A arte religiosa ou a arte sacra é uma imagem artística que usa inspiração e motivos religiosos e é frequentemente destinada a elevar a mente ao espiritual. A arte sacra envolve as práticas ritualísticas e cultuais e os aspectos práticos e operativos do caminho da realização espiritual dentro da tradição religiosa do artista.

Arte cristã
A arte sacra cristã é produzida na tentativa de ilustrar, suplementar e retratar de forma tangível os princípios do cristianismo, embora outras definições sejam possíveis. É fazer imagens das diferentes crenças do mundo e do que elas parecem. A maioria dos grupos cristãos usa ou usaram a arte até certo ponto, embora alguns tenham tido fortes objeções a algumas formas de imagem religiosa, e houve grandes períodos de iconoclasmo dentro do cristianismo. A maior parte da arte cristã é alusiva, ou construída em torno de temas familiares ao observador pretendido. Um dos temas cristãos mais comuns é o da Virgem Maria segurando o menino Jesus. Outra é a de Cristo na cruz. Para o benefício dos analfabetos, desenvolveu-se um elaborado sistema iconográfico para identificar conclusivamente as cenas. Por exemplo, Saint Agnes retratada com um cordeiro, São Pedro com chaves, São Patrício com um trevo. Cada santo mantém ou está associado a atributos e símbolos na arte sacra.

História
A arte cristã primitiva sobrevive de datas próximas às origens do cristianismo. As mais antigas pinturas cristãs sobreviventes são do site em Megido , datada de cerca do ano 70, e as mais antigas esculturas cristãs são de sarcófagos, datando do início do século II. Até a adoção do cristianismo por Constantino, a arte cristã derivou seu estilo e grande parte de sua iconografia da arte romana popular, mas a partir deste ponto grandes edifícios cristãos construídos sob patrocínio imperial trouxeram a necessidade de versões cristãs da elite romana e da arte oficial, dos quais mosaicos igrejas em Roma são os exemplos mais proeminentes de sobrevivência.

Durante o desenvolvimento da arte cristã no Império Bizantino (veja a arte bizantina), uma estética mais abstrata substituiu o naturalismo previamente estabelecido na arte helenística. Esse novo estilo era hierático, ou seja, seu objetivo principal era transmitir o significado religioso em vez de renderizar objetos e pessoas com precisão. Perspectivas realistas, proporções, luz e cor foram ignoradas em favor da simplificação geométrica de formas, perspectiva reversa e convenções padronizadas para retratar indivíduos e eventos. A controvérsia sobre o uso de imagens esculpidas, a interpretação do Segundo Mandamento e a crise do Iconoclasmo Bizantino levaram a uma padronização do imaginário religioso dentro da Ortodoxia Oriental.

O Renascimento viu um aumento em obras seculares monumentais, mas até a Reforma Protestante, a arte cristã continuou a ser produzida em grandes quantidades, tanto para igrejas e clero quanto para leigos. Durante este tempo, Michelangelo Buonarroti pintou a Capela Sistina e esculpiu a famosa Pietà, Gianlorenzo Bernini criou as colunas maciças na Basílica de São Pedro, e Leonardo Da Vinci pintou a Última Ceia. A Reforma teve um enorme efeito sobre a arte cristã, rapidamente levando a produção da arte cristã pública a uma parada virtual nos países protestantes, e causando a destruição da maior parte da arte que já existia.

Como uma noção secular universal, não-sectária, de arte surgiu no século XIX Europa Ocidental artistas seculares ocasionalmente tratavam de temas cristãos (Bouguereau, Manet). Apenas raramente era um artista cristão incluído no cânon histórico (como Rouault ou Stanley Spencer). No entanto, muitos artistas modernos, como Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elizabeth Frink e Graham Sutherland produziram obras de arte conhecidas para as igrejas. Através de uma interpretação social do cristianismo, Fritz von Uhde também

Desde o advento da impressão, a venda de reproduções de obras piedosas tem sido um elemento importante da cultura cristã popular. No século 19, isso incluiu pintores de gênero, como Mihály Munkácsy. A invenção da litografia a cores levou à ampla circulação de cartas sagradas. Na era moderna, empresas especializadas em modernos artistas cristãos comerciais, como Thomas Blackshear e Thomas Kinkade, embora amplamente consideradas no mundo da arte como kitsch, tiveram muito sucesso.

A última parte do século 20 e a primeira parte do século 21 viram um esforço concentrado de artistas que reivindicam fé em Cristo para restabelecer a arte com temas que giram em torno da fé, Cristo, Deus, a Igreja, a Bíblia e outros clássicos. Temas cristãos como dignos de respeito pelo mundo da arte secular. Artistas como Makoto Fujimura tiveram influência significativa nas artes sagradas e seculares. Outros artistas notáveis ​​incluem Larry D. Alexander, Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove e John August Swanson.

Arte budista
A arte budista originou-se no subcontinente indiano, seguindo a vida histórica de Siddhartha Gautama, do 6º ao 5º século aC, e depois evoluiu pelo contato com outras culturas, uma vez que se espalhou por toda parte. Ásia e o mundo.

A arte budista seguiu os crentes como o dharma se espalhou, adaptou-se e evoluiu em cada novo país anfitrião. Desenvolveu-se ao norte através da Ásia Central e na Ásia Oriental para formar o ramo norte da arte budista, e para o leste até onde Sudeste Asiático para formar o ramo do sul da arte budista. Dentro Índia , A arte budista floresceu e até influenciou o desenvolvimento da arte hindu, até que o budismo quase desapareceu em Índia por volta do século X, devido em parte à vigorosa expansão do islamismo ao lado do hinduísmo.

Arte budista tibetana
A maioria das formas de arte budista tibetana está relacionada à prática do tantra budista ou vajrayana. A arte tibetana inclui thangkas e mandalas, muitas vezes incluindo representações de budas e bodhisattvas. A criação da arte budista geralmente é feita como meditação, assim como a criação de um objeto como ajuda para a meditação. Um exemplo disso é a criação de uma mandala de areia por monges; antes e depois das orações de construção serem recitadas, e a forma da mandala representa o ambiente puro (palácio) de um Buda no qual é meditado para treinar a mente. O trabalho é raramente, ou nunca, assinado pelo artista. Outras artes budistas tibetanas incluem objetos rituais de metal, como o vajra e o phurba.

Arte budista indiana
Dois lugares sugerem mais vividamente do que qualquer outro a vitalidade da pintura rupestre budista do século V dC. Um é o Ajanta, um site em Índia esquecido há muito tempo até ser descoberto em 1817. O outro é Dunhuang, um dos grandes locais de encenação do oásis na Rota da Seda … As pinturas vão desde imagens devocionais calmas do Buda a cenas animadas e cheias de gente, muitas vezes apresentando os sedutores e cheios seios. mulheres de cintura estreita, mais familiares na escultura indiana do que na pintura. A arte principal incluía mesquitas e uma madona (arte de Maria e possivelmente seu filho)

Arte islâmica
A proibição de retratar imagens representacionais na arte religiosa, bem como a natureza naturalmente decorativa da escrita árabe, levou ao uso de decorações caligráficas, que usualmente envolviam a repetição de padrões geométricos que expressavam ideais de ordem e natureza. Foi usado em arquitetura religiosa, tapetes e documentos manuscritos. A arte islâmica refletiu essa visão de mundo equilibrada e harmoniosa. Concentra-se na essência espiritual e não na forma física.

Embora tenha havido uma aversão à adoração de ídolos em potencial através da história islâmica, esta é uma visão sunita distintamente moderna. Miniaturas persas, junto com representações medievais de Maomé e anjos no Islã, são exemplos proeminentes contrários à moderna tradição sunita. Além disso, os muçulmanos xiitas são muito menos avessos à representação de figuras, incluindo o Profeta, desde que a representação seja respeitosa.

Figura representação na arte sacra islâmica
A resistência islâmica à representação dos seres vivos, em última análise, decorre da crença de que a criação de formas vivas é única para Deus, e é por essa razão que o papel das imagens e dos criadores de imagem tem sido controverso. As declarações mais fortes sobre o tema da representação figurativa são feitas no Hadith (Tradições do Profeta), onde os pintores são desafiados a “dar vida” às suas criações e ameaçados de punição no Dia do Juízo. O Alcorão é menos específico, mas condena a idolatria e usa o termo árabe musawwir (“criador de formas”, ou artista) como um epíteto de Deus. Parcialmente como resultado desse sentimento religioso, figuras na pintura eram frequentemente estilizadas e, em alguns casos, a destruição de obras de arte figurativas ocorria. O iconoclasma era anteriormente conhecido no período bizantino e o aniconicismo era uma característica do mundo judaico, colocando assim a objeção islâmica a representações figurativas dentro de um contexto maior. Como ornamento, no entanto, os números eram em grande parte desprovidos de qualquer significado maior e, portanto, talvez apresentassem menos desafios. Tal como acontece com outras formas de ornamentação islâmica, os artistas livremente adaptaram e estilizaram formas básicas humanas e animais, dando origem a uma grande variedade de desenhos baseados em figuras.

Caligrafia
A caligrafia é o elemento mais respeitado e fundamental da arte islâmica. É significativo que o Alcorão, o livro das revelações de Deus para o Profeta Muhammad, tenha sido transmitido em árabe, e que inerente à escrita árabe é o potencial para o desenvolvimento de uma variedade de formas ornamentais. O emprego da caligrafia como ornamento tinha um apelo estético definido, mas freqüentemente incluía um componente talismânico subjacente. Enquanto a maioria das obras de arte tinha inscrições legíveis, nem todos os muçulmanos poderiam lê-las. Deve-se ter sempre em mente, no entanto, que a caligrafia é principalmente um meio de transmitir um texto, ainda que de forma decorativa. De seus primeiros exemplos simples e primitivos do 5º e 6º século DC, o alfabeto árabe desenvolveu-se rapidamente após a ascensão do Islã no século VII em uma bela forma de arte. As duas famílias principais de estilos caligráficos foram os estilos secos, geralmente chamados de Kufic, e os estilos cursivos suaves, que incluem Naskhi, Thuluth, Nastaliq e muitos outros.

Geometria
Os padrões geométricos compõem um dos três tipos não-estruturais de decoração da arte islâmica, que também incluem caligrafia e padrões vegetais. Seja isolado ou usado em combinação com ornamentação não-estrutural ou representação figurativa, os padrões geométricos são popularmente associados à arte islâmica, em grande parte devido à sua qualidade anicônica. Esses desenhos abstratos não apenas adornam as superfícies da arquitetura islâmica monumental, mas também funcionam como o principal elemento decorativo de uma vasta gama de objetos de todos os tipos.