A arte em miniatura ou a pintura em miniatura em pouco é um gênero que se concentra na arte (especialmente pintura, gravura e escultura) com uma longa história que remonta aos escribas da era medieval. As sociedades de arte em miniatura, como a Federação Mundial de Miniaturistas (WFM), fornecem definições aplicáveis do termo. Uma definição freqüentemente usada é que uma peça de arte em miniatura pode ser realizada na palma da mão, ou que cobre menos de 25 polegadas quadradas ou 100 cm². Os assuntos são retratados em 1/6 de tamanho real, e em todas as pinturas o espírito de miniaturização deve ser mantido.
A arte em miniatura (arte em miniatura) é um gênero de arte em pequena escala que inclui pintura, estampas, esculturas e muito mais. A Associação de Belas Artes, a Federação Mundial de Miniaturistas (WFM) A definição é diferente, mas muitas organizações exigem que a obra de arte não seja maior que 100 centímetros quadrados. O charme de uma peça de arte é que ela pode ser realizada na palma da sua mão.
A arte em miniatura é uma pequena ilustração usada para decorar um manuscrito iluminado antigo ou medieval; as ilustrações simples dos primeiros códices foram minadas ou delineadas com esse pigmento. A escala geralmente pequena das imagens medievais conduziu, em segundo lugar, a uma confusão etimológica do termo com minuteness e à sua aplicação em pequenas pinturas, especialmente miniaturas de retratos, que, no entanto, cresceram da mesma tradição e pelo menos inicialmente utilizaram técnicas similares.
Além das tradições ocidentais e bizantinas, existe outro grupo de tradições asiáticas, geralmente mais ilustrativo, e desde origens na decoração de livros manuscritos também se tornaram pinturas pequenas de uma única folha para serem mantidas em álbuns, que também são chamados de miniaturas. , como os equivalentes ocidentais em aquarela e outros meios não são. Estes incluem miniaturas persas, e seus Mughal, otomanos e outros ramos indianos.
A arte em miniatura foi feita há mais de 1000 anos e é apreciada por colecionadores. A Casa Branca dos EUA, o Smithsonian American Art Museum, o Castelo de Dollhouse Astolat e os museus de todo o mundo têm coleções de pinturas em miniatura, desenhos, gravuras e gravuras originais e escultura.
Pintura em miniatura significa literalmente pinturas em miniatura. A palavra miniatura vem da palavra latina miniâre (para colorir a cor vermelha), o que significa vermelhão de metal vermelho. Na Idade Média, os livros foram impressos com o vermelhão Vermelho-doce da Europa, e desta forma, o livro manuscrito ou potinho transmitido sob a forma de uma pintura em miniatura que foi feita em forma de figura monocromática. Muitas miniaturas famosas do período Mughal do ano indiano foram pintadas.
História da arte em miniatura:
3º-6º séculos:
As primeiras miniaturas existentes são uma série de desenhos coloridos ou miniaturas cortadas da Ilíada Ambrosiana, um manuscrito ilustrado da Ilíada do século III. Eles são semelhantes em estilo e tratamento com a arte pictórica do período clássico romano posterior. Nessas imagens, há uma variedade considerável na qualidade do desenho, mas há muitos casos notáveis de desenho fino, bastante clássico no sentimento, mostrando que a arte anterior ainda exercia sua influência. Tais indicações, também, da paisagem que se encontram são do tipo clássico, não convencionais no sentido do convencionalismo medieval, mas ainda tentam seguir a natureza, mesmo que de maneira imperfeita; assim como nos romanos de Pompeia e outros da era romana.
De um valor ainda maior do ponto de vista artístico, estão as miniaturas do manuscrito do Vaticano de Virgílio, conhecido como Vergilius Vaticanus, do início do século V. Eles estão em condições mais perfeitas e em maior escala do que os fragmentos ambrosianos, e, portanto, oferecem uma melhor oportunidade para examinar o método ea técnica. O desenho é bastante clássico, e a idéia é transmitida de que as miniaturas são cópias diretas de uma série mais antiga. As cores são opacas: de fato, em todas as miniaturas dos primeiros manuscritos, o emprego da cor do corpo era universal. O método seguido ao colocar as diferentes cenas na página é altamente instrutivo da prática seguida, como podemos presumir, pelos artistas dos primeiros séculos. Parece que o fundo da cena foi primeiro pintado na íntegra, cobrindo toda a superfície da página; então, sobre este fundo foram pintadas as figuras e objetos maiores; e sobre estes novamente, os detalhes menores na frente deles foram sobrepostos. (O algoritmo do pintor). Novamente, com o objetivo de garantir algo como perspectiva, foi adotado um arranjo de zonas horizontais, os superiores contendo figuras em menor escala do que aquelas abaixo.
Foi reservado para a escola bizantina se separar mais decididamente da apresentação natural das coisas e desenvolver convenções artísticas. No entanto, nos melhores exemplos iniciais desta escola, o sentimento clássico ainda perdura, como testemunham as relíquias das miniaturas do Algodão Gênesis e as melhores das miniaturas dos deuses de Deus; e nas miniaturas dos últimos manuscritos bizantinos, que foram copiados de exemplos anteriores, a reprodução dos modelos é fiel. Mas ao comparar as miniaturas da escola bizantina em geral com seus predecessores clássicos, a pessoa tem a sensação de ter passado do ar aberto para o claustro. Sob a restrição da dominação eclesiástica, a arte bizantina tornou-se cada vez mais estereotipada e convencional. A tendência tende a pintar os tons de carne em tons sujos, alongar e emaciar os membros e endurecer a marcha. Marrons, tons azuis e tons neutros são favoráveis. Aqui encontramos o tratamento técnico da pintura de carne, que depois se tornou a prática especial dos miniaturistas italianos, ou seja, a colocação dos tons de carne reais sobre um solo de azeitona, verde ou outro matiz escuro. A paisagem, como era, logo se tornou bastante convencional, dando o exemplo da ausência notável da verdadeira representação da natureza, que é um atributo tão marcante das miniaturas da Idade Média.
E, no entanto, enquanto o tratamento ascético das miniaturas obteve tão fortemente na arte bizantina, ao mesmo tempo, a sensação oriental de esplendor se mostra no brilho de grande parte da coloração e no emprego generoso do ouro. Nas miniaturas dos manuscritos bizantinos são vistos pela primeira vez esses fundos de ouro brilhante que depois aparecem com tanta profusão nas produções de todas as escolas da pintura ocidental.
A influência da arte bizantina na Itália medieval é óbvia. Os primeiros mosaicos nas igrejas da Itália, como os de Ravenna e Veneza, também oferecem exemplos da influência bizantina dominante. Mas o início da Idade Média fornece apenas alguns pontos de referência para orientar o aluno; e é só quando ele surge no século 12, com seus afrescos e miniaturas ainda com a impressão da tradição bizantina, que ele pode estar convencido de que a conexão sempre existiu durante os séculos intermediários.
Séculos VIII-XII:
Este texto generosamente decorado que abre o Evangelho de João no Livro de Kells, no início do século IX, mostra o estilo insular de iluminação: decorativo e não ilustrativo.
Nas escolas nativas de iluminação da Europa Ocidental, a decoração apenas foi o principal motivo. Nos manuscritos do período merovíngio, na escola que conectou Frankland e o norte da Itália, e que é conhecido como Lombardico ou Franco-Lombardico, nos manuscritos de Espanha, nas produções da arte insular das Ilhas Britânicas, desenho de figuras era mal conhecido, servindo mais como uma característica da decoração do que como uma representação da forma humana.
A escola anglo-saxônica, desenvolvida especialmente em Canterbury e Winchester, que provavelmente derivou seu desenho característico de mão-direita de modelos romanos clássicos, pouco influenciados pelo elemento bizantino. As mais altas qualidades das miniaturas do século 10 e 11 desta escola encontram-se no desenho de esboços finos, que teve uma influência duradoura na miniatura inglesa dos séculos posteriores. Mas a escola sulista anglo-saxônica se distingue da linha geral de desenvolvimento da miniatura medieval ocidental.
Sob os monarcas carolíngios, desenvolveu-se uma escola de pintura derivada de modelos clássicos, principalmente do tipo bizantino. Nesta escola, que devia sua origem ao encorajamento de Carlomagno, vê-se que a miniatura aparece em duas formas. Primeiro, há a miniatura verdadeiramente convencional que segue o modelo bizantino, sendo os assuntos geralmente os retratos dos quatro evangelistas, ou retratos dos próprios imperadores: as figuras formais; as páginas brilhantemente coloridas e douradas, geralmente colocadas em ambientes arquitetônicos de um tipo fixo, e desprovidas de paisagem no sentido real da palavra. Acompanhado como era com decoração abundante em fronteira e inicial, definiu o padrão para as mais recentes escolas continentais do Ocidente. Por outro lado, há também a miniatura em que há uma tentativa de ilustração, como, por exemplo, a representação de cenas da Bíblia. Aqui há mais liberdade; e nós rastreamos o estilo clássico que copia modelos romanos, como distinguidos dos bizantinos.
A influência que a escola carolingiana exerceu nas miniaturas dos artistas anglo-saxões do sul mostra-se no uso prolongado da cor do corpo e no emprego mais elaborado de ouro na decoração. Um manuscrito como Benedictional de St. Æthelwold, bispo de Winchester, 963 a 984, com suas séries de miniaturas desenhadas no estilo nativo, mas pintadas em pigmentos opacos, exibem a influência da arte estrangeira. Mas o desenho real permaneceu essencialmente nacional, marcado pelo seu próprio tratamento da figura humana e pela disposição da cortina com dobras ondulantes. O estilo foi refinado, tendendo ao exagero e à desproporção dos membros. Com a Conquista Normanda, esta incrível escola nativa morreu.
Com o despertar da arte no século 12, a decoração dos manuscritos recebeu um poderoso impulso. Os artistas da época se destacaram na fronteira e na inicial, mas na miniatura também houve desenho vigoroso, com linhas de barulho arrojadas e estudo cuidadoso das cortinas. Os artistas se tornaram mais praticados no desenho de figuras, e enquanto ainda havia a tendência de repetir os mesmos assuntos da mesma forma convencional, o esforço individual produziu neste século muitas miniaturas de um caráter muito nobre.
A Conquista Normanda trouxe a Inglaterra diretamente na dobra da arte continental; e agora começou esse agrupamento das escolas francesas, inglesas e flamengas, que, promovidas pela crescente relação sexual e movidas por impulsos comuns, resultaram nas magníficas produções dos iluminadores da Europa do Noroeste a partir da última parte do século 12 .
Mas de paisagem natural não há nada, a menos que rochas e árvores de um personagem estereotipado possam ser tão consideradas. Daí o fundo da miniatura dos séculos XII e imediatamente sucessivos tornou-se o campo da decoração para lançar em relevo mais forte as figuras na cena. E assim surgiu a prática de preencher todo o espaço com uma folha de ouro, muitas vezes polida: um brilhante método de ornamento que já vimos praticado na escola bizantina. Nós também percebemos o tratamento convencional das figuras sagradas, que continuam a partir de um sentido de veneração, para ser vestida com as vestes tradicionais dos primeiros séculos, enquanto as outras figuras da cena usam o vestido ordinário da época.
Séculos XIII e XV:
Entrando no século 13, chegamos ao período em que a miniatura pode ser dita para justificar a etimologia falsa moderna que ligou o título com minuteness. O estilo amplo e arrojado do século 12 dá lugar ao preciso e ao minuto. Os livros em geral trocaram a sua forma do grande folio para o octavo e tamanhos menores. Havia uma maior demanda por livros; e o velo foi limitado em quantidade e teve que ir mais longe. A escrita manual cresceu e perdeu a redondeza do século 12. Contrações e abreviaturas nos textos aumentaram em número. Em todos os lugares há um esforço para economizar espaço. E assim com a miniatura. As figuras eram pequenas, com traços delicados nas características e com corpos finos e membros limpos. Os fundos chamejam com cor e ouro polido; e padrões de fraldas delicadas de ouro alternativo e cor abundam. Frequentemente, e especialmente em manuscritos ingleses, os desenhos são simplesmente matizados ou lavados com cores transparentes. Neste século, também, a miniatura invade a inicial. Considerando que, nos períodos anteriores, os pergaminhos de flores corajosas são a moda, agora uma pequena cena é introduzida nos espaços em branco da carta.
Para comparar o trabalho das três escolas, o desenho da miniatura inglesa, no seu melhor, talvez seja o mais gracioso; o francês é o mais puro e o mais preciso; O flamengo, inclusive o da Alemanha Ocidental, é menos refinado e em linhas mais fortes e fortes. Quanto às cores, o artista inglês afeta tons mais claros do que os das outras escolas: uma parcialidade deve ser observada para a luz verde, para o azul cinza e para o lago. O artista francês adora tons mais profundos, especialmente o ultramarino. O Fleming e o alemão pintaram, em regra, em cores menos puras e inclinados ao peso. Uma característica notável nos manuscritos franceses é o ouro vermelho ou cobre, usado em suas iluminações, em forte contraste com o metal mais pálido da Inglaterra e dos Países Baixos.
É notável como a arte da miniatura ao longo do século 13 mantém sua alta qualidade, tanto no desenho quanto na cor, sem qualquer alteração muito marcante. Ao longo do século, a Bíblia e o Saltério foram favoráveis; e, naturalmente, os mesmos assuntos e as mesmas cenas atravessaram o período e foram repetidos pelo artista após o artista; e o próprio caráter desses livros sagrados tenderia a restringir a inovação. Mas, no final do período, as obras seculares como os romances cresciam em popularidade e proporcionavam um campo mais amplo para a invenção do artista ilustrador. Portanto, com a abertura do século 14, uma mudança de estilo palpável é superada. Passamos para linhas mais fluidas; não aos corajosos traços e curvas do século 12, mas a um estilo gracioso, delicado e cindente que produziu as belas figuras que se balançam do período. De fato, a miniatura agora começa a se libertar do papel de um integrante do esquema decorativo de iluminação e a se tornar a imagem, dependendo do próprio mérito artístico da posição que deve ocupar no futuro. Isso é mostrado pelo lugar mais proeminente que a miniatura agora assume, e pela crescente independência da borda decorativa e inicial.
Mas, ao mesmo tempo, enquanto a miniatura do século 14 esforça-se assim para dissociar-se do resto dos detalhes iluminados do manuscrito, dentro de si, floresce em decoração. Além da maior elasticidade do desenho de figura, há um desenvolvimento paralelo nos desenhos dos fundos. As fraldas tornam-se mais elaboradas e mais brilhantes; a beleza do ouro queimado é reforçada pelos padrões pontilhados que são freqüentemente trabalhados sobre ele; os copos góticos e outras características arquitetônicas que se tornou a prática de introduzir naturalmente seguiram o desenvolvimento da arquitetura do período. Em uma palavra, a grande expansão do sentimento artístico em decoração do melhor tipo, que é tão proeminente no trabalho superior do século XIV, é igualmente notável na miniatura iluminada.
No início do século, o desenho em inglês é muito gracioso, as figuras dobradas com um movimento ondulante que, se não fosse tão simples, seria uma afectação. Ambos nos espécimes, lavados com cor transparente e totalmente. exemplos pintados, o melhor trabalho de inglês desta época é insuperável. A arte francesa ainda mantém sua precisão, as cores mais vivas do que as da Inglaterra e os rostos delicadamente indicados sem muita modelagem. As produções dos Países Baixos, ainda mantendo o estilo de desenho mais pesado, aparecem grosseiras ao lado das obras das outras escolas. Nem a arte em miniatura alemã desse período mantém uma posição alta, sendo geralmente mecânica e de caráter rústico. À medida que o tempo avança, a miniatura francesa quase monopoliza o campo, superando o brilho da coloração, mas perdendo muito da sua pureza de desenho, embora o padrão geral ainda permaneça alto. A escola de inglês gradualmente se revienta e, devido a nenhuma dúvida às causas políticas e às guerras com a França, parece não produzir nenhum trabalho de muito valor. É apenas no final do século 14 que existe um avivamento.
Este avivamento foi atribuído a uma conexão com a escola florescente de Praga, uma escola que, no esquema de coloração, sugere uma influência do sul que se segue ao casamento de Richard II com Anne of Bohemia em 1382. O novo estilo de pintura em miniatura inglesa é distinguido por riqueza de cores e modelagem cuidadosa dos rostos, que se compara favoravelmente com o tratamento mais lento dos artistas franceses contemporâneos. Uma atenção semelhante às características também marca a escola flamenga ou holandesa do norte nesse período e no início do século XV; e pode, portanto, ser considerado como um atributo da arte germânica como distinto do estilo francês.
A promessa do novo desenvolvimento na pintura em miniatura inglesa, no entanto, não deveria ser cumprida. No primeiro quarto do século 15, foram produzidos exemplos de grande mérito, mas paralisados no desenho e encadernado à convenção medieval. A arte nativa praticamente chegou ao fim de meados do século, quando a melhor apreciação da natureza estava derrubando a antiga representação convencional da paisagem na arte europeia e estava transformando a miniatura em uma imagem moderna. Seja qual for a pintura em miniatura que deveria ser produzida na Inglaterra depois desse tempo, seria o trabalho de artistas estrangeiros ou de artistas imitando um estilo estrangeiro. A condição do país durante as Guerras das Rosas explica o abandono do art. Assim, a história da miniatura no século 15 deve ser procurada nos manuscritos das escolas continentais.
Primeiro, temos que considerar o norte da França e os Países Baixos. À medida que passa do dia 14 e entra no século XV, a miniatura de ambas as escolas começa a exibir maior liberdade de composição; e há uma tendência adicional para apontar um efeito bastante geral pela coloração do que a limpeza no desenho. Isso foi encorajado pelo campo mais amplo aberto ao miniaturista. Livros de todos os tipos foram ilustrados, livros sagrados, Bíblias e Saltérios e livros litúrgicos, não eram mais os principais, senão os únicos, manuscritos iluminados. E ainda havia uma classe de manuscrito que entrou na maior proeminência e que era ao mesmo tempo litúrgica. Este foi o Horas, ou Livro das Horas, livros devocionais para uso individual, que se multiplicaram em grande número e continham alguns dos melhores trabalhos dos miniaturistas. A decoração desses pequenos volumes escapou em grande medida das restrições convencionais que seu caráter religioso poderia ter imposto. Além disso, a demanda por manuscritos iluminados por esse tempo estabeleceu um comércio regular; e sua produção não foi confinada, como antigamente, ao claustro. Os artistas notáveis do manuscrito iluminado secular incluem Master Honoré da escola Paraisan.
No início do século, o antigo tratamento convencional da paisagem ainda era próprio; nem o fundo fralda e dourado passou de fora do uso. De fato, em alguns dos melhores espécimes franceses da época, os padrões de fraldas são mais brilhantes do que nunca. Mas o cenário natural no segundo trimestre do século se afirma de forma mais decidida, embora com falhas em perspectiva. Não foi até que surgiu uma nova geração de uma verdadeira apreciação do horizonte e do efeito atmosférico.
As miniaturas das escolas francesas e flamengas correm bastante paralelas por um tempo, mas depois do meio do século, as características nacionais se tornam mais marcantes e divergentes. A miniatura francesa começou a deteriorar-se, embora alguns exemplos muito bons fossem produzidos pelos artistas mais talentosos da escola. O desenho de figura era mais descuidado, e a pintura tendia a dureza sem profundidade, que o artista tentava aliviar por um excesso de sombreamento dourado.
A escola flamenga na última parte do século 15 atingiu a sua maior excelência. A miniatura flamenga afetou extrema suavidade e profundidade de cor; também um cuidado cada vez maior no tratamento dos detalhes, das draperias, da expressão dos traços: o tipo flamengo do rosto da Virgem, por exemplo, com a sua testa cheia e alta, nunca pode ser enganado. Nas melhores miniaturas flamengas do período, o artista consegue apresentar uma maravilhosa suavidade e brilho de cor; nem o alto padrão cessou com o século 15, pois muitos espécimes excelentes ainda continuam a atestar o favor em que foi realizada por algumas décadas mais.
Nas observações precedentes, o que foi dito no que diz respeito ao tratamento cuidadoso dos detalhes aplica-se ainda mais às miniaturas executadas em grisaille, nas quais a ausência de cores convidou uma acentuação ainda mais forte desse tratamento. Isso é talvez mais observável nas miniaturas da grisanha do norte da Flandres, que muitas vezes sugerem, particularmente nas fortes linhas angulares das cortinas, uma conexão com a arte do gravador de madeira.
A miniatura flamenga, no entanto, não tem o favor da Europa Ocidental sem um rival. Esse rival surgiu no sul e chegou à perfeição ao mesmo tempo que a miniatura dos Países Baixos no século XV. Esta foi a miniatura italiana, que passou pelas mesmas etapas das miniaturas da Inglaterra e da França e dos Países Baixos. A intercomunicação entre os países da Europa estava bem estabelecida para que o caso fosse o contrário. Nos manuscritos italianos do tipo normal, a influência da arte bizantina é muito manifesta nos séculos XIII e XIV. O antigo sistema de pintar os matizes da carne sobre o verde azeitona ou algum pigmento semelhante, que é deixado exposto nas linhas dos traços, obtendo assim uma tez swarthy, continuou a ser praticado em uma forma mais ou menos modificada no século 15. Em regra, os pigmentos utilizados são mais opacos do que os empregados nas escolas do norte; e o artista confiava mais em colorir sozinho para obter o efeito desejado do que a mistura de cor e ouro que deu resultados tão brilhantes nos padrões de fraldas da França. O vívido escarlate dos miniaturistas italianos é peculiar. O desenho de figuras é menos realista que a arte contemporânea dos manuscritos ingleses e franceses, sendo a forma humana muitas vezes espessa. Em geral, a miniatura italiana, antes da sua grande expansão no século 14, está muito atrás das miniaturas do norte. Mas com o século 15, sob a influência do Renascimento, avançou para o primeiro lugar e rivalizou com o melhor trabalho da escola flamenga. O uso de pigmentos mais espessos permitiu ao miniaturista obter a superfície dura e polida, tão característico de seu trabalho, e manter a nitidez do esboço, sem perder a profundidade e a riqueza de cores que se comparam com as mesmas qualidades na escola flamenga.
O estilo italiano foi seguido nos manuscritos da Provença nos séculos XIV e XV. Também teve efeito na escola do norte da França, pela qual também foi influenciada por sua vez. Nos manuscritos do sul da Alemanha também está em evidência. Mas os princípios que foram revistos como orientação do desenvolvimento da miniatura nas escolas mais importantes são igualmente aplicáveis a todos. Como a miniatura da escola flamenga, a miniatura italiana ainda estava trabalhada até certo ponto com sucesso, sob patrocínio especial, mesmo no século XVI; mas com o rápido deslocamento do manuscrito pelo livro impresso, a ocupação do miniaturista foi encerrada.
Pérsia
Reza Abbasi (1565-1635), considerado um dos pintores persas mais renomados de todos os tempos, especializado em miniatura persa, com preferência por temas naturalistas. Hoje, suas obras sobreviventes podem ser encontradas em muitos dos principais museus do mundo ocidental, como o Smithsonian, o Louvre e o Metropolitan Museum of Art.
Miniaturas Mughal
A pintura Mughal se desenvolveu durante o período do Império Mughal (séculos XVI – XVIII) e geralmente foi confinada a miniaturas, seja como ilustrações de livros ou como obras únicas a serem mantidas em álbuns. Surgiu da tradição de pintura em miniatura persa introduzida na Índia por Mir Sayyid Ali e Abd al-Samad em meados do século XVI. Em breve se afastou de suas origens Safavid; com a influência de artistas hindus, as cores tornaram-se mais brilhantes e as composições mais naturalistas. O assunto era predominantemente secular, consistindo principalmente em ilustrações para obras de literatura ou história, retratos de membros da corte e estudos da natureza. Em seu auge, o estilo de pintura Mughal representava um elegante casamento de arte persa, européia e hindi.
Exposição em arte em miniatura:
Para artistas e colecionadores contemporâneos interessados em visitar ou participar de shows de arte em miniatura, existem várias exposições desses. Aqui está uma lista de shows em miniatura selecionados que são representativos de belas artes em miniatura sendo exibidas em todo o mundo hoje:
Exposição Internacional Anual de Arte de Arte em miniatura da Flórida a cada janeiro em Dunedin, EUA (As inscrições devem ter menos de 25 polegadas quadradas de tamanho para pinturas, menos de 8 polegadas em qualquer dimensão para esculturas e criadas com atenção aos detalhes. Existem algumas exceções para assuntos muito pequenos, mas em itens gerais representados devem ser menores que 1/6 do tamanho original.)
Sulphur Springs Valley International Miniature and Small Works Art Show a cada fevereiro, Willcox, AZ EUA (As pinturas devem ter menos de 20 polegadas quadradas de tamanho e os objetos neles devem ter 1/6 de tamanho original ou menos).
Seaside Art Gallery Annual Miniature Fine Art Show a cada maio, Nags Head, NC EUA (as pinturas devem medir 42 polegadas quadradas ou menos do lado de fora dos quadros. As esculturas não podem exceder 6 polegadas em qualquer dimensão. A regra 1/6 não se aplica a esta competição.)
Show internacional de miniatura anual Juried na Galeria Parklane a cada maio, Kirkland, WA EUA (As entradas devem ter menos de 25 polegadas quadradas em tamanho para pinturas, menos de 4 polegadas em qualquer dimensão para esculturas e criadas com atenção aos detalhes. Existem algumas exceções para assuntos muito pequenos, mas em itens gerais representados devem ser menores que 1/6 do tamanho original.)
A Arte da Exposição Anual Miniatura de Arte em miniatura da Arte na Galeria de Gansos Nevado a cada maio, Belém, PA EUA (As inscrições devem ter menos de 25 polegadas quadradas de tamanho para pinturas e criadas com atenção aos detalhes. Existem algumas exceções para assuntos muito pequenos , mas, em geral, os itens apresentados devem ser menores que 1/6 do tamanho original.)
Heartland Art Guild International Miniature Paintings & Sculptures Art Show a cada julho, Museu Histórico do Condado de Miami em Paola, KS USA (As inscrições devem ter menos de 25 polegadas quadradas em tamanho para pinturas, menos de 6 polegadas em qualquer dimensão para esculturas e criadas com atenção para detalhar. Os itens apresentados devem ser menores que 1/6 do tamanho original.)
Anual Gateway para o Rockies Art Show, Aurora History Museum, em outubro Aurora, CO USA (as regras em miniatura tradicionais não se aplicam. O único critério é que as imagens tenham 36 polegadas quadradas ou menos).
Miniaturas e Mais Show Invitacional, Museu de Arte de Albuquerque, todos os meses de outubro, Albuquerque, EUA (as pinturas são limitadas a um tamanho emoldurado de 324 polegadas quadradas (altura x largura) ou qualquer proporção de altura e largura emoldurada juntas, igual a 36 polegadas total ou menor. Para escultura, o limite de tamanho é de 15-20 polegadas ou menor em qualquer dimensão – altura, largura ou comprimento).
Exposição de arte em miniatura anual do Conselho para as Artes no The Capitol Theatre Center de novembro, Chambersburg, EUA (as imagens das pinturas devem medir 24 polegadas quadradas ou menos). As esculturas não podem exceder 5 polegadas em qualquer dimensão. A regra 1/6 não se aplica a esta concorrência.)
Pintores em miniatura Sculptors Gravers Society of Washington DC Exposição anual em miniatura a novembro, Bethesda, MD EUA (as imagens das pinturas devem medir 25 polegadas quadradas ou menos). As esculturas não podem exceder 6 polegadas em qualquer dimensão. As inscrições devem aderir ao “espírito da miniatura” que inclui atenção aos detalhes e a regra 1/6 para objetos que não são muito pequenos para representar a 1/6 do tamanho deles).
Exposição anual de arte em miniatura norte-americana na Galeria de arte de Fells Point, Baltimore, MD EUA (As imagens de pinturas devem medir 24 polegadas quadradas ou menos. As esculturas não podem exceder 8 polegadas em qualquer dimensão. As inscrições devem aderir ao “espírito da miniatura” que inclui atenção aos detalhes e a regra 1/6 para objetos que não são muito pequenos para representar a 1/6 do tamanho deles).