Escola de arte veneziana

A partir do final do século XV, Veneza teve um ambiente artístico distinto, próspero e influente. Começando com o trabalho de Giovanni Bellini (c. 1430-1516) e seu irmão Gentile Bellini (c. 1429-1507) e suas oficinas, os principais artistas da escola veneziana incluiu Giorgione (c. 1477-1510), Ticiano (c. 1489–1576), Tintoretto (1518–1594), Paolo Veronese (1528–1588) e Jacopo Bassano (1510–1592) e seus irmãos. Considerada a primazia da cor sobre a linha, a tradição da escola veneziana contrastava com o maneirismo predominante no resto da Itália. O estilo veneziano exerceu grande influência sobre o desenvolvimento subsequente da pintura ocidental.

Característica
Os principais motivos são imagens sacrais, pinturas históricas, pinturas de gênero, retratos de retratos e vedutas da cidade.

Uma característica é a nova abordagem à luz e à cor. Aqui vem a plasticidade de volta. Absolutamente prevalente, especialmente nos últimos séculos, foram edifícios e paisagens urbanas da cidade comercial de Veneza.

“Típico das escolas de pintura venezianas é o jogo sensual de formas, a grande importância da cor e uma extraordinária sensação de luz, que dá às paisagens algo poético e elegíaco.”

– Michelin: pintura veneziana: um mundo de luz e cor

Desenvolvimento precoce
Durante o início do século XV, a arte veneziana foi dominada pelos estilos anteriores, decorrentes de suas ligações bizantinas, como exemplificado pelo trabalho da família Vivarini. A partir do final do século XV, a pintura veneziana desenvolveu-se através de ligações com Andrea Mantegna (1431-1506) (das proximidades de Pádua) e de uma visita de Antonello da Messina (c. 1430-1479), que introduziu a técnica de pintura a óleo de Early Netherlandish. pintura, provavelmente adquirida através de sua formação em Nápoles. Outro fator externo foi a visita de Leonardo da Vinci, que foi particularmente influente em Giorgione.

Durante sua longa carreira, Bellini foi creditado com a criação do estilo veneziano. De suas obras anteriores, como a Madonna das Pequenas Árvores (c. 1487), que refletem amplamente a abordagem linear de Mantegna, ele desenvolveu mais tarde um estilo mais suave, onde cores brilhantes são usadas para representar formas e sugerir uma névoa atmosférica. Aplicando essa abordagem em seu Retábulo de São Zacarias (1505), o alto ponto de vista, as figuras organizadas e interconectadas dispostas no espaço, e os sutis gestos se combinam para formar uma imagem tranquila, porém majestosa. Com tais obras, ele foi descrito como alcançando os ideais da Alta Renascença, e certamente expressa os principais fatores distintivos da escola veneziana.

História
O século XIV: O nascimento da pintura veneziana
A presença contínua no coração de Veneza, mosaicos da Basílica de São Marcos, que se enquadravam na tradição pictórica bizantina (século XIV), expuseram diante dos olhos pintores efeitos coloridos de azulejos de fundo dourado e pratos de cores vivas que cintilavam nos volumes da basílica e com a mudança de luz. Foi certamente, em todos os momentos em Veneza, um forte estímulo para os pintores trabalharem nas cores e na pintura: como transpor esses efeitos para a pintura?

No início do século XIV, os pintores venezianos estão se abrindo cada vez mais para a pintura do continente, especialmente o movimento gótico do norte da Europa. Paolo Veneziano é o primeiro pintor veneziano cujo nome conhecemos como artista. Ele foi o primeiro a desenvolver uma linguagem pictórica pessoal, em equilíbrio entre a arte bizantina e os novos temas da pintura gótica, como aqui, a coroação da Virgem. As partes do corpo representadas são pintadas de acordo com a tradição bizantina da época: depois de uma preparação em branco (bizantino: leukos), sobre um fundo escuro (marrom-verde, bizantino: sankir) as cores aplicadas são cada vez mais claras, para terminar com o branco. A precisão do trabalho é um know-how miniaturista que produz um efeito de tapeçaria. Os motivos florais das roupas de Cristo e da Virgem reproduzem tecidos bordados de seda inspirados em bordados chineses ou cerâmicas chinesas: um comércio pela estrada da seda que retomou seu crescimento com a dinastia Yuan, ainda em poder na China que terminou precisamente em Veneza. Além disso, os padrões nas ondas dos tecidos, entre Cristo e a Virgem Maria, parecem ser motivos para uma caligrafia chique, como foi praticado na Itália durante vários séculos antes e durante o Renascimento.

O século XV

Bartolomeo e Antonio Vivarini, Jacopo Bellini
O início do Quattrocento é marcado em Veneza pela obra de Jacobello del Fiore de 1400 e a passagem de Gentile da Fabriano por volta de 1410. O estilo destes pintores é de gótico internacional: multiplicação de áreas de cores diferenciadas, acentuadas por ornamentos distintos, e molduras entalhadas que reforçam as diferentes partes dos polípteis. Opulência de brocados e decorações suntuosas, poses graciosas e repetitivas: “a imagem é brilhante, celestial, por seu luxo mergulha os fiéis em admiração e, portanto, em devoção. O prestígio da pintura é usado ao máximo para seduzir os olhos e, através deles, o espírito e a alma do espectador “. Bartolomeo Vivarini, pintando na Basílica San Zanipolo, um políptico dedicado a Santo Agostinho (1473) ainda profundamente gótico, mostra um certo “expressionismo” pictórico: espaço sem profundidade, economia de cores reduzida a contrastes francos (preto-branco-vermelho) muito poucos ornamentos. Carlo CrivelliDepois de completar sua formação no ateliê de Antonio Vivarini e Giovanni d’Alemagna, ele continuou sua carreira nas Marcas com uma pintura precisamente integrada à arquitetura do gótico extravagante, internacional e sua decoração.

Mas em 1446, em Veneza, essa fragmentação decorativa do espaço não está mais na agenda, muito pelo contrário. Para Antonio Vivarini e Giovanni d’Alemagna, no tríptico da Accademia, o espaço é unificado nos três painéis. Neste ponto, a pintura cria uma inovação na pintura de polípteis em Veneza. A pintura apenas parcialmente segue o pequeno tratado sobre pintura de Leon Battista Alberti, publicado em 1435, que codificou alguns dos princípios fundamentais que seus amigos florentinos haviam explorado durante o primeiro quartel do século XV. século: o ponto de fuga está localizado no eixo vertical mediano da pintura, a da Virgem e do Menino. A mensagem transmitida por este ponto de fuga é clara: a Virgem e o Menino aguardam a nossa vinda, o olhar para este ponto de fuga é apenas um vetor. Este tríptico da Accademia é também uma das mais antigas pinturas venezianas sobre tela que sobreviveram: os afrescos de Veneza não foram retidos por causa das paredes úmidas e das condições climáticas. A tela poderia, como no norte da Europa, possibilitar a preservação da pintura, mantendo-a isolada da parede. Um grande número de afrescos teve que ser substituído por pinturas sobre tela, sendo as pinturas em painéis limitadas a formatos mais modestos. Esse suporte, a tela, o grão cuidadosamente coberto com revestimentos brancos, lixados na época de Antonio Vivarini, era dar liberdade aos pintores venezianos, de Carpaccio, por volta de 1480, para introduzir muito mais efeitos de pintura na espessura da camada pictórica que tocava. no grão da tela, grosso, com uma trama visível. É preparado pelo escuro do século XVI.

Gentile e Giovanni Bellini, Giovanni Battista Cima da Conegliano
Durante este primeiro Renascimento, há muitas trocas entre as idéias que circulam na Europa e as oficinas venezianas. Assim, numa corrente de pensamento que também será a de Leonardo no final do século, Iacopo Bellini, um grande desenhista por volta de 1440, introduz um gosto pelo detalhe estudado no local e substitui a proliferação decorativa por uma infinidade de detalhes observados: retratos Animais e objetos familiares, toda a natureza é estudada com a maior precisão durante este período. Encontramos vestígios nos detalhes do Êxtase de São Francisco de: Giovanni Bellini, por volta de 1480. A pintura a óleo, de origem flamenga e seu naturalismo, era conhecida e admirada na Itália. Mas em 1475-1476, Antonello da Messina, fez uma viagem a Veneza, onde a pintura a óleo e o espaço claro que ele introduziu na pintura devocional foram particularmente notados 10. Giovanni Bellini irá apreender este material pictórico por volta de 1480 para desenvolver todos os efeitos de fusão e transparência na representação dos efeitos atmosféricos e harmonia de cores peculiares a um momento do dia, como percebemos mais do que em outros lugares à luz de Veneza e sua lagoa. Essa atenção à harmonia, tanto nas pinturas religiosas como na natureza, ecoa reflexões que se desenvolvem na Universidade de Pádua com a associação da Virgem Maria com a generosidade da natureza. De suas primeiras pinturas a óleo grandes (como em L’Ecstasy de São Francisco), Giovanni Bellini introduz um novo brilho atmosférico na paisagem natural por esmaltes de óleo sobre a têmpera. Estas transparências muito transparentes facilitam, assim, o acordo geral das cores segundo a unidade da luz e, no êxtase de São Francisco, a luz do amanhecer.

Naquela época, os territórios adjacentes ou incorporados progressivamente à República de Veneza, para oferecer a todos os artistas a oportunidade de contatos culturais, como com os humanistas da corte de Ferrara. Suas pesquisas em perspectiva geométrica, especialmente as de Leon Battista Alberti, chegarão a Jacopo Bellini, que é apaixonado por desenhos arquitetônicos em perspectiva, e os transmitirá para seu estúdio, especialmente para seu filho Giovanni. O genro de Jacopo Bellini, Andrea Mantegnahe também era apaixonado por geometria perspectiva, um artista de Paduan e não-veneziano, mas tão perto do Bellini, encontrado nas esculturas florentinas Donatello em Pádua (especialmente o monumento equestre em Gattamelata ) o gosto bastante “renascentista” de monumentos antigos, a sua decoração, e comparam o que o artista pôde observar no modelo vivo, natural, e no modelo, idealizado. O retábulo de San Zeno, em Verona, de 1559, é a forma mais explícita. Mantegna demonstra que assimila o contemporâneo mundo antigo da vida de Cristo e sua representação em perspectiva para o espectador moderno. Isto é o que ele faz em seus desenhos, suas pinturas e suas molduras de relevo, mas também realizando as primeiras grandes gravuras em talhe, meticuloso trabalho e que, desenhadas em grande número, circulavam além dos Alpes, nas mãos de Dürer. A arquitetura representada em relevo na moldura do políptico de Verona é ampliada por sua representação em perspectiva dentro da pintura. Encontramos essa passagem entre o espaço do espectador e o espaço da representação sagrada, como uma janela aberta, no retábulo instalado em San Zaccaria, em 1505, por Giovanni Bellini. Este tinha sido capaz de sintetizar todos esses movimentos na cultura e na prática dos pintores do século XV. Ele era, então, o pintor mais admirado de Veneza.

Carpaccio
Muito cedo, antes de 1502, Vittore Carpaccio (c. 1460-1526) estabeleceu o estilo e estabeleceu seu universo poético. Sua pintura, muito diferente da de seus contemporâneos, foi mantida longe das grandes correntes da revolução pictórica em Veneza.

Influenciado pela pintura flamenga, ele é um dos primeiros a usar a onipresença da arquitetura, decorações venezianas interiores e paisagens urbanas utópicas prefigurando um gênero, o vedute (paisagens urbanas em Veneza e na lagoa). Invariavelmente, tratará de maneira séria e ingênua, às vezes pitoresca, a realidade veneziana, à margem do modo pictórico de seu tempo. Ele obteve numerosos contratos de Scuole, fraternidades de caridade e beneficência que empregavam artistas para decorar suas instalações. O gosto de Vittore Carpaccio pelas histórias pôde desenvolver-se livremente no ciclo de pinturas dedicadas aos episódios da vida de Santa Úrsula, destinada à Escola de Sant’Orsola.

Ele colaborou com Gentile Bellini e dois outros representantes da tradição narrativa veneziana, Lazzaro Bastiani e Giovanni di Niccolò Mansueti, no ciclo de pintura da Escola Grande de San Giovanni Evangelista. Entre 1501 e 1503 executou para a Scuola de San Giorgio degli Schiavoni, dedicado a São Jorge e S. Trifão, duas grandes pinturas representando São Jorge e o dragão, as duas pinturas de São Jerônimo e o leão e o Funeral de São Jorge. São Jerônimo, bem como a visão de Santo Agostinho. Nesta última pintura Carpaccio representa o local de trabalho de um humanista cultivado por volta de 1500.

Final dos séculos 15 a 16, renascimento italiano em Veneza

Disegno, colorito e sprezzatura
“Os venezianos não usam o termo cor; preferem o colorito ou colorire” (uma forma do verbo): “O colorito é na verdade um processo aditivo, construindo gradualmente a pintura, a partir da tela que serve de fundo, preparada em escuro, a modificações finais, obtidas por glacis “. Este conceito não considera a cor “que sai do tubo”, mas o processo que utiliza, através dos jogos de pincéis, e de outras ferramentas do pintor, materiais pictóricos mais ou menos coloridos, opacos ou transparentes. Neste processo, a ideia, a invenzione, que toma forma nos desenhos, desnegra, continua a fazer da mimese uma obrigação da arte, tal como instituída pelos pintores da Renascença Florentina no século anterior. Mas, para os pintores venezianos, a imitação da natureza deve ser em termos de cor e tom – em termos de valor de cor, mais ou menos claro ou escuro. “A imitação na pintura deve ser baseada na cor e não na linha”. E a fase de desenho, inicialmente no papel, mesmo que seja colocada diretamente na tela com um pincel, continua durante a pintura.

O desenho veneziano, manchado de giz preto ou carvão muito melhor que pena ou giz, é um subconjunto da “cor”, no sentido de colorito. “Se eles servem aos propósitos miméticos da pintura, as cores não podem mais manter sua pureza intrínseca – mais do que o contorno pode preservar sua integridade física”. É por isso que, em Veneza, estamos testemunhando a dissolução das formas no momento em que, em Florença, como em Roma, a arte se orgulha de ter alcançado o domínio de contornos fechados: a perspectiva matemática, a anatomia assegurando a base fundamental, ideal e definitiva da pintura. Enquanto em Veneza a pintura é construída por desfazer para melhor reconstruir. Ao desenhar novamente com o pincel, as ideias se desenvolvem durante o processo pictórico, as figuras se movem, às vezes desaparecem, surgem padrões imprevistos que transformam a ideia. Nestes jogos de pincel Paolo Pino considera que “a velocidade da mão é uma coisa muito importante”, aproximando-se de uma estética de “facilidade”. Ele proclama que a facilidade, sugerida por uma casualidade trabalhada e elegante, a sprezzatura, é o primeiro critério em todas as artes, e o mais difícil de alcançar: a arte que consiste em esconder a arte.

A revolução da cor e o retrato em Veneza
Por volta de 1508, o estilo de Giorgione está em um ponto de virada no qual o grão extremamente fino do claro-escuro não ignora o sfumato de Leonardo da Vinci, que passou a Veneza nos primeiros meses de 1500. A pintura de Leonardo continuou a ser enriquecida por uma sombra crescente. estava no auge de sua glória, então ele foi vigiado, mesmo à distância, por todos os pintores. O novo estilo de Giorgione também é afetado por um naturalismo maior em conexão com o recente confronto oferecido pelo trabalho de retrato de Dürer durante seu tempo em Veneza. O novo estilo de Giorgione se manifesta no retrato feito pelo homem do Museu de San Diego de uma vaporosa união de cores nos fundos, com essa luz difusa, e essa massa compacta e grossa local que flutua no cabelo e dá a sensação do material .

Quanto à representação de vastas paisagens naturais, da tempestade e de muitas outras, parece inspirar-se em Leonard ao universalizar os antecedentes de Bellini e Cima da Conegliano. As gravuras de Durer, onde a natureza é muito presente, como a Festa do Rosário (Veneza, 1506) com suas árvores individuais, também certamente estimularam a emulação entre pintores venezianos, não apenas Giorgione.

Por volta de 1520, Ticiano abandona o mistério contemplativo de Giorgione e encena sobriamente a realidade natural, o status social e a psicologia de seu modelo. O homem com uma luva reflete uma nova concepção do relacionamento individual e sem precedentes entre o pintor e seu modelo. O pintor de Veneza toma o chiaroscuro modulando-o graças aos efeitos da transparência das partes inferiores, mas especialmente graças aos acordos de tons superficiais (a pintura tonal) onde aparecem a cor cinza. Além de misturar tons adjacentes ao pintor veneziano, todo o jogo empasto em luzes (com alguns destaques brancos em foco) e esmalte nas sombras transparentes.

A segunda metade do século 16: novas práticas de cores
Foi durante este período, na segunda metade do século XVI, que as características mais marcantes da arte veneziana atingiram a maturidade. Temos a expressão mais clara nas obras de Ticiano, depois de 1551, as de Veronese, Tintoret e Jacopo Bassano, com sua prática do material pictórico e sua liberdade de fatura, o jogo do pincel afiado e espontâneo.

Em 1551, depois de um breve período na Itália (Retrato do Papa Paulo III Farnese, 1543) e Roma, Ticiano se estabeleceu em Veneza para permanecer lá até sua morte em 1576. O estilo de seus últimos anos reflete a essência da arte pictórica veneziana. Ele então fez pinturas para seu principal patrono, Philip II da Espanha, com, entre outras coisas, extratos de Metamorfoses de Ovídio: Diana e Actaeon e Diana e Callisto. Nesta época, Ticiano retrabalhou suas pinturas por períodos muito longos (dez anos para a Crucificação da sacristia do Escultural, multiplicando os efeitos da pintura por linhas com grãos muito aparentes, às vezes traçados com as pontas dos dedos, e explora todas as possibilidades de não finito, isto é uma pintura que requer um trabalho do espectador quando “termina” a pintura fundindo as formas evocadas pela pintura (colorito) deixada no estado de cores girantes, “uma chama de fogo”. ninfa e o pastor, e até mesmo A tortura de Marsyas é julgada terminada pelo pintor que afixou sua assinatura entre 1570 e 1576. A magia de seus jogos de pintura, em uma superfície sem efeito de perspectiva, tornar-se bidimensional terá uma influência decisiva no curso da história da pintura moderna.

As figuras mais importantes da próxima geração de Ticiano são Tintoretto (1518-1594) com a notável coleção de pinturas de mestrado sobre o tema da Vida, Paixão e Morte de Jesus na Scuola Grande de San Rocco, depois Paul Veronese (1528-1588). ) e Jacopo Bassano (1515-1592). Todos os três são influenciados pelo último caminho de Ticiano, embora este se oponha a ele. Eles também interpretam o Maneirismo da Itália Central, mas frequentemente introduzem, e especialmente durante seus últimos anos, efeitos poderosos de luz e sombra, um luminismo que também toca muitos lugares de criação pictórica, dos quais Europa do Norte e Norte da Itália Lombardia. É essa tradição que retoma Caravaggio e amplia até o tenebrismo no século XVII.

Paul Veronese, nascido em Verona, está em Veneza desde 1555. Se a cor é a essência da arte veneziana, então Veronese é uma figura característica. No sentido de que queremos dizer “cor” hoje, como cor do espaço, as cores são geralmente claras e harmoniosamente combinadas de acordo com princípios que correspondem ao jogo de complementos e efeitos de contrastes simultâneos, como ficou evidente Delacroix 35 detalhando as pinturas de Veronese com surpresa. Mas devemos retornar à palavra “cor” o significado que tinha na época: os efeitos de matiz, valor e intensidade, bem como o material pictórico 36 trabalhado pelo pincel, o dedo e o tecido, mesmo com qualquer instrumento que permita raspar. a tinta fresca e mais ou menos endurecida. Quanto ao uso de tons escuros que Giorgione usa no início do século em um derretimento, Ticiano, Veronese, Tintoret e Bassano praticam esta gama de cores, mas com efeitos de material pictórico vigoroso, por manchas carregadas com mais ou menos claro e opaco em fundos escuros. Como exemplo, as pinturas de Veronese incluem: A conversão de São Pantaleão e São Pantaleão para curar uma criança, entre outras, encomendada em 1587. Como nas últimas pinturas de Bassano, Ticiano e Tintoretto, essas cenas, muitas vezes noturnas, convivem com movimentos do pincel na tela irregular, em tons escuros e listras claras.

O século XVII
As opiniões estão divididas sobre a pintura veneziana no século 17, muitos a vêem como um período ou atividade criativa diminui, declina. A primeira parte do século viu perpetuar a tradição estabelecida no final do século XVI. Palma the Younger é certamente o artista mais interessante deste ponto de vista, ex-aluno de Ticiano, ele pinta mais no estilo de Tintoretto e Jacopo Bassano.

Vários artistas, que não são venezianos mas residem em Veneza, mantêm um certo nível de criatividade: Domenico Fetti (Roma 1589- Veneza 1624), Johann Liss (Alemanha 1595- Veneza 1630) e Bernardo Strozzi (Gênova 1581- Veneza 1644). Esses artistas perpetuam à sua maneira a tradição pictórica da cidade. Domenico Fetti retém alguns efeitos do caravagismo, para se aproximar da arte veneziana. As soluções de Bernardo Strozzi para a encenação de retratos serão usadas pelos artistas do século seguinte: Ghislandi e até mesmo Giambattista Tiepolo. Quanto ao estilo de Francesco Maffeiat no final do século, ele lembra o de Veronese com muito mais efeitos contrastantes.

Desenvolvimentos posteriores
Embora Tintoretto seja às vezes classificado como um artista maneirista, ele também incorpora aspectos venezianos e individualistas. Em seu Milagre of the Slave (1548), as características maneiristas incluem a cena lotada, a vinculação entrelaçada de figuras (como nas figuras centrais, do escravo escorçado no chão até a figura milagrosa de São Marcos no céu, através de a figura de turbante, de manto cinza) e o drama nos gestos e poses. Mas a coloração mantém os vermelhos, dourados e verdes quentes da escola veneziana, e as figuras são organizadas em um espaço tridimensional real, em contraste com as composições mais comprimidas de muitas obras maneiristas, e com sua exibição intensamente teatral, em formato de palco. sua pintura é um precursor do barroco.

Após Tintoretto veio Paolo Veronese e o Bassano. Estes são alguns dos mais destacados no grande número de artistas da tradição veneziana, muitos originários de fora do território da República.

Sucesso internacional da pintura veneziana
Nos séculos seguintes – 15, 16, 17 – a pintura veneziana tornou-se internacionalmente apreciada e procurada, particularmente nas cortes e nobres imperiais.

Giorgione é ativo na região do Vêneto, que Vasari coloca como um aluno de Giovanni Bellini, do qual ele leva o gosto pela cor e atenção às paisagens. Ele era muito próximo de intelectuais ligados a famílias patrícias. Daqui derivam muitas das suas ordens relacionadas com retratos e obras de pequeno formato. Ele também fascina com sua cor e suas paisagens harmoniosas, que muitas vezes escondem ou dominam o significado enigmático de suas obras: ele foi o primeiro contribuinte importante para o tonalismo.

De tudo, o artista veneziano mais famoso e requisitado do período é, sem dúvida, Tiziano Vecellio, nascido em Belluno, inicialmente também sócio de Giorgione, que o influenciou decisivamente, especialmente no início de sua carreira. Ele, além de suas habilidades pictóricas, particularmente na técnica pessoal de usar cores, também demonstrou uma capacidade indiscutível de criar uma rede de conhecimento que muitas vezes o fez preferir a seus contemporâneos para as ordens mais importantes.

O século XVI viu a abertura do palco internacional para a escola veneziana. Será agora o único a influenciar os movimentos dos países do norte, que inicialmente determinaram o seu nascimento. Artistas como Jacopo Bassano, Paolo Veronese e Tintoretto tornaram-se um modelo de inspiração na escola pictórica europeia da época. Mesmo na arquitetura, há uma tendência semelhante graças a Palladio, que será um modelo de inspiração durante séculos na construção de edifícios em todo o norte.

A influência veneziana certamente continua ao longo do século XVII barroco: veja a este respeito as obras de Spranger e Elsheimer.

O século XVIII
O século XVIII representa o grande proscênio da arte figurativa veneziana. A influência religiosa diminui nos temas retratados, mas as grandes vertentes do século XVI ressurgem. A centralidade do homem e em particular das mulheres e da paisagem são combinadas em um ambiente frequentemente arcádico. A centralidade cultural de Veneza pode ser vista pelo fato de que continua sendo uma obrigação para o Grand Tour. Veneza e Paris são as capitais do gosto da aristocracia e dos principais mercados de arte e coleta. O sucesso do estilo veneziano reside na recuperação dos modelos mais sumptuosos do século XVII como Tiziano Vecellio de uma forma renovada com os tempos.Rococo.

A figura que se destaca absolutamente no período culminante da escola veneziana é Giambattista Tiepolo (1696 – 1770) com sua verve narrativa histórica. Pai dos pintores Giandomenico e Lorenzo Tiepolo, seu estilo grandioso é caracterizado como sofisticado e hiperbólico, em um sentido tipicamente setecentista; as cenas que ele cria evocam um mundo infinitamente expandido e fictício, representado por uma paleta cromaticamente brilhante e uma luz fria e irreal, criada usando um tom prateado que é refletido tanto por objetos quanto por figuras, que perdem toda a consistência plástica. Além dos Tiepolos, grandes artistas de decorações sagradas e profanas são também Sebastiano Ricci e Giovanni Battista Piazzetta.

O Canal Giovanni Antonio, mais conhecido como o Canaletto (1697 – 1768), permaneceu conhecido sobretudo como paisagista. Suas pinturas, além de se unirem em representação topográfica, arquitetura e natureza, resultaram da cuidadosa representação atmosférica, da escolha de condições precisas de iluminação para cada momento particular do dia e de uma investigação realizada com critérios científicos de objetividade, em conjunto com a maior momento de difusão das idéias racionalistas do Iluminismo; insistindo no valor matemático da perspectiva, ele às vezes usava a câmera óptica para pintar seus trabalhos.

Francesco Guardi (1712 – 1793), ao contrário de Canaletto, não visa, em suas pinturas, a resultados de uma percepção clara, mas propõe uma interpretação dos dados subjetivos e evocativos reais, criando imagens de cidades evanescentes e às vezes irreais; às vezes atingindo uma sensibilidade pré romântica, graças à clivagem das formas e sombras melancólicas.

Juntamente com Giovanni Antonio Canal e Francesco Guardi, outro vedutista famoso é Bernardo Bellotto (1721-1780), sobrinho de Canaletto, que foi chamado por toda a Europa para pintar os vários tribunais.

Entre outros paisagistas, Antonio Stom (1688 – 1734), autor de telas de grande formato com cenas históricas.

Entre os retratistas, não podemos deixar de mencionar Rosalba Carriera (1675-1757) a primeira a usar Ivory in the Miniature, especialista na técnica de pastel e aclamada em toda a Europa.

Em 1797, com a chegada de Napoleão Bonaparte e o fim da República de Veneza, terminou a gloriosa era da pintura veneziana e veneziana.

Século dezenove
Depois do século XVIII e da época de Canaletto, Guardi e Tiepolo, o movimento veneziano encontra em si os elementos para uma evolução peculiar da pintura de paisagem.

De particular interesse é o trabalho de Pompeo Marino Molmenti e da nova geração de pintores que ele ajuda a formar. Entre eles Domenico Bresolin e sua casa arruinada são emblemáticos do fim da era imperial veneziana e da escolha de temas humildes, quase em ruínas.

Guglielmo Ciardi, um dos protagonistas da pintura veneziana no final do século 19, passou o bastão para seus filhos Emma Ciardi e Beppe Ciardi, que trouxeram suas técnicas em 900. Seu pai ensinou seus filhos como era necessário imergir-se em a paisagem em plein-air. saboreá-lo em todas as suas nuances. Todos os 3 fazem muitas pinturas representando também o interior veneziano. Posteriormente Emma Ciardi encontrou grande sucesso no Reino Unido.

Outros artistas venezianos do século XIX são Nono, Querena, Nani, Milesi, Selvatico, Favretto revelam a visão particular baseada na luz e na cor de suas obras, com exemplos de realismo que parecem acompanhar o início da diáspora veneziana e a crescente pobreza de a situação pós-unificação, que em poucas décadas levará à emigração de quase um Vêneto em dois.

O movimento figurativo nas obras dos pintores venezianos do final do século XIX parece, nesse sentido, singularmente paralelo às evoluções dos macchiaioli e dos impressionistas na Toscana e na França, em particular para temas baseados no realismo, na cor e na luz. O famoso armário óptico de Luigi Querena onde o realismo absoluto é dado por um uso convincente da cor

Novecento
O século XX é caracterizado pela fundação da Nova Frente das Artes, da qual Emilio Vedova é um dos fundadores. Veneza, especialmente no período pós-guerra, está repleta de exposições, colecionadores e galerias de arte abertas em sucessão.
Em particular, a Galeria Cavallino, fundada por Carlo Cardazzo, e também uma amiga de Peggy Guggenheim, consegue reunir um grupo de artistas extremamente talentosos, como Mario Deluigi, Virgílio Guidi, Vinicio Vianello, Bruna Gasparini e Bruno De Toffoli. como Rampin, Tancredi, Licata. O Movimento Espacialista nasce. Outros artistas famosos são Arturo Martini, Teodoro Wolf Ferrari e Vittorio Zecchin.

Em 1914, a exposição organizada no Hotel Excelsior em Lido de Veneza pelos artistas venezianos “rejeitados pela Bienal de Veneza” causou uma grande exposição exibindo obras de arte de Guido Cadorin, Vittorio Zanetti Tassis, Lulo De Blaas, Bortolo Sacchi e Napoleone Martinuzzi.

O famoso arquiteto e designer Carlo Scarpa também nasceu neste século.

O jovem mosaicista Riccardo Licata mudou-se com a mãe para Veneza. Aqui ele faz amizade com os artistas Santomaso, Vedova, Viani, Turcato, Birolli. Mais tarde conheceu outros jovens pintores como Ennio Finzi, Tancredi Parmeggiani e Bruno Blenner. Juntamente com o escultor Giorgio Zennaro – constitui um grupo de tendências abstratas.

Alguns marcos na história da arte
Segundo os historiadores da arte, a escola veneziana de pintura começa Duecento (século 13) ou Trecento (século 14) por um período conhecido como pré-renascentista (Segundo o historiador de arte Jacob Burckhardt, este renascimento antes do tempo começa a partir do século 11 na Toscana e espalhar-se até o século seguinte, a Provença e a Itália mediana) e totalmente seguido pelo início do Renascimento em Quattrocento.

Transforma-se em Alta Renascença no início do Cinquecento (entre 1500 e 1530), seguido pelo Maneirismo ou Renascimento tardio, que vai de 1520 (a morte de Rafael) para terminar rapidamente em 1580.

O barroco, que começa na virada do século XVII do século 17, também nascido na Itália, continua no período barroco tardio chamado especificamente rococó (que é seguido pelo neoclassicismo).

Representantes bem conhecidos

Século 15
A família Bellini: Jacopo Bellini (Veneza 1400 – Veneza 1470)
A Família Vivarini: Bartolomeo Vivarini (Veneza, ca. 1432 – Itália ca.1495)
A família Bellini: Giovanni Bellini (Veneza ~ 1425-1433 – Veneza 1516)
A família Vivarini: O cunhado: Giovanni d’Alemagna (Alemanha? 1411 – Pádua, República de Veneza 1450)
A família Vivarini: Antonio Vivarini (Murano 1415 – Veneza 1480)
A família Bellini: Gentile Bellini (Veneza ~ 1428 – Veneza ~ 1507)
Andrea Mantegna (Vivence, República de Veneza 1431 – Mântua, República de Veneza 1506)
A família Vivarini: Alvise Vivarini (Veneza ca.1445 – Veneza entre 1503 e 1505)
Lazzaro Bastiani (Veneza 1449 – Veneza 1512)
Cima da Conegliano (Conegliano, Província de Veneza 1459 – Conegliano, Província de Veneza 1517)
Vittore Carpaccio (Veneza ~ 1460 – Veneza ~ 1526)

Século 16
Giorgione (Castelfranco Veneto 1477 – Veneza 1510)
Lorenzo Lotto (Veneza 1480 – Loreto, Marches 1546) age. Vêneto, Bergamo e as Marcas
Giovanni Gerolamo Savoldo (Lombardia 1480 – Veneza 1548) agir. Veneza
A família Palma: Maiorca (Bergamo, Lombardia 1480 – Veneza 1528)
Giovanni Cariani (San Giovanni Bianco, Lombardia 1480-85 – Veneza 1547)
Sebastiano del Piombo (Veneza 1485 – Roma 1547) agir. Veneza e ap. 1511 Roma
Ticiano (Pieve di Cadore (província de Belluno, Veneto) 1490 – Veneza 1576)
Paris Bordone (Treviso 1500 – Veneza 1571) agir. Veneza, Fontainebleau, Milão
Andrea Schiavone (Zadar, Dalmácia 1500-1510 – Veneza 1563) agir. Veneza
Battista del Moro (Verona 1512-14 – Veneza v. 1573)
A família Bassano: Padre Jacopo Bassano (Bassano do Grappa, Veneto 1515 – Bassano del Grappa 1592)
Tintoretto (Veneza 1518 – Veneza 1594)
Paul Veronese (Verona 1528 – Veneza 1588)
A família Palma: Palma, o Jovem (Veneza 1548/1550 – Veneza 1628)
A família Bassano: Leandro Bassano (Bassano del Grappa 1557 – Veneza 1622)
A família Bassano: Francesco Bassano, o Jovem (Bassano del Grappa 1559 – Veneza 1592)
A família Bassano: Gerolamo Bassano (Bassano del Grappa 1566 – Veneza 1621)
A família Bassano: Giovanni Battista Bassano ou Giovanni Battista da Ponte (Bassano del Grapa 1553 -? 1613)

Século XVII
Marcantonio Bassetti (Verona 1588 – Verona 1630), acto. Veneza, Verona, Roma
Domenico Fetti (Roma 1589 – Veneza 1624)
Johann Liss (Alemanha 1595 – Veneza 1630)
Bernardo Strozzi (Gênova 1581 – Veneza 1644)
Sebastiano Ricci (1659 Belluno, Veneto – 1734 Veneza)

século 18
Rosalba Carriera (Chioggia 1675 – Veneza 1757)
Giambattista Pittoni (Veneza 1687 – Veneza 1767)
Giovanni Battista Piazzetta (Veneza 1683 – Veneza 1754)
Giambattista Tiepolo (Veneza 1696 – Madri 1770)
Canaletto (Veneza 1697 – Veneza 1768)
Pietro Longhi (Veneza 1701 – Veneza 1785)
Francesco Zugno (Veneza 1709 – Veneza 1787)
Michele Marieschi (Veneza 1710 – Veneza 1743)
Francesco Guardi (Veneza 1712 – Veneza 1793)
Bernardo Bellotto (Veneza 1722 – Varsóvia, 1780)
Giandomenico Tiepolo (o filho de Giambattista) (Veneza 1727 – Veneza 1804)

Legado
A escola veneziana teve uma grande influência da pintura subseqüente, e a história da arte ocidental posterior foi descrita como um diálogo entre a abordagem mais intelectual e escultural / linear das tradições florentinas e romanas, e a mais sensual, poética e prazerosa. em busca da colorida escola veneziana. Especificamente, através da presença de Ticiano na Espanha, o estilo veneziano influenciou mais tarde a arte espanhola, incluindo a de Velázquez, e através de Rubens foi transmitida mais amplamente pelo resto da Europa.

No século XVIII, a pintura veneziana teve uma floração final na pintura decorativa de Tiepolo e na veduta de Canaletto e Guardi, ou vistas panorâmicas, principalmente da própria cidade. A extinção da República pelos exércitos revolucionários franceses, em 1797, pôs fim ao distinto estilo veneziano; Pelo menos, teria superado a sua rival Florence a esse respeito.