeiro Pompeu e depois Júlio César apareceram em moedas, e retratos do imperador ou membros de sua família tornaram-se padrão nas moedas imperiais. As inscrições foram usadas para propaganda e, mais tarde, no Império, o exército se juntou ao imperador como beneficiário.
Arquitetura
Foi na área da arquitetura que a arte romana produziu suas maiores inovações. Como o Império Romano se estendia por uma área tão grande e incluía tantas áreas urbanizadas, os engenheiros romanos desenvolveram métodos para a construção de cidades em grande escala, incluindo o uso de concreto. Edifícios maciços como o Panteão e o Coliseu nunca poderiam ter sido construídos com materiais e métodos anteriores. Embora o concreto tivesse sido inventado mil anos antes no Oriente Próximo, os romanos estenderam seu uso das fortificações aos seus edifícios e monumentos mais impressionantes, capitalizando a força e o baixo custo do material. O núcleo de concreto era coberto com gesso, tijolo, pedra ou mármore, e as esculturas decorativas em policromia e douradas eram frequentemente adicionadas para produzir um efeito deslumbrante de poder e riqueza.
Por causa desses métodos, a arquitetura romana é lendária pela durabilidade de sua construção; com muitos edifícios ainda de pé e alguns ainda em uso, principalmente edifícios convertidos em igrejas durante a era cristã. Muitas ruínas, no entanto, foram despojadas de seu folheado de mármore e são deixadas com o núcleo de concreto exposto, parecendo um pouco reduzidas em tamanho e grandeza em relação à aparência original, como na Basílica de Constantino.
Durante a era republicana, a arquitetura romana combinou elementos gregos e etruscos e produziu inovações como o templo redondo e o arco curvo. À medida que o poder romano crescia no início do império, os primeiros imperadores inauguravam o nivelamento por atacado de favelas para construir grandes palácios no Monte Palatino e áreas próximas, o que exigia avanços nos métodos de engenharia e no design em larga escala. Os edifícios romanos foram construídos no agrupamento comercial, político e social conhecido como fórum, o de Júlio César sendo o primeiro e vários outros posteriormente, sendo o Fórum Romano o mais famoso.
A maior arena do mundo romano, o Coliseu, foi concluída por volta de 80 dC no final desse fórum. Ele abrigava mais de 50.000 espectadores, tinha coberturas retráteis de tecido para a sombra e podia encenar espetáculos enormes, incluindo enormes concursos de gladiadores e simuladas batalhas navais. Esta obra-prima da arquitetura romana resume a eficiência da engenharia romana e incorpora todas as três ordens arquitetônicas – dórica, iônica e coríntia. Menos celebrado, mas igualmente importante, se não mais para a maioria dos cidadãos romanos, foi a ínsula de cinco andares ou o bloco da cidade, o equivalente romano de um prédio de apartamentos, que abrigava dezenas de milhares de romanos.
Foi durante o reinado de Trajano (98–117 dC) e Adriano (117–138 dC) que o Império Romano alcançou sua maior extensão e que a própria Roma estava no auge de sua glória artística – alcançada por meio de enormes programas de construção de monumentos , casas de reunião, jardins, aquedutos, banhos, palácios, pavilhões, sarcófagos e templos. O uso romano do arco, o uso de métodos concretos de construção, o uso da cúpula permitiram a construção de tetos abobadados e permitiram a construção desses espaços e complexos públicos, incluindo palácios, banheiros públicos e basílicas da “Era de Ouro” do império. Exemplos notáveis de construção de cúpulas incluem o Panteão, os Banhos de Diocleciano e os Banhos de Caracala.
A altura do teto é exatamente igual ao diâmetro interior do edifício, criando um recinto que pode conter uma esfera gigante. Esses grandes edifícios mais tarde serviram de modelo inspirador para arquitetos do Renascimento italiano, como Brunelleschi. Na época de Constantino (306-337 dC), os últimos grandes programas de construção em Roma ocorreram, incluindo a construção do Arco de Constantino construído perto do Coliseu, que reciclou algumas obras de pedra do fórum nas proximidades, para produzir uma mistura eclética de estilos.
Os aquedutos romanos, também baseados no arco, eram comuns no império e transportadores essenciais de água para grandes áreas urbanas. Seus restos de alvenaria permanente são especialmente impressionantes, como a Pont du Gard (com três camadas de arcos) e o aqueduto de Segóvia, servindo como testemunho mudo da qualidade de seu projeto e construção.