Artes visuais

As artes visuais são formas de arte como cerâmica, desenho, pintura, escultura, gravura, design, artesanato, fotografia, vídeo, cinema e arquitetura. Muitas disciplinas artísticas (artes cênicas, arte conceitual, artes têxteis) envolvem aspectos das artes visuais, bem como artes de outros tipos. Também estão incluídas nas artes visuais as artes aplicadas, como design industrial, design gráfico, design de moda, design de interiores e arte decorativa.

O uso atual do termo “artes visuais” inclui artes plásticas, bem como as artes e artesanato aplicadas, decorativas, mas isso nem sempre foi o caso. Antes do Movimento de artes e ofícios na Grã-Bretanha e em outros lugares, no final do século XX, o termo “artista” era freqüentemente restrito a uma pessoa que trabalha nas artes finas (como pintura, escultura ou gravura) e não o artesanato, o artesanato , ou mídia de arte aplicada. A distinção foi enfatizada por artistas do Movimento de Artes e Artesanato, que valorizaram as formas de arte vernáculas tanto quanto as formas altas. As escolas de arte fizeram uma distinção entre artes plásticas e artesanato, mantendo que um artesão não podia ser considerado praticante das artes.

Um “trabalho de arte visual” é uma pintura, desenho, impressão ou escultura, existente em uma única cópia, em uma edição limitada de 200 cópias ou menos que são assinadas e consecutivamente numeradas pelo autor. Um trabalho de arte visual não inclui nenhum cartaz, mapa, globo, gráfico, desenho técnico, diagrama, modelo, arte aplicada, filme ou outro trabalho audiovisual, livro, revista, jornal, periódico, base de dados, serviço de informação eletrônica, eletrônico publicação ou publicação similar; não incluir qualquer item de merchandising ou publicidade, promoção, descritivo, cobertura ou material de embalagem ou recipiente;

Educação e treinamento:
O treinamento nas artes visuais geralmente foi através de variações dos sistemas de aprendiz e oficina. Na Europa, o movimento renascentista para aumentar o prestígio do artista levou ao sistema de academia de formação de artistas e hoje a maioria das pessoas que estão cursando uma carreira em artes treina em escolas de arte em níveis terciários. As artes visuais tornaram-se um assunto eletivo na maioria dos sistemas educacionais. (Veja também educação artística.)

Desenhando:
O desenho é um meio de fazer uma imagem, usando qualquer uma variedade de ferramentas e técnicas. Geralmente, envolve fazer marcas em uma superfície, aplicando pressão de uma ferramenta ou movendo uma ferramenta em uma superfície usando mídia seca, como lápis de grafite, caneta e tinta, pincéis de tinta, lápis de cor de cera, lápis de cor, carvão, pastel e marcadores. Ferramentas digitais que simulam os efeitos destes também são usadas. As principais técnicas utilizadas no desenho são: desenho de linhas, eclosão, crosshatching, incubação aleatória, rabiscos, pontilhos e mistura. Um artista que se destaca no desenho é chamado de redator ou de relator de parecer.

O desenho remonta pelo menos 16 mil anos às representações das cavernas paleolíticas de animais, como as de Lascaux, na França, e Altamira, na Espanha. No antigo Egito, desenhos de tinta sobre papiros, muitas vezes retratando pessoas, eram usados ​​como modelos para pintura ou escultura. Desenhos em vasos gregos, inicialmente geométricos, mais tarde desenvolvidos para a forma humana com cerâmica de figura negra durante o século VII aC.

Com o papel tornando-se comum na Europa até o século 15, o desenho foi adotado por mestres como Sandro Botticelli, Raphael, Michelangelo e Leonardo da Vinci que às vezes tratavam o desenho como uma arte em seu próprio direito, em vez de uma etapa preparatória para pintura ou escultura.

Pintura:
A pintura feita literalmente é a prática de aplicar pigmento suspenso em um transportador (ou médio) e um agente de ligação (uma cola) a uma superfície (suporte), como papel, tela ou parede. No entanto, quando usado em um sentido artístico, significa o uso dessa atividade em combinação com desenho, composição ou outras considerações estéticas para manifestar a intenção expressiva e conceitual do praticante. A pintura também é usada para expressar motivos e idéias espirituais; Os locais desse tipo de pintura variam de obras de arte retratando figuras mitológicas sobre cerâmica para a Capela Sistina para o próprio corpo humano.

Origens e história inicial:
Como o desenho, a pintura tem suas origens documentadas em cavernas e em rostos rocosos. Os melhores exemplos, acreditados por alguns terem 32 mil anos de idade, estão nas cavernas Chauvet e Lascaux no sul da França. Em tons de vermelho, marrom, amarelo e preto, as pinturas nas paredes e tetos são de bisonte, gado, cavalos e veados.

Pinturas de figuras humanas podem ser encontradas nos túmulos do antigo Egito. No grande templo de Ramsés II, Nefertari, sua rainha, é representada como liderada por Isis. Os gregos contribuíram para a pintura, mas a maior parte do trabalho foi perdida. Uma das melhores representações restantes são os retratos das fadas da Fayum. Outro exemplo é o mosaico da Batalha de Issus em Pompeia, provavelmente baseada em uma pintura grega. A arte grega e romana contribuiu para a arte bizantina no século IV aC, que iniciou uma tradição na pintura de ícones.

O renascimento:
Além dos manuscritos iluminados produzidos por monges durante a Idade Média, o próximo contributo significativo para a arte européia foi de pintores renascentistas da Itália. De Giotto no século 13 a Leonardo da Vinci e Raphael no início do século XVI, este foi o período mais rico da arte italiana, pois as técnicas de claroscuro foram usadas para criar a ilusão do espaço 3-D.

Os pintores do norte da Europa também foram influenciados pela escola italiana. Jan van Eyck da Bélgica, Pieter Bruegel, o Ancião da Holanda e Hans Holbein, o Menino da Alemanha, estão entre os pintores mais bem sucedidos da época. Eles usaram a técnica de vidraça com óleos para atingir profundidade e luminosidade.

Mestres holandeses:
O século 17 testemunhou o surgimento dos grandes mestres holandeses, como o versátil Rembrandt, especialmente lembrado por seus retratos e cenas da Bíblia, e Vermeer, que se especializou em cenas de interiores da vida holandesa.

Barroco:
O barroco começou após o Renascimento, do final do século XVI até o final do século XVII. Os principais artistas do barroco incluíram o Caravaggio, que fez uso intenso do tenebrismo. Peter Paul Rubens foi um pintor flamengo que estudou na Itália, trabalhou para igrejas locais em Antuérpia e também pintou uma série para Marie de Medici. Annibale Carracci tomou influências da Capela Sistina e criou o gênero de pintura de teto ilusionista. Grande parte do desenvolvimento que aconteceu no barroco foi por causa da Reforma Protestante e da Reforma Contadora resultante. Grande parte do que define o barroco é iluminação dramática e visuais gerais.

Impressionismo:
O impressionismo começou na França no século 19 com uma associação frouxa de artistas, incluindo Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir e Paul Cézanne, que trouxeram um novo estilo livremente escovado à pintura, muitas vezes escolhendo pintar cenas realistas da vida moderna ao invés do que no estúdio . Isso foi conseguido através de uma nova expressão de características estéticas demonstradas por pinceladas e a impressão da realidade. Eles alcançaram intensas vibrações de cores usando cores puras, não misturadas e pinceladas curtas. O movimento influenciou a arte como uma dinâmica, passando pelo tempo e se ajustando às novas técnicas encontradas e à percepção da arte. A atenção aos detalhes tornou-se menos uma prioridade na realização, enquanto explorava uma visão tendenciosa das paisagens e da natureza para o olho dos artistas.

Pós-impressionismo:
No final do século XIX, vários jovens pintores levaram o impressionismo a um estágio ainda mais, usando formas geométricas e cores não naturais para retratar as emoções ao mesmo tempo em que procurava um simbolismo mais profundo. De especial atenção, Paul Gauguin, que foi fortemente influenciado pela arte asiática, africana e japonesa, Vincent van Gogh, holandês que mudou-se para a França, onde desenhou a forte luz solar do sul e Toulouse-Lautrec, lembrado por suas pinturas vívidas da vida noturna no distrito parisiense de Montmartre.

Simbolismo, expressionismo e cubismo:
Edvard Munch, um artista norueguês, desenvolveu sua abordagem simbólica no final do século XIX, inspirada pelo impressionista francês Manet. O Scream (1893), seu trabalho mais famoso, é amplamente interpretado como representando a ansiedade universal do homem moderno. Em parte como resultado da influência de Munch, o movimento expressionista alemão originou-se na Alemanha no início do século 20, quando artistas como Ernst Kirschner e Erich Heckel começaram a distorcer a realidade por um efeito emocional. Paralelamente, o estilo conhecido como cubismo desenvolvido na França como artistas focou no volume e espaço de estruturas afiadas dentro de uma composição. Pablo Picasso e Georges Braque foram os principais defensores do movimento. Os objetos são divididos, analisados ​​e re-reunidos de forma abstraída. Na década de 1920, o estilo se tornou o surrealismo com Dali e Magritte.

Printmaking:
Printmaking está criando, para fins artísticos, uma imagem em uma matriz que é então transferida para uma superfície bidimensional (plana) por meio de tinta (ou outra forma de pigmentação). Exceto no caso de um monótipo, a mesma matriz pode ser usada para produzir muitos exemplos da impressão.

Historicamente, as principais técnicas (também chamadas de mídia) envolvidas são gravura em madeira, gravura em linha, gravura, litografia e serigrafia (serigrafia, serigrafia), mas há muitos outros, incluindo técnicas digitais modernas. Normalmente, a impressão é impressa em papel, mas outros meios variam de pano e vitela para materiais mais modernos. As principais tradições de impressão incluem a do Japão (ukiyo-e).

História européia:
As impressões na tradição ocidental produzida antes de 1830 são conhecidas como impressões mestres antigas. Na Europa, de cerca de 1400 AD woodcut, foi usado para impressões mestres em papel usando técnicas de impressão desenvolvidas no mundo bizantino e islâmico. Michael Wolgemut melhorou o woodcut alemão de cerca de 1475, e Erhard Reuwich, um holandês, foi o primeiro a usar a incubação cruzada. No final do século, Albrecht Dürer trouxe o Woodcut ocidental para um palco que nunca foi superado, aumentando o status da madeira em folha única.

Origem e prática chinesa:
Na China, a arte da gravura desenvolveu-se cerca de 1.100 anos atrás, como ilustrações ao lado do corte de texto em blocos de madeira para impressão em papel. Inicialmente, as imagens eram principalmente religiosas, mas na Dinastia Song, os artistas começaram a cortar paisagens. Durante as dinastias Ming (1368-1644) e Qing (1616-1911), a técnica foi aperfeiçoada para gravuras religiosas e artísticas.

Desenvolvimento no Japão 1603-1867:
A impressão de Woodblock no Japão (japonês: 木 版画, moku hanga) é uma técnica mais conhecida pelo seu uso no gênero artístico ukiyo-e; No entanto, também foi usado muito amplamente para imprimir livros no mesmo período. A impressão de Woodblock foi utilizada na China há séculos para imprimir livros, muito antes do advento do tipo móvel, mas foi amplamente adotada no Japão surpreendentemente tarde, durante o período Edo (1603-1867). Embora pareça com o woodcut no western printmaking em alguns aspectos, moku hanga difere muito em que as tintas à base de água são usadas (em oposição ao woodcut ocidental, que usa tintas à base de óleo), permitindo uma ampla gama de cores vivas, esmaltes e cores transparência.

Fotografia
A fotografia é o processo de fazer imagens por meio da ação da luz. Os padrões de luz refletidos ou emitidos por objetos são gravados em um meio sensível ou chip de armazenamento através de uma exposição temporizada. O processo é feito através de persianas mecânicas ou exposição eletronicamente cronometrada de fótons para processamento químico ou dispositivos de digitalização conhecidos como câmeras.

A palavra vem das palavras gregas φως phos (“light”) e γραφις graphis (“caneta”, “pincel”) ou γραφη graphê, que significam “desenho com luz” ou “representação por meio de linhas” ou “desenho”. ” Tradicionalmente, o produto da fotografia foi chamado de fotografia. O termo photo é uma abreviatura; Muitas pessoas também os chamam de fotos. Na fotografia digital, o termo imagem começou a substituir a fotografia. (O termo imagem é tradicional na óptica geométrica.)

Fazendo um filme:
Filmmaking é o processo de fazer uma imagem em movimento, desde uma concepção inicial e pesquisa, através de gravação de roteiro, tiro e gravação, animação ou outros efeitos especiais, edição, som e trabalho de música e, finalmente, distribuição para uma audiência; refere-se amplamente à criação de todos os tipos de filmes, que abrange documentários, estirões de teatro e literatura em filmes e práticas poéticas ou experimentais, e muitas vezes é usado para se referir a processos baseados em vídeo.

Arte computadorizada
Os artistas visuais não se limitam mais aos meios de arte tradicionais. Os computadores foram usados ​​como uma ferramenta cada vez mais comum nas artes visuais desde a década de 1960. Os usos incluem a captura ou criação de imagens e formulários, a edição dessas imagens e formulários (incluindo a exploração de múltiplas composições) e a renderização ou impressão final (incluindo a impressão em 3D).

A arte do computador é qualquer em que os computadores tenham desempenhado um papel na produção ou na exibição. Essa arte pode ser uma imagem, som, animação, vídeo, CD-ROM, DVD, videogame, website, algoritmo, desempenho ou instalação de galeria. Muitas disciplinas tradicionais agora estão integrando tecnologias digitais e, como resultado, as linhas entre obras de arte tradicionais e trabalhos de novas mídias criadas usando computadores foram borradas. Por exemplo, um artista pode combinar a pintura tradicional com arte algorítmica e outras técnicas digitais. Como resultado, a definição de arte informática pelo seu produto final pode ser difícil. No entanto, esse tipo de arte está começando a aparecer nas exposições do museu de arte, embora ainda não tenha provado sua legitimidade como uma forma para si mesma e esta tecnologia é amplamente vista na arte contemporânea mais como uma ferramenta e não como uma forma como a pintura.

O uso do computador destruiu as distinções entre ilustradores, fotógrafos, editores de fotos, modeladores 3-D e artistas de artesanato. O sofisticado software de renderização e edição levou a desenvolvedores de imagens multi-qualificados. Os fotógrafos podem se tornar artistas digitais. Os ilustradores podem se tornar animadores. O artesanato pode ser assistido por computador ou usar imagens geradas por computador como um modelo. O uso de clip art do computador também fez a clara distinção entre artes visuais e layout de página menos óbvio devido ao fácil acesso e edição de clip art no processo de paginação de um documento, especialmente para o observador não qualificado.

Artes plásticas:
As artes plásticas são um termo, agora amplamente esquecido, abrangendo formas de arte que envolvem a manipulação física de um meio plástico por moldagem ou modelagem, como escultura ou cerâmica. O termo também foi aplicado a todas as artes visuais (não literárias, não musicais).

Os materiais que podem ser esculpidos ou moldados, como pedra ou madeira, concreto ou aço, também foram incluídos na definição mais restrita, pois, com as ferramentas apropriadas, esses materiais também são capazes de modulação. [Citação necessária] Este uso do termo O “plástico” nas artes não deve ser confundido com o uso de Piet Mondrian, nem com o movimento que ele chamou, em francês e inglês, “neoplasticismo”.

Escultura:
A escultura é uma obra de arte tridimensional criada por moldar ou combinar material rígido ou plástico, som, texto ou luz, comumente pedra (pedra ou mármore), argila, metal, vidro ou madeira. Algumas esculturas são criadas diretamente por encontrar ou esculpir; outros são montados, construídos juntos e disparados, soldados, moldados ou moldados. As esculturas são muitas vezes pintadas. Uma pessoa que cria esculturas é chamada de escultor.

Como a escultura envolve o uso de materiais que podem ser moldados ou modulados, é considerada uma das artes plásticas. A maioria da arte pública é a escultura. Muitas esculturas em um ambiente de jardim podem ser referidas como um jardim de esculturas.

Os escultores nem sempre fazem esculturas à mão. Com o aumento da tecnologia no século 20 e a popularidade da arte conceitual sobre o domínio técnico, mais escultores viraram fabricantes de arte para produzir suas obras de arte. Com a fabricação, o artista cria um design e paga um fabricante para o produzir. Isso permite que os escultores criem esculturas maiores e mais complexas de material como cimento, metal e plástico, que não seriam capazes de criar à mão. Esculturas também podem ser feitas com tecnologia de impressão 3-d.

A crescente tendência para privilegiar a pintura e, em menor grau, a escultura, acima de outras artes tem sido uma característica da arte ocidental, bem como da arte do Leste Asiático. Em ambas as regiões, a pintura foi vista como confiando no mais alto grau na imaginação do artista, e a mais remota do trabalho manual – na pintura chinesa, os estilos mais valorizados eram aqueles de “pintura escolar”, pelo menos teoricamente praticado por cavalheiros amadores. A hierarquia ocidental de gêneros refletiu atitudes semelhantes.