Арт-нуво — это международный стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства, особенно декоративное искусство, которое было наиболее популярным между 1890 и 1910 годами. Реакция на академическое искусство 19-го века была вдохновлена естественными формами и структурами, в частности изогнутые линии растений и цветов.
Декоративный стиль конца 19-го и начала 20-го, который процветал главным образом в Европе и США. Несмотря на то, что это повлияло на живопись и скульптуру, его главные проявления были в архитектуре и декоративно-графическом искусстве, аспекты, на которых этот обзор концентрируется. Он характеризуется извилистые асимметричные линии, основанные на органических формах; в более широком смысле он охватывает геометрические и более абстрактные узоры и ритмы, которые были развиты как часть общей реакции на историзм 19-го века. Существуют большие различия в стиле, в соответствии с тем, где он появился, и материалами, которые были использованы
Art Nouveau считается «полным» художественным стилем, охватывающим архитектуру, графику, дизайн интерьера и большую часть декоративного искусства, включая украшения, мебель, текстиль, бытовую серебро и другую утварь, а также освещение, а также изобразительное искусство. Согласно философия стиля, искусство должны быть образом жизни. Для многих состоятельных европейцев можно было жить в доме, вдохновленном модерном, с мебелью в стиле модерн, серебром, тканями, керамикой, включая посуду, ювелирные изделия, портсигары, и т. д. Художники хотели объединить изобразительное искусство и прикладное искусство, даже для утилитарных объектов.
Форма и характер
Хотя в стиле модерн были обнаружены явно локализованные тенденции по мере увеличения географического распространения, некоторые общие характеристики указывают на форму. В опубликованном в журнале Pan журнале обернувшегося Цикламена (1894 г.) в журнале «Пан» описал его как «внезапные сильные кривые, образованные трещиной хлыста», которые стали известны во время раннего распространения в стиле модерн. Впоследствии не только сама работа стала более известной как «Хитплаш», но термин «хлыст» часто применяется к характерным кривым, используемым художниками в стиле ар-нуво. Такие декоративные «хлыстовые» мотивы, образованные динамическими, волнообразными и плавными линиями в синкопированном ритме и асимметричной форме, встречаются по всей архитектуре, живописи, скульптуре и другим формам дизайна в стиле модерн.
Истоки в стиле модерн находятся в сопротивлении художника Уильяма Морриса к загроможденным композициям и тенденциям возрождения 19-го века и его теориям, которые помогли инициировать движение Искусств и ремесел. Однако обложка книги Артура Маккёрдо для городских церквей Рена (1883) с ее ритмическими цветочными узорами часто считается первой реализацией модерна. Примерно в то же время плоская перспектива и яркие цвета японских отпечатков деревянных блоков, особенно те, которые были сделаны Кацушикой Хокусай, оказали сильное влияние на формулировку стиля модерн. Японский народ, популярный в Европе в 1880-х и 1890-х годах, особенно влиял на многих художников с его органическими формами и ссылками на природный мир. Помимо того, что художники, такие как Эмиль Галле и Джеймс Эбботт Макнилл Уистлер, были приняты под влиянием японского искусства и дизайна, его защитили бизнесмены Зигфрид Бинг и Артур Ласенби Либерти в своих магазинах в Париже и Лондоне соответственно.
В архитектуре распространены гиперболы и параболы в окнах, арках и дверях, а декоративные молдинги «растут» в растительные формы. Как и большинство стилей дизайна, модерн стремился гармонизировать свои формы. Текст над входом в Парижский метро использует качества остальной части железной работы в структуре.
Архитектура и дизайн интерьера в стиле модерн не смотрели на эклектичные стили возрождения XIX века. Хотя в стиле модерн дизайнеры выбрали и «модернизировали» некоторые из более абстрактных элементов стиля рококо, такие как пламя и текстуры оболочек, они также выступали за использование очень стилизованных органических форм в качестве источника вдохновения, расширяя «естественный» репертуар до использовать морские водоросли, травы и насекомые. Другим влиянием было мягко-смешанные формы ушной раковины 17-го века, лучше всего иллюстрированные голландским серебром.
Отношения с современными стилями и движениями
Как арт-стиль, в стиле модерн есть сходство с прерафаэлитами и стилями символизма, и художники, такие как Обри Бердсли, Альфонс Муха, Эдвард Бёрн-Джонс, Густав Климт и Ян Тороп, могут быть классифицированы более чем в одном из этих стилей. Однако, в отличие от символической живописи, в стиле ар-нуво характерен внешний вид; и, в отличие от ремесленного искусства и ремесел, художники в стиле модерн легко использовали новые материалы, обработанные поверхности и абстракцию на службе чистого дизайна.
Арт-нуво не избегало использования машин, как это делало Движение искусств и ремесел. Для скульптуры основными используемыми материалами были стекло и кованое железо, что приводило к скульптурным качествам даже в архитектуре. Керамика использовалась также для создания изданий скульптур таких художников, как Огюст Родин.
Архитектура в стиле модерн использовала множество технологических новшеств конца XIX века, особенно использование экспонированного железа и больших, нестандартных форм стекла для архитектуры. Однако к началу Первой мировой войны стилизованный характер дизайна в стиле модерн стал зацикливаться в пользу более упорядоченного, прямолинейного модернизма, считающегося более верным более простой промышленной эстетике, которая стала арт-деко.
Тенденции в стиле модерн были также поглощены местными стилями. Например, в Дании это был один из аспектов Skønvirke («эстетическая работа»), который более тесно относится к стилю искусства и ремесла. Кроме того, художники приняли многие цветочные и органические мотивы в стиле модерн в стиле Młoda Polska («Молодая Польша») в Польше. Млода Польска, однако, также включала в себя другие художественные стили и охватывала более широкий подход к искусству, литературе и стилю жизни.
Графика процветала в эпоху модерна благодаря новым технологиям печати, особенно цветной литографии, что позволило массовое производство цветных плакатов. Искусство больше не ограничивалось галереями, музеями и салонами; его можно было найти на стенах Парижа и в иллюстрированных художественных журналах, которые распространялись по всей Европе и в Соединенные Штаты. Самой популярной темой плакатов в стиле ар-нуво были женщины; женщины, символизирующие гламур, современность и красоту, часто окруженные цветами.
В Великобритании ведущим художником в стиле ар-нуво был Обри Бердсли (1872-1898). Он начал с выгравированных иллюстраций книги для Ле Морта д’Артура, затем черно-белых иллюстраций для Саломея Оскара Уайльда (1893), что принесло ему славу. В том же году он начал гравюры иллюстраций и плакатов для арт-журнала The Studio, который помог рекламировать европейских художников, таких как Фернанн Хнопфф в Великобритании. Кривые линии и сложные цветочные узоры привлекли столько внимания, сколько текст.
Швейцарско-французский художник Эжен Грассет (1845-1917) был одним из первых создателей плакатов французского модерна. Он помог украсить знаменитый кабаре Le Chat noir в 1885 году и сделал свои первые плакаты для Fêtes de Paris. Он сделал знаменитые плакаты Сары Бернхардт в 1890 году и множество разнообразных книжных иллюстраций. Художники-дизайнеры Жюль Чере, Жорж де Фейр и художник Анри де Тулуз-Лотрек все сделали плакаты для парижских театров, кафе, танцевальных залов кабаре. Чешский художник Альфонс Муха (1860-1939) прибыл в Париж в 1888 году, а в 1895 году сделал плакат для актрисы Сары Бернхардт в спектакле «Гисмонда» Викторином Сардоу. Успех этого плаката привел к заключению контракта на изготовление плакатов для еще шести пьес Бернхардтом. В течение следующих четырех лет он также разработал наборы, костюмы и даже украшения для актрисы. Основываясь на успехе своих театральных плакатов, Муха сделал плакаты для разнообразных продуктов, начиная от сигарет и мыльниц до пивных печенья, все из которых представлены идеализированной женской фигурой с фигурой песочных часов. Он продолжал разрабатывать продукты, от ювелирных изделий до ящиков для бисквитов, в своем отличительном стиле.
В Вене самым плодовитым дизайнером графики и плакатов был Коломан Мозер (1868-1918), который активно участвовал в сецессионном движении с Густавом Климтом и Йозефом Хоффманом и сделал иллюстрации и обложки для журнала движения Ver Sacrum, а также картины, мебель и украшения.
Картина
Живопись была еще одним важным областью стиля модерн, хотя большинство художников в стиле модерн были также связаны с другими движениями искусства, в частности с Наби во Франции и символистами во Франции и Австрии. В 1892 году Зигфрид Бинг организовал выставку в Париже с участием семи живописцев, включая Пьера Боннара, Эдуарда Вуйярда, Феликса Валлоттона и Мориса Дениса; и его «Дом-де-ла-Ново» выставляли картины Жоржа Сёрата, Пола Сиксака и Анри де Тулуз-Лотрека. Эжен Грассет, Коломан Мозер и Густав Климт удобно расположились в авангарде и стиле модерн. В Бельгии Фернанн Хнопфф работал как в живописи, так и в графическом дизайне. Картины Густава Климта были неотъемлемой частью его декоративной схемы Йозефа Хоффмана для Дворца Стокле. Одной из распространенных тем и символистов и художников в стиле модерн того времени было стилизованное изображение женщин. Одной из популярных тем была американская танцовщица Loie Fuller, изображаемая французскими и австрийскими художниками и художниками-плакатами.
Искусство стекла
Искусство стекла было средой, в которой в стиле модерн были найдены новые и разнообразные способы выражения. Интенсивное количество экспериментов продолжалось, особенно во Франции, чтобы найти новые эффекты прозрачности и непрозрачности: в гравюре выигрывать камею, двойные слои и кислотную гравировку — метод, позволяющий производить серийное производство. Город Нэнси стал важным центром французской стекольной промышленности, и там были расположены мастерские Эмиля Галле и студии Даума во главе с Огюстом и Антонином Даумом. Они работали со многими известными дизайнерами, в том числе с Эрнестом Бюссиером, Анри Берже и Амальриком Уолтером. Они разработали новый метод инкрустирования стекла путем прессования фрагментов разного цветного стекла в незавершенный кусок. Они часто сотрудничали с дизайнером мебели Луи Мажорелем, чей дом и мастерские были в Нанси. Еще одной особенностью модерна было использование витражей с этим цветочным течением в жилых салонах, особенно в домах модерна в Нанси. Многие из них были работой Жака Грубера, который делал окна для виллы Majorelle и других домов.
В Бельгии ведущей фирмой был стекольный завод Валь-Сент-Ламберта, который создал вазы в органических и цветочных формах, многие из которых были разработаны Филиппом Вульферсом. Wolfers был отмечен, в частности, для создания произведений символического стекла, часто с прикрепленным металлическим декором. В Богемии тогдашний регион Австро-Венгерской империи отметил кристаллическое производство, компании Lobmeyr и Loetz-Witwe также экспериментировали с новыми методами окраски, производя более яркие и богатые цвета. В Германии эксперимент проводил Карл Кёппинг, который использовал выдувное стекло для создания чрезвычайно тонких очков в виде цветов; настолько деликатный, что немногие выживают сегодня.
В Вене стеклянные конструкции сецессионного движения были гораздо более геометрическими, чем у Франции или Бельгии; Отто Prutscher был самым строгим дизайнером стекла движения.
В Великобритании несколько цветочных витражей были созданы Маргарет Макдональд Макинтош для архитектурного дисплея под названием «Дом любителя искусства».
В Соединенных Штатах Луис Комфорт Тиффани и его дизайнеры стали особенно известными своими лампами, чьи стеклянные оттенки использовали общие цветочные темы, замысловатые вместе. Лампы Tiffany приобрели популярность после Всемирной Колумбийской выставки в Чикаго в 1893 году, где Тиффани выставила свои лампы в византийской часовне. Тиффани интенсивно экспериментировала с процессами окрашивания стекла, патентовывая в 1894 году стекло Фаврила, в котором использовались оксиды металлов для окраски внутренней части расплавленного стекла, что придавало ему радужный эффект. Его мастерские выпустили несколько разных серий лампы Tiffany в разных цветочных орнаментах, а также витражи, экраны, вазы и ряд декоративных предметов. Его работы были сначала импортированы в Германию, затем во Францию Зигфридом Бином, а затем стали одним из декоративных ощущений экспозиции 1900 года. Американский соперник Tiffany, Steuben Glass, был основан в 1903 году в Корнинге, штат Нью-Йорк, Фредериком Кардером, который, как и Тиффани, использовал процесс Fevrile для создания поверхностей с радужными цветами. Еще одним известным американским художником по стеклу был Джон Ла Фардж, создавший сложные и красочные витражи по религиозным и чисто декоративным темам.
Металлическое искусство
Архитектурный теоретик 19-го века Виоллет-ле-Дюк выступал за демонстрацию, а не за сокрытие железных каркасов современных зданий, но архитекторы в стиле модерн Виктор Орта и Гектор Гимард пошли дальше: они добавили железное украшение в кривых, вдохновленных цветочными и растительными формы как в интерьерах, так и в экстерьерах их зданий. Они принимали форму лестничных перила в интерьере, светильники и другие детали в интерьере, а также балконы и другие украшения на внешней стороне. Они стали одними из самых отличительных особенностей архитектуры в стиле модерн. Использование металлической отделки в растительных формах вскоре также появилось в серебре, лампах и других декоративных изделиях.
В Соединенных Штатах дизайнер Джордж Грант Элмсли сделал необычайно замысловатые чугунные конструкции для балюстрад и других внутренних украшений зданий чикагского архитектора Луи Салливана.
В то время как французские и американские дизайнеры использовали цветочные и растительные формы, Джозеф Мария Ольбрих и другие художники Сецессиона разработали чайники и другие металлические предметы в более геометрическом и трезвом стиле.
Ювелирные изделия
В стиле модерн характерны мягкие изогнутые формы и линии и обычно имеют естественные конструкции, такие как цветы, птицы и другие животные. Женское тело является популярной темой и представлено на различных ювелирных изделиях, особенно камеях. Он часто включал длинные ожерелья из жемчуга или цепочек из стерлингового серебра, пунктированных стеклянными бусинами или заканчивающихся серебряным или золотым кулоном, который часто был разработан как украшение для украшения одного драгоценного камня аметиста, перидота или цитрина.
Период в стиле модерн привел к заметной стилистической революции в ювелирной промышленности, которую в основном возглавляли крупные фирмы в Париже. В течение предыдущих двух столетий акцент в изысканных ювелирных изделиях создавал драматические настройки для бриллиантов. Во времена правления модерна алмазы обычно играли вспомогательную роль. Ювелиры экспериментировали с множеством других камней, в том числе агата, гранатового опала, лунного камня, аквамарина и других полудрагоценных камней, а также с широким спектром новых методов, в том числе эмалирования и новых материалов, включая рог, формованное стекло и цвета слоновой кости.
Ранние заметные ювелиры Парижа в стиле модерн включали Louis Aucoc, семейная ювелирная фирма, датированная 1821 годом. Самый известный дизайнер эпохи модерна Рене Лалик служил ученикам в студии Aucoc с 1874 по 1876 год. Лалик стал центральным фигура ювелирных изделий и стекла из ар-нуво, использующая природу, от стрекоз до травы, как его модель. Художники из-за пределов традиционного мира ювелирных изделий, такие как Пол Фолло, самый известный как дизайнер мебели, экспериментировали с украшениями. Среди других известных дизайнеров ювелирных изделий французского стиля модерн были Жюль Брато и Жорж Генри. В Соединенных Штатах самым известным дизайнером был Louis Comfort Tiffany, чья работа была показана в магазине Зигфрида Бинга, а также на Парижской экспозиции 1900 года.
В Великобритании наиболее видной фигурой был дизайнер Liberty & Co. Арчибальд Нокс, который сделал множество предметов в стиле ар-нуво, в том числе серебряные пряжки для ремня. CR Ashbee разработал подвески в форме павлинов. Разнообразный дизайнер Глазго Чарльз Ренни Макинтош также сделал украшения, используя традиционные кельтские символы. В Германии центром ювелирных изделий Jugendstil был город Пфорцхайм, где находились большинство немецких фирм, в том числе Теодор Фахнер. Они быстро произвели работы, чтобы удовлетворить спрос на новый стиль.
Архитектура
Архитектура в стиле модерн была реакцией на эклектичные стили, которые доминировали в европейской архитектуре во второй половине XIX века. Это было выражено через украшение. Здания были покрыты орнаментом в изогнутых формах, основанных на цветах, растениях или животных: бабочки, павлины, лебеди, ирисы, цикламены, орхидеи и водяные лилии. Фасады были асимметричными и часто украшались полихромными керамическими плитами. Украшение обычно предлагало движение; не было никакого различия между структурой и орнаментом.
Стиль впервые появился в Брюсселе Hôtel Tassel (1894) и Hôtel Solvay (1900) Виктора Орта. Hôtel Tassel посетил Гектор Гимар, который использовал тот же стиль в своей первой крупной работе — Castel Béranger (1897-98). Во всех этих домах архитекторы также спроектировали мебель и предметы интерьера, вплоть до дверных ручек и ковровых покрытий. В 1899 году, основанный на славе Castel Béranger, Гимар получил комиссию по проектированию входов станций нового Парижского метро, которая открылась в 1900 году. Хотя осталось немного оригиналов, они стали символом движения в стиле модерн в Париже.
В Париже архитектурный стиль был также реакцией на строгие правила, наложенные на фасады зданий Жоржа-Евгения Османна, префекта Парижа под Наполеоном III. В 1903 году наконец были разрешены луковые окна, а архитекторы в стиле модерн пошли в противоположную сторону, особенно в домах Жюля Лавиротта, которые были по существу большими скульптурными работами, полностью покрытыми украшением. Важный район домов в стиле модерн появился во французском городе Нанси, вокруг виллы Majorelle (1901-02), резиденции дизайнера мебели Луи Мажореля. Он был разработан Анри Соваге в качестве витрины для дизайна мебели Мажореля.
Архитектурный стиль простирался от Бельгии и Франции до Германии, Швейцарии, Италии и Испании и остальной Европы, пользуясь разными именами и характером в каждой стране. Он достиг своего пика в 1910 году, и к началу Первой мировой войны он был практически закончен. Новый стиль, арт-деко, занял свое место.
Мебель
Дизайн мебели в стиле модерн был тесно связан с архитектурой зданий, архитекторы часто проектировали мебель, ковры, светильники, дверные ручки и другие декоративные детали. Мебель также часто была сложной и дорогой; тонкая отделка, обычно полированная или лакированная, считалась необходимой, а континентальные конструкции обычно были очень сложными, с изгибающимися формами, которые стоили дорого. У этого также был недостаток, который владелец дома не мог изменить мебель или добавить части в другом стиле, не нарушая весь эффект комнаты. По этой причине, когда архитектура в стиле ар-нуво вышла из моды, стиль мебели также в значительной степени исчез.
Во Франции центр дизайна и производства мебели был в Нанси, где два крупных дизайнера, Эмиль Галле и Луи Мажорель, были студиями и мастерскими, и там был основан Альянс индустрий искусств (позже названный Школой Нэнси) в 2001 году. Оба дизайнера основаны на их структуре и орнаментах на формах, взятых с натуры, включая цветы и насекомые, такие как стрекоза, популярный мотив в стиле модерн. Галле был особенно известен тем, что он использовал маркетри в рельефе, в виде пейзажей или поэтических тем. Мажорель была известна тем, что использовала экзотические и дорогие леса, а также прикрепляла бронзовые изделия к растительным предметам к своим предметам мебели. Оба дизайнера использовали машины для первых этапов производства, но все детали были закончены вручную. Среди других известных дизайнеров мебели в школе Нэнси были Эжен Валлин и Эмиль Андре; оба были архитекторами, обучаясь, и обе дизайнерская мебель напоминала мебель от бельгийских дизайнеров, таких как Орта и Ван де Вельде, которые имели меньше украшений и более внимательно следили за извилистыми растениями и цветами. Среди других известных французских дизайнеров были Анри Беллери-Дезфонтейнс, которые черпали вдохновение из неоготических стилей Виолет-ле-Дюка; и Жорж де Фейр, Эжен Гайяр и Эдуард Колонна, которые вместе с арт-дилером Зигфридом Бином работали над обновлением французской мебельной промышленности новыми темами. Их работа была известна как «абстрактный натурализм», ее единство прямых и изогнутых линий и влияние рококо. Мебель из Feure в павильоне Bing завоевала золотую медаль на Парижской выставке 1900 года. Самым необычным и живописным французским дизайнером был Франсуа-Руперт Карабин, скульптор по обучению, в мебели которого фигурировали обнаженные женские формы и символические животные, особенно кошки, объединившие элементы стиля модерн с символизмом. Другими влиятельными дизайнерами Парижской мебели были Чарльз Плюмет и Александр Шарпантье. Во многих отношениях старый словарь и приемы классической французской мебели Rococo XVIII века были пересмотрены в новом стиле.
В Бельгии пионерские архитекторы движения в стиле модерн Виктор Орта и Генри ван де Вельде разработали мебель для своих домов, используя энергичные криволинейные линии и минимальную отделку. Бельгийский дизайнер Гюстав Серрюрье-Бови добавил больше украшений, применяя латунные полосы в изогнутых формах. В Нидерландах, где стиль назывался Nieuwe Kunst или New Art, HP Berlag, Lion Cachet и Theodor Nieuwenhuis следовали за другим курсом английского искусства и ремесла с более геометрическими рациональными формами.
В Британии мебель Чарльза Ренни Макинтоша была чисто искусством и ремеслом, с суровым и геометрическим, с длинными прямыми линиями и прямыми углами и минимальным декором. Континентальные узоры были гораздо более сложными, часто с использованием изогнутых форм как в основных формах фигуры, так и в декоративных декоративных мотивах. В Германии мебель Петра Беренса и Югендстиля была в основном рационалистической, с геометрическими прямыми линиями и некоторым украшением, прикрепленным к поверхности. Их цель была в точности противоположна французскому модерну; простоту конструкции и простоту материалов, для мебели, которая может быть недорогой и легко производимой массой. То же самое можно сказать о мебели дизайнеров Wiener Werkstätte в Вене во главе с Отто Вагнером, Йозефом Хоффманом, Йозефом Марией Ольбричем и Коломаном Мозером. Мебель была геометрической и имела минимальную отделку, хотя в стиле она часто следовала за национальным историческим прецедентом, особенно в стиле Бидемейера.
Итальянский и испанский дизайн мебели ушел в своем собственном направлении. Carlo Bugatti в Италии спроектировал необычный стул улитки, покрытый крашеным пергаментом и медью, для международной экспозиции в Турине 1902 года. В Испании, следуя примеру Антони Гауди и модернистского движения, дизайнер мебели Гаспар Хомар разработал работы, которые были вдохновлены естественными формами с оттенками каталонских исторических стилей.
В Соединенных Штатах дизайн мебели чаще всего вдохновлялся движением Arts and Crafts или историческими американскими моделями, чем в стиле модерн. Одним дизайнером, который представил темы в стиле модерн, был Чарльз Рольфс в Буффало, Нью-Йорк, чьи проекты для американской мебели из белого дуба были под влиянием мотивов кельтского искусства и готического искусства с прикосновениями к модерну в металлической отделке, нанесенной на куски.
керамика
В последней части XIX века было много технологических инноваций в производстве керамики, в частности, в производстве высокотемпературного (грандиозного) фарфора с кристаллизованными и матовыми глазури. В то же время несколько утраченных методов, таких как воловья глазурь, были заново открыты. На керамику в стиле модерн также влияли традиционная и современная японская и китайская керамика, чьи растительные и цветочные мотивы хорошо сочетались с стилем в стиле ар-нуво. Во Франции художники также заново открыли традиционные методы и изобрели новые мотивы. Керамика также нашла новое важное применение в архитектуре: архитекторы в стиле модерн, Жюль Лавиротта и Гектор Гимар среди них стали украшать фасады зданий керамической плиткой, многие из которых были сделаны фирмой Александра Биго, придавая им отличное модерн скульптурный вид. В керамике модерн быстро переместился в область скульптуры и архитектуры.
Одним из пионеров французских керамистов в стиле ар-нуво был Эрнест Чаплет, чья карьера в керамике длилась тридцать лет. Он начал производить керамические изделия под влиянием японских и китайских прототипов. Начиная с 1886 года, он работал с художником Полом Гогеном по керамическим рисункам с нанесенными фигурами, несколькими ручками, окрашенными и частично глазурованными, а также сотрудничал со скульпторами Феликс Брачмонд, Жюль Далу и Огюста Родена. Его работы были отмечены на выставке 1900 года.
Крупные национальные керамические фирмы занимали важное место на Парижской выставке 1900 года: Национальное производство за пределами Парижа; Нимфенбург, Мейсен, Виллерой и Бох в Германии и Дултон в Британии. Другие ведущие французские керамисты включали Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Эдмонда Лакенала, Альберта Даммауса (fr) и Огюста Делаерше.
Во Франции керамика в стиле ар-нуво иногда пересекала линию в скульптуру. Фарфоровая фигурка «Танцовщица с шарфом» Агатона Леонарда, сделанная для Национальной национальной кухни, получила признание в обеих категориях на Парижской экспозиции 1900 года.
Завод Жолнай в Печ, Венгрия, возглавлял Миклош Зсолнай (1800-1880) и его сын Вилмос Зсолнай (1828-1900) с главным дизайнером Таде Сикорски (1852-1940 гг.) Для производства керамики и другой керамики в 1853 году. В 1893 году Жолнай представил фарфоровые изделия из эозина. Он привел завод к всемирному признанию, продемонстрировав свои инновационные продукты на мировых ярмарках и международных выставках, включая Всемирную выставку 1873 года в Вене, а затем на Всемирной ярмарке 1878 года в Париже, где Жолнай получил Гран-при. В многочисленных зданиях, особенно во время движения в стиле модерн, использовались морозостойкие строительные конструкции Зсолнай.
Текстиль и обои
Текстиль и обои были важным средством стиля модерн с самого начала стиля и неотъемлемым элементом интерьера интерьера в стиле модерн. В Великобритании текстильные конструкции oWilliam Morris помогли запустить Движение искусств и ремесел, а затем в стиле модерн. Многие проекты были созданы для универмага Liberty в Лондоне, который популяризировал стиль по всей Европе. Одним из таких дизайнеров была Silver Studio, которая предоставляла красочные стилизованные цветочные узоры. Другие отличительные проекты были получены из школы Глазго и Маргарет Макдональд Макинтош. Школа Глазго представила несколько отличительных мотивов, включая стилизованные яйца, геометрические формы и «Роуз Глазго».
Во Франции большой вклад внесли дизайнер Эжен Грассет, который в 1896 году опубликовал La Plante et ses applications ornamentales, предлагая проекты в стиле модерн на основе разных цветов и растений. Многие модели были разработаны и изготовлены для крупнейших французских производителей текстиля в Мюлузе, Лилле и Лионе, немецкими и бельгийскими мастерскими. Немецкий дизайнер Герман Обрист специализировался на цветочных узорах, в частности цикламенах и стиле «хлыстовой», основанных на цветочных стеблях, которые стали основным мотивом стиля. Бельгийский Генри ван де Вельде представил текстильную работу «La Veillée d’Anges» в Salon La Libre Esthéthique в Брюсселе, вдохновленную символикой Пола Гогена и наби. В Нидерландах текстиль часто вдохновлялся образцами батика из голландских колоний в Ост-Индии. Народное искусство также вдохновило на создание гобеленов, ковров, вышивки и текстиля в Центральной Европе и Скандинавии в работах Герхарда Мунте и Фриды Хансен в Норвегии. Проект «Пять лебедей» Отто Экманн появился в более чем ста разных версиях. Венгерский дизайнер Янош Вазари объединил элементы модерна с фольклорными темами.