Escola de Fontainebleau

A Escola de Fontainebleau (Ecole de Fontainebleau 1530-1610) refere-se a dois períodos de produção artística na França durante o final da Renascença, centrados no Château real de Fontainebleau, que foram cruciais na formação da versão francesa do Maneirismo do Norte.

Termo que abrange o trabalho em uma ampla variedade de meios, incluindo pintura, escultura, estuque e gravura, produzido a partir da década de 1530 para a primeira década do século XVII na França (por exemplo, A Ninfa de Fontainebleau) Evoca um mundo irreal e poético de elegante , figuras alongadas, muitas vezes em configurações mitológicas, bem como incorporando ornamentação rica e intricada com um tipo característico de trabalho de cinta. A frase foi usada pela primeira vez por Adam von Bartsch em Le Peintre-Graveur (21 vols, Viena, 1803-21), referindo-se a um grupo de gravuras e gravuras, algumas das quais, sem dúvida, feitas em Fontainebleau, na França. Em linhas gerais, designa a arte feita para decorar o castelo de Fontainebleau, construída em 1528 por Francisco I e seus sucessores e, por extensão, abrange todas as obras que refletir a arte de Fontainebleau Com a reavaliação do maneirismo no século 20, a popularidade da escola de Fontainebleau aumentou enormemente

Centrada em torno de pintores que trabalham principalmente na decoração do Château de Fontainebleau, esta escola é caracterizada por uma interpretação francesa medida do maneirismo.

O nome dado a esse movimento artístico, no entanto, data do século XIX, usado pela primeira vez em 1818 pelo historiador Adam Bartsch (1757-1821), em seu trabalho sobre gravura (1803-1821), para designar as estampas feitas por um grupo. de artistas na década de 1540, sob a influência de dois mestres italianos que trabalham no castelo de Fontainebleau: o Rosso e Primatice.

Por extensão, esse termo foi aplicado a todas as formas de arte que floresceram em Fontainebleau e, um pouco mais tarde, no mesmo espírito, em Paris.

A Primeira Escola de Fontainebleau (cerca de 1526-1570)
Em 1526, quando ele estava quase no cativeiro, Francis I trouxe um grande grupo de artistas italianos da Itália para embelezar seu Palácio de Fontainebleau 3. Assim, ele cria seu desejo, uma espécie de “nova Roma”, que será chamada de Escola de Fontainebleau, com um influente círculo intelectual e artístico.

A partir de 1530, sob a influência dos italianos Rosso e Primatice, são lançadas as grandes fórmulas de um estilo decorativo que prevalecerá em toda a Europa. Sua grande inovação na decoração de interiores é a aliança, pela primeira vez na França, de ornamentos ou figuras de estuque com afrescos e painéis de madeira.

Entre os temas preferidos estão as pinturas mitológicas ou alegóricas, inspiradas na Antiguidade, onde os nus são tratados com elegância 4. Graças a Rosso, a Primeira Escola de Fontainebleau desenvolve as capacidades decorativas do cartucho, associando-o com os enrolamentos e os recortes suaves do couro. Esta fórmula nunca será conhecida como um sucesso universal.

Na Galerie François I, esta nova introdução ao estuque enriquece afrescos ou medalhões, com bordas de alto relevo. Esse sistema de molduras, criado por instigação do Rosso, anima figuras, putti, guirlandas de frutas, bucranas, sátiros ou máscaras, no meio da ondulação do couro e dos buracos dos nichos. Essas estuques às vezes brancas, às vezes pintadas e douradas, enquadram figuras alegóricas, enquanto criam jogos de sombras e luz.

Obra de um italiano, mas impensável fora do contexto francês, a Galerie François Ier revela-se como um vasto conjunto para a glorificação da monarquia francesa. Imediatamente admirado por estrangeiros, e em primeiro lugar pelos italianos, de repente fez de Fontainebleau um grande centro artístico, como uma “nova Roma”, percebendo assim a grande ambição do rei que é representado como “vencedor da ignorância”.

Esse novo tipo de galeria impõe na França um mundo imaginário inédito: a corte, acostumada até agora à decoração de tapeçarias com temas religiosos ou heróicos, descobre o universo da Fábula e suas nudez provocativa. Tal trabalho deve ter causado uma sensação e precipitado a evolução das mentes.

Enquanto a morte ocorreu, o Rosso em 1540, Primatice, tomou a direção das obras de Fontainebleau, assistido por Nicolò dell’Abbate.

A conclusão da decoração da câmara da Duquesa d’Etampes, dá-lhe a oportunidade de realizar um vasto conjunto decorativo, cujos ciclos alegóricos colocam a figura humana em primeiro plano. No entanto, ele é tratado como um elemento decorativo entre muitos outros, antes, assim como grinaldas ou cartuchos, para se adaptar à formulação geral e aos requisitos da composição. Sua escala e seu cânon seguem assim os imperativos do efeito geral. De um modo geral, é o maneirismo italiano, introduzido e renovado pelo Rosso e Primatice, que controla o aspecto fluido e alongado das figuras, em particular quando se trata do nu feminino que é então animado pela “linha serpentina”.

Acima dos painéis dessa sala, cenas eróticas inspiradas na vida de Alexandre, o Grande, se desenvolvem. Esta série de afrescos, feitos entre 1541 e 1544, inspira-se também nas conquistas de Rafael, desde a luxúria de François I er: rei libertino às muitas amantes (ele teria 27 de cada vez), ele teria dito em Brantôme: “Um tribunal sem senhoras, é como um jardim sem flores” 6. Inacabada por um tempo, estas decorações foram concluídas a partir de 1570 por Niccolo dell’Abate, para parch o trabalho da asa da Belle – Cheminée. Entre essas obras, temos vindo do Primatice: “Alexandre domar Bucéphale”, “O Casamento de Alexandre” e “Roxane e Alexander poupando Timoclée”, complementados por aqueles de Niccolo dell’Abate, incluindo: “Alexander tem um conjunto em uma caixa conjunto de obras de Homer “e” Thalestris sobe na cama de Alexandre “.

Um pouco mais tarde, o Salão de Baile deu uma festa diferente, sendo Primatice substituído por Philibert Delorme. Janelas envidraçadas aqui permitem o desenvolvimento de afrescos acima de uma carpintaria de painéis altos. Um teto de caixotão desenvolvido pela Scibec de Carpi completa o conjunto. No fundo, uma gigantesca lareira emoldurada por dois sátiros de bronze, cujo jogo eclético com formas, luz e materiais denota um estilo maneirista italiano. Nos moldes das janelas, aparecem conjuntos pintados de cenas mitológicas inspiradas na História da Guerra de Troia e realizadas por Niccolò dell’Abbate, que trabalha em paralelo para Anne de Montmorency (Iluminismo de Proserpina, ou História da Euridyce).

Essas conquistas de Bellifontain influenciaram muito artistas franceses como Jean Goujon, Antoine Caron e Noël Jallier. Às vezes, outros artistas convidados por François I, como Benvenuto Cellini ou Girolamo della Robbia, são associados à Escola de Fontainebleau. Algumas dessas personalidades, influenciadas pela arte italiana, começaram a participar da decoração de interiores do castelo Ecouen que estava sendo construído. Em geral, se o espírito dos elementos decorativos se mantiver fiel às realizações de Fontainebleau, as composições deste novo site apresentam uma evolução no tratamento do estuque, gradualmente substituído pelo trompe l’oeil.

Tomando as partes retiradas do salão de baile de Fontainebleau, as salas do Castelo de Ancy-le-Franc são adornadas com painéis altos, com afrescos atribuídos em grande parte a Primatice ou outros pintores de Fontainebleau. O estilo particular deles / delas aqui novamente testemunha à influência exercida pelas residências reais em todas as produções artísticas do momento.

Em meados do século XVI, quando o mercado de impressão está em plena explosão, as pinturas feitas por esta escola são copiadas em gravuras, aparentemente por ocasião de um breve programa organizado, incluindo os próprios pintores. mesmo 8. A arte do vitral é afetada, a peça de mobiliário copia os motivos mais famosos. Os escultores, mesmo os maiores, não são insensíveis a isso. Assim, os patronos executados pelos artistas de Fontainebleau para estofadores, ourives e esmaltadores contribuíram naturalmente para a estreita interdependência das artes da época.

Longe de desaparecer com a morte de seus dois últimos criadores, a Escola de Fontainebleau sobrevive, às vezes de maneira muito arcaica, até o final do século. Sua influência na arte francesa é surpreendente: é notada até a província nos afrescos do castelo de Oiron e depois em Tanlay. Assim, misturando o bellifontain e influências romanas, a galeria do Château d’Oiron (1547-1549) realizada por Noël Jallier sobre o tema da Eneida e da Ilíada, faz a síntese entre a França e a Itália. Encontramos também os pilotos italianos e uma grande paixão na ação dos personagens, inspirados no Rosso, enquanto um sfumato poético invade as paisagens romanas.

Finalmente, no castelo de Tanlay, os afrescos da abóbada do andar superior da Torre da Liga, representam com a mesma linha serpentina, personagens da corte da França, disfarçados de deuses do Olimpo.

Apesar da diversidade das festas decorativas, do grande número de técnicas utilizadas e do caráter cosmopolita de um ambiente que reúne artistas italianos, franceses e flamengos, as produções da Escola de Fontainebleau apresentam uma grande unidade de estilo, marcada por uma concepção comum de figura e ornamento. O mundo nascido deste acordo não tendo equivalente na Itália, deve-se admitir que um clima peculiar à corte da França, suntuoso, sensual, elegante, direcionou em uma nova direção a genialidade de Rosso e Primatice.

As obras desta “primeira escola de Fontainebleau” caracterizam-se pelo uso extensivo de estuque (molduras e porta-retratos) e afrescos, e por um elaborado (e muitas vezes misterioso) sistema de alegorias e iconografia mitológica. Renascimento motivos decorativos, como grotescos, strapwork e putti são comuns, bem como um certo grau de erotismo. As figuras são elegantes e mostram a influência das técnicas do maneirismo italiano de Michelangelo, Rafael e especialmente Parmigianino. Primaticcio também foi direcionado para fazer cópias de estátuas romanas antigas para o rei, espalhando assim a influência da estatuária clássica.

Muitas das obras de Rosso, Primaticcio e dell’Abate não sobreviveram; partes do Chateau foram remodeladas em várias datas. As pinturas do grupo foram reproduzidas em gravuras, principalmente gravuras, que aparentemente foram produzidas inicialmente no próprio Fontainebleau e, mais tarde, em Paris. Eles disseminaram o estilo pela França e além, e também registraram várias pinturas que não sobreviveram.

O estilo maneirista da escola de Fontainebleau influenciou artistas franceses (com quem os italianos trabalharam), como o pintor Jean Cousin, o Velho, os escultores Jean Goujon e Germain Pilon e, em menor grau, o pintor e retratista François Clouet, filho de Jean Clouet.

Oficina de gravura
Embora não haja prova concreta, a maioria dos estudiosos concorda que houve uma oficina de gravura no próprio Palácio de Fontainebleau, reproduzindo os desenhos dos artistas para suas obras no palácio, bem como outras composições que eles produziram. Os impressores mais produtivos foram Léon Davent, Antonio Fantuzzi e Jean Mignon, seguidos pelo artista “misterioso” conhecido por seu monograma como “Master I♀V” (♀ sendo o símbolo alquímico para o cobre, do qual as chapas de impressão foram feitas) e o workshop parece ter estado ativo entre 1542 e 1548, o mais tardar; François I da França morreu em março de 1547, após o que o financiamento para o palácio terminou, e a escola se dispersou. Estas foram as primeiras gravuras feitas na França, e não muito atrás dos primeiros usos italianos da técnica, que se originaram na Alemanha. As primeiras impressões de todas as impressões de Fontainebleau são em tinta marrom, e sua intenção parece ter sido essencialmente reprodutiva.

A intenção do workshop era disseminar o novo estilo que se desenvolvia no palácio mais amplamente, tanto para a França quanto para os colegas italianos na Itália. Se a iniciativa para fazer isso veio do rei ou de outro patrono, ou apenas dos artistas, não está claro. David Landau acredita que Primaticcio foi a força motriz; ele havia se tornado o diretor do trabalho em Fontainebleau após o suicídio de Rosso Fiorentino em 1540.

A empresa parece ter sido “apenas um pouco prematura” em termos de captura de mercado. As gravuras gravadas eram frequentemente marcadas por sinais da inexperiência da oficina e às vezes incompetência com a técnica de gravura, e de acordo com Sue Welsh Reed: “Poucas impressões sobrevivem dessas placas, e é questionável se muitas delas foram puxadas. executados e não bem impressos; eram muitas vezes riscados ou não bem polidos e não se limpavam. Alguns podem ter sido feitos de metais macios como cobre, como o estanho. ” Um amplo mercado de gravuras preferia as “texturas altamente acabadas” de Nicolas Beatrizet, e depois “gravadores proficientes, mas sem inspiração”, como René Boyvin e Pierre Milan.

Artistas notáveis ​​da primeira escola
Niccolò dell’Abbate (c.1509-1571) (italiano)
Damiano del Barbiere, estuque e escultor italiano
Francesco Scibec da Carpi (falecido em 1557), fabricante de móveis italiano, que trabalhou nas boiseries.
Léon Davent, gravador francês
Antonio Fantuzzi, pintor e gravador italiano
Rosso Fiorentino (Giovanni Battista de Jacopo de ‘Rossi) (1494–1540) (Italiano)
Juste de Juste (c.1505-1559) escultor e gravador franco-italiano
Luca Penni (c. 1500 / 1504-1556) (Italiano)
Francesco Primaticcio (c.1505-1570) (italiano)
Léonard Thiry, flamengo, pintor e gravador

A Segunda Escola de Fontainebleau (1594-1617)
Desde o reinado de Henrique IV desenvolve-se um estilo maneirista tardio, por vezes denominado “Segunda Escola de Fontainebleau”. Ecoando o primeiro, refere-se principalmente aos pintores que estavam ativos nos estaleiros reais. durante o reinado de Henrique IV (1594 – 1610) e regência de Maria de Médicis (1610 – 1617). O campo de atividade dessa segunda escola também excedia largamente a estrutura do único castelo de Fontainebleau; sua participação era grande na decoração do Louvre e Saint-Germain-en-Laye, sem mencionar o trabalho feito para a manufatura real de tapeçarias 8. Esta nova equipa, no entanto, difere da anterior pelo seu grande número de artistas de origem flamenga e, de um modo mais geral, por uma influência nórdica mais pronunciada, que pode ser explicada pelas circunstâncias políticas da época. .

Após um longo período de agitação ligada às guerras religiosas, a renovação das artes é particularmente impressionante no reinado de Henrique IV, tocando todas as áreas: pintura, escultura, arquitetura, livro de arte, mas também jardins de arte e artes da corte, incluindo balés e entradas triunfal.

Renovando com o tempo de Francisco I, o rei está trabalhando para reviver as artes francesas por um importante patrocínio. A fim de atrair artistas que fugiram de Paris novamente, ele começou a trabalhar na década de 1590 para contribuir para a notoriedade do reino, envolvendo-os em programas ambiciosos (Galerie de Diane, Galeria dos Cerfs, Pavillon des Poëles, Castelo Novo de Saint-Germain- en-Laye …). Henrique IV, o primeiro rei da dinastia dos Bourbon, mas também herdeiro do trono de Valois, nunca deixa de recordar a legitimidade desse poder duramente conquistado. Fontainebleau é, portanto, parte dessas obras inacabadas sob os Valois que o rei quer completar, ao mesmo tempo em que ajuda a capital a recuperar sua primazia no campo artístico.

É neste contexto de prosperidade renovada, que se desenvolve a segunda Escola de Fontainebleau. A continuidade com o primeiro time é ainda mais sensível que o segundo também faz parte da tendência internacional do maneirismo, daí o nome comum. Mas com a inspiração parmesão que dominou com o Primatice estão mais influências mistas. Os italianos não desempenham mais o primeiro papel, porque são os franceses que agora ocupam os cargos de gerência. Se ainda aguardamos o Primatice, o Rosso ou Nicolò Dell’Abate, cuja cor e tendências “modernas” de suas paisagens e cenas de gênero são apreciadas, a inspiração geral mudou: a contribuição flamenga, que se tornou essencial, leva a uma interpretação mais pessoal da pintura, que associa às fórmulas maneiristas elementos de um realismo muitas vezes próximo da caricatura: Toussaint Dubreuil, Ambroise Dubois e Martin Fréminet são hoje considerados os principais mestres deste movimento.

Ao longo do reinado de Henrique IV, esses artistas estão constantemente tentando renovar o estilo decorativo francês, aproveitando as oportunidades oferecidas pela retomada dos pátios reais. Para realizar suas pesquisas, a nova equipe não hesita em extrair não apenas das fontes da arte de Fontainebleau, do que do flamengo italianizado contemporâneo, trazendo assim várias distorções em seus empréstimos. Assim, o flamengo Ambroise Dubois e o francês Toussaint Dubreuil (desaparecido prematuramente em 1602) sintetizam suas contribuições por composições com distorções caprichosas e nus eróticos, por um estilo brilhante e eclético. No entanto, a chama parece extinta e a confusão de espaço e escala na maioria das composições encobre a pobreza da imaginação e do estilo.

Diferentemente da Primeira Escola de Fontainebleau, nenhum artista francês da segunda geração alcança o valor e o carisma de Rosso ou Primatice. Apesar de seu desejo de independência e renovação, esta escola é muitas vezes atraída pelos elementos visionários e fantásticos dos modelos italianos, caracterizados por perspectivas extremas e uma paleta exagerada e torta; muitos trabalhos afundam em uma fórmula confusa e um erotismo óbvio, sinais de uma compreensão superficial da arte renascentista tardia.

Se a Segunda Escola de Fontainebleau reúne artistas franceses como Jacob Bunel, Guillaume Dumée, Gabriel Honnet ou o já barroco Martin Freminet, para criar as decorações das residências reais, apenas Antoine Caron impressiona com sua arte de corte extremamente sofisticada. Suas pinturas são estranhamente semelhantes aos gigantescos balés, provavelmente inspiradas no entretenimento favorito da corte de Catarina de ‘Medici, seu principal patrono.

Agora menos focada em temas mitológicos ou alegóricos, inspirada na Antiguidade, a Segunda Escola de Fontainebleau está mais disposta a recorrer aos temas românticos e literários das canções de Tasso e Ariosto: Os temas de Jerusalém entregues ou da Franciade então conhecem um retumbante sucesso. No entanto, os temas religiosos ainda são muito populares porque muitas vezes relacionados a ordens de prestígio, perfeitamente ilustrado na decoração já barroca da capela da Trindade por Fréminet, como uma nova “Sistina francesa” do século XVII.

Pela sumptuosidade das suas decorações, o castelo de Fontainebleau, torna-se por um tempo um importante centro artístico que contribui para a radiação da nova dinastia; As trocas entre a arte parisiense e a arte de Bellifontain pareciam se intensificar.

No entanto, os elos que unem a França de Henri IV e Marie de Médicis aos principais centros artísticos europeus, permitem que esta nova equipe de Bellifontaine seja colocada em um ambiente mais amplo, em conexão com Florença, Antuérpia ou Nancy, cujo brilhante centro artístico É dominado por Jacques Bellange (falecido em 1616), mas cujo estilo é inexoravelmente aumentado sob a influência de Jean de Hoey e Jerome Franck.

Enquanto muitos trabalhos de artistas da Segunda Escola de Fontainebleau, infelizmente, desapareceram, a conservação no castelo de Ancy-le-Franc, um vasto conjunto de cenários relacionados com a primeira e a segunda escola de Fontainebleau, hoje uma das maiores testemunhas da produção pictórica francesa do Renascimento.

Em conclusão, a famosa pintura representando Gabrielle d’Estrées e uma de suas irmãs, resume perfeitamente as características da pintura francesa da corte real da época, misturando sensualidade, frescura de cores e influência da pintura italiana do Renascimento. Distinguindo-se dos mestres da primeira escola, por uma cor mais quente e contrastante, a arte destes pintores ainda amassou modelos do primeiro maneirismo italiano, desempenhou um inegável papel de transição com a arte parisiense do início do século XVII. , expressando tanto as novas tendências do classicismo quanto as do barroco.

No entanto, o brilho das obras da Primeira Escola é tal que mestres como Primatice e Nicolò dell’Abbate, continuam a exercer uma influência decisiva ao longo do período: eles continuarão sendo uma grande referência ao século XV para clássicos como Laurent de La Hyre. Jacques Blanchard, Lubin Baugin e até os irmãos Le Nain.

Seu estilo continuaria a influenciar os artistas durante as primeiras décadas do século XVII, mas outras correntes artísticas (Peter Paul Rubens, Caravaggio, as escolas naturalistas holandesas e flamengas) logo os eclipsariam.

Artistas notáveis ​​da segunda escola
Ambroise Dubois (c.1542-1614) (nascido em flamengo)
Toussaint Dubreuil (c.1561-1602)
Martin Fréminet (1567–1619)