A aquarela é um método de pintura em que as tintas são feitas de pigmentos suspensos em uma solução à base de água. Aquarela refere-se tanto ao meio quanto ao trabalho artístico resultante. Aquarelas pintadas com tinta colorida solúvel em água em vez das modernas cores de água são chamadas de “aquarellum atramento” (em latim, “aquarelle made with ink”) por especialistas. No entanto, este termo foi ficando cada vez mais fora de uso.
O suporte tradicional e mais comum – material ao qual a tinta é aplicada – para pinturas em aquarela é o papel. Outros suportes incluem papiros, papéis de casca, plásticos, velino, couro, tecido, madeira e lona. Papel aquarela é muitas vezes feito inteiramente ou parcialmente com algodão, o que dá uma boa textura e minimiza a distorção quando molhado. As aquarelas são geralmente translúcidas e parecem luminosas porque os pigmentos são depositados em uma forma pura, com poucos preenchimentos obscurecendo as cores dos pigmentos. As aquarelas também podem ser opacas adicionando branco chinês.
Dentro Ásia leste , a pintura em aquarela com tintas é conhecida como pintura em pincel ou em pergaminho. Na pintura chinesa, coreana e japonesa, tem sido o meio dominante, muitas vezes em preto ou marrom monocromático. [Índia] A Índia, a Etiópia e outros países têm longas tradições de pintura em aquarela. Fingerpainting com tintas aquarela originado no continente China .
História
A pintura em aquarela é extremamente antiga, datando talvez das pinturas rupestres do paleolítico Europa , e tem sido usado para ilustração de manuscritos desde pelo menos os tempos egípcios, mas especialmente na Idade Média européia. No entanto, sua história contínua como um meio de arte começa com o Renascimento. O artista alemão do Renascimento do Norte, Albrecht Dürer (1471-1528), que pintou várias belas aquarelas botânicas, da vida selvagem e da paisagem, é geralmente considerado um dos primeiros expoentes da aquarela. Uma importante escola de pintura em aquarela Alemanha foi liderado por Hans Bol (1534-1593) como parte do Dürer Renaissance.
Apesar desse início precoce, as aquarelas eram geralmente usadas por pintores barrocos de cavalete apenas para esboços, cópias ou desenhos animados (desenhos de projeto em grande escala). Os primeiros praticantes notáveis da pintura em aquarela foram Van Dyck (durante sua estada em Inglaterra ), Claude Lorrain, Giovanni Benedetto Castiglione e muitos artistas holandeses e flamengos. No entanto, a ilustração botânica e a ilustração da vida selvagem talvez formem as tradições mais antigas e importantes da pintura em aquarela. As ilustrações botânicas tornaram-se populares durante o Renascimento, tanto como ilustrações de xilogravura à mão em livros ou folhas largas quanto desenhos de tinta tingida em pergaminho ou papel. Artistas botânicos têm sido tradicionalmente alguns dos mais exigentes e talentosos pintores de aquarela, e até hoje, aquarelas – com sua capacidade única de resumir, clarear e idealizar em cores – são usadas para ilustrar publicações científicas e de museus. A ilustração da vida selvagem atingiu seu auge no século 19 com artistas como John James Audubon, e hoje muitos guias de campo naturalistas ainda são ilustrados com pinturas em aquarela.
Escola de inglês
Vários fatores contribuíram para a difusão da pintura em aquarela durante o século XVIII, particularmente em Inglaterra . Entre as classes elite e aristocrática, a pintura em aquarela era um dos adornos incidentais de uma boa educação; cartógrafos, oficiais militares e engenheiros usaram sua utilidade para descrever propriedades, terrenos, fortificações, geologia de campo e para ilustrar obras públicas ou projetos comissionados. Os artistas da aguarela eram comumente levados com expedições geológicas ou arqueológicas, financiadas pela Society of Dilettanti (fundada em 1733), para documentar as descobertas no Mediterrâneo, na Ásia e na Ásia. Novo Mundo . Essas expedições estimularam a demanda por pintores topográficos, que produziam pinturas de lembranças de locais famosos (e pontos turísticos) ao longo do Grand Tour para Itália que foi realizado por todos os jovens da moda da época.
No final do século XVIII, o clérigo inglês William Gilpin escreveu uma série de livros extremamente populares descrevendo suas viagens pitorescas em toda a área rural. Inglaterra e ilustrou-os com aquarelas monocromáticas sentimentalizadas de vales fluviais, antigos castelos e igrejas abandonadas. Este exemplo popularizou as aquarelas como uma forma de diário turístico pessoal. A confluência desses interesses culturais, de engenharia, científicos, turísticos e amadores culminou na celebração e promoção da aquarela como uma “arte nacional” distintamente inglesa. William Blake publicou vários livros de poesia gravada colorida à mão, forneceu ilustrações ao Inferno de Dante e também experimentou grandes obras de monótipo em aquarela. Entre os muitos outros aquaristas importantes desse período estavam Thomas Gainsborough, John Robert Cozens, Francis Towne, Michael Angelo Rooker, William Pars, Thomas Hearne e John Warwick Smith.
Do final do século XVIII até o século XIX, o mercado de livros impressos e arte doméstica contribuiu substancialmente para o crescimento do meio. As aquarelas eram usadas como o documento básico a partir do qual as gravuras de paisagens ou turísticas colecionáveis foram desenvolvidas, e originais em aquarela pintados à mão ou cópias de pinturas famosas contribuíram para muitos portfólios de arte de classe alta. Os broadsides satíricos por Thomas Rowlandson, muitos publicados por Rudolph Ackermann, eram também extremamente populares.
Os três artistas ingleses creditados com o estabelecimento da aquarela como um meio de pintura independente e maduro são Paul Sandby (1730-1809), muitas vezes chamado de “pai da aquarela inglesa”; Thomas Girtin (1775-1802), que foi pioneiro na sua utilização para pintura de paisagem de grande formato, romântica ou pitoresca; e Joseph Mallord William Turner (1775–1851), que levou a pintura em aquarela ao mais alto tom de poder e refinamento, e criou centenas de soberbas pinturas em aquarela históricas, topográficas, arquitetônicas e mitológicas. Seu método de desenvolver a pintura em aquarela em estágios, começando com áreas de cores grandes e vagas estabelecidas em papel molhado, refinando a imagem através de uma sequência de lavagens e esmaltes, permitiu-lhe produzir um grande número de pinturas com “eficiência de oficina”. um multimilionário, em parte pelas vendas de sua galeria de arte pessoal, a primeira do gênero. Entre os contemporâneos importantes e altamente talentosos de Turner e Girtin estavam John Varley, John Sell Cotman, Anthony Copley Fielding, Samuel Palmer, William Havell e Samuel Prout. O pintor suíço Abraham-Louis-Rodolphe Ducros também era amplamente conhecido por seu grande formato, pinturas românticas em aquarela.
A confluência de atividade amadora, mercados editoriais, colecionadores de arte de classe média e técnica do século 19 levaram à formação de sociedades inglesas de pintura em aquarela: a Sociedade de Pintores em Aquarelas (1804, agora conhecida como Royal Watercolour Society) e a Nova Water Color Society (1832, agora conhecido como o Instituto Real de Pintores em Cores de Água). (A Sociedade Escocesa de Pintores na Water Color foi fundada em 1878, agora conhecida como a Royal Scottish Society of Painters in Watercolour). Essas sociedades ofereciam exposições anuais e referências de compradores para muitos artistas. Eles também se envolveram em rivalidades de status insignificante e debates estéticos, particularmente entre os defensores da aquarela tradicional (“transparente”) e os primeiros a adotar a cor mais densa possível com a cor do corpo ou guache (aquarela “opaca”). Os últimos períodos georgianos e vitorianos produziram o apogeu da aquarela britânica, entre as mais impressionantes obras do século 19 em papel, devido aos artistas Turner, Varley, Cotman, David Cox, Peter de Wint, William Henry Hunt, John Frederick Lewis, Myles Birket Foster, Frederick Walker, Thomas Collier, Arthur Melville e muitos outros. Em particular, as aquarelas graciosas, lapidares e atmosféricas (“pinturas de gênero”) de Richard Parkes Bonington criaram uma moda internacional para a pintura em aquarela, especialmente em Inglaterra e França na década de 1820.
A popularidade das aquarelas estimulou muitas inovações, incluindo papéis de gramatura mais pesados e mais dimensionados, e pincéis (chamados “lápis”) fabricados expressamente para aquarela. Tutoriais em aquarela foram publicados pela primeira vez neste período por Varley, Cox e outros, estabelecendo as instruções de pintura passo a passo que ainda caracterizam o gênero hoje; The Elements of Drawing, um tutorial em aquarela do crítico de arte inglês John Ruskin, foi esgotado apenas uma vez desde que foi publicado em 1857. Marcas comerciais de aquarela foram comercializadas e as tintas foram embaladas em tubos de metal ou como bolos secos que poderiam ser “apagado” (dissolvido) em porcelana de estúdio ou usado em caixas de tinta metálicas portáteis no campo. Avanços contemporâneos em química disponibilizaram muitos novos pigmentos, incluindo azul da prússia, azul ultramarino, azul de cobalto, viridiano, violeta de cobalto, amarelo cádmio, aureolina (cobalto-nitrito de potássio), branco de zinco e uma ampla gama de lagos carmim e mais maduros. Esses pigmentos, por sua vez, estimularam um uso maior da cor em todos os meios de pintura, mas em aquarelas inglesas, particularmente pela Irmandade Pré-Rafaelita.
Estados Unidos
John Singer Sargent, navios brancos. Brooklyn Museu
Pintura em aquarela também se tornou popular no Estados Unidos durante o século XIX; Os primeiros praticantes destacados incluíam John James Audubon, bem como Rio Hudson Escola pintores como William H. Bartlett e George Harvey. Em meados do século, a influência de John Ruskin levou a um crescente interesse em aquarelas, particularmente o uso de um estilo “Ruskiniano” detalhado por artistas como John W. Hill Henry, William Trost Richards, Roderick Newman e Fidelia Pontes . A Sociedade Americana de Pintores em Aquarela (hoje a American Watercolour Society) foi fundada em 1866. Os expoentes norte-americanos do meio do final do século 19 incluíam Thomas Moran, Thomas Eakins, John LaFarge, John Singer Sargent, Childe Hassam e, preeminentemente, Winslow Homer.
Europa
A aquarela era menos popular na Europa continental. No século XVIII, o guache era um meio importante para os artistas italianos Marco Ricci e Francesco Zuccarelli, cujas pinturas de paisagens foram amplamente coletadas. O guache foi usado por vários artistas na França também. No século XIX, a influência da escola inglesa ajudou a popularizar a aquarela “transparente” em França e tornou-se um meio importante para Eugène Delacroix, François Marius Granet, Henri-Joseph Harpignies e o satírico Honoré Daumier. Outros pintores europeus que trabalhavam frequentemente em aquarela eram Adolph Menzel em Alemanha e Stanisław Masłowski em Polônia .
Infelizmente, a adoção descuidada e excessiva de corantes de anilina coloridos e derivados de petróleo (e pigmentos compostos deles), que desaparecem rapidamente com a exposição à luz, e os esforços para conservar adequadamente as vinte mil pinturas de JMW Turner herdadas pelo Museu Britânico. em 1857, levou a um exame e reavaliação negativa da permanência de pigmentos em aquarela. Isso causou um declínio acentuado em seu status e valor de mercado. No entanto, praticantes isolados continuaram a preferir e desenvolver o meio no século XX. Maravilhosas paisagens e aquarelas marítimas foram feitas por Paul Signac, e Paul Cézanne desenvolveu um estilo de pintura em aquarela que consiste inteiramente de sobreposição de pequenos esmaltes de cor pura.
Séculos XX e XXI
Entre os muitos artistas do século XX que produziram obras importantes em aquarela, Wassily Kandinsky, Emil Nolde, Paul Klee, Egon Schiele e Raoul Dufy devem ser mencionados. Dentro América , os principais expoentes incluíam Charles Burchfield, Edward Hopper, Georgia O’Keeffe, Charles Demuth e John Marin (80% de seu trabalho total é aquarela). Nesse período, a pintura de aquarela americana frequentemente imitava o impressionismo europeu e o pós-impressionismo, mas o individualismo significativo floresceu em estilos “regionais” de pintura em aquarela das décadas de 1920 a 1940. Em particular, o ” Cleveland Escola “ou” Ohio Escola “de pintores centrados em torno do Museu de Arte de Cleveland, e os pintores do California Scene eram frequentemente associados Hollywood estúdios de animação ou o Instituto de Arte Chouinard (agora Instituto de Artes da Califórnia). o Califórnia os pintores exploraram a geografia variada do seu estado, o clima mediterrâneo e a “automobilidade” para revigorar a tradição ao ar livre ou “plein air”. Os mais influentes entre eles foram Phil Dike, Millard Sheets, Rex Brandt, Dong Kingman e Milford Zornes. A California Water Color Society, fundada em 1921 e posteriormente renomeada como National Water Society, patrocinou importantes exposições de seu trabalho.
Embora a ascensão do expressionismo abstrato, e a influência banalizadora de pintores amadores e estilos de pintura influenciados por publicidade ou oficina, levaram a um declínio temporário na popularidade da pintura em aquarela após c. Em 1950, as aquarelas continuam a ser utilizadas por artistas como Martha Burchfield, Joseph Raffael, Andrew Wyeth, Philip Pearlstein, Eric Fisch, Gerhard Richter, Anselm Kiefer e Francesco Clemente. Dentro Espanha , Ceferí Olivé criou um estilo inovador seguido por seus alunos, como Rafael Alonso López-Montero e Francesc Torné Gavaldà. Dentro México , os principais expoentes são Ignacio Barrios, Edgardo Coghlan, Ángel Mauro, Vicente Mendiola e Pastor Velázquez. No Ilhas Canárias , onde esta técnica pictórica tem muitos seguidores, destacam-se artistas como Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada e Alberto Manrique.