Музыка барокко — это стиль западной музыкальной музыки, составленный примерно с 1600 по 1750 год. Эта эпоха следовала эпохе эпохи Возрождения, и в свою очередь, она была классической эпохой. Барочная музыка составляет основную часть канона «классической музыки», и в настоящее время она широко изучается, исполняется и выслушивается. Ключевыми композиторами эпохи барокко являются Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Джордж Фридрих Гендель, Клаудио Монтеверди, Доменико Скарлатти, Алессандро Скарлатти, Генри Перселл, Георг Филипп Телеманн, Жан-Батист Люлли, Жан-Филипп Рамо, Марк-Антуан Шарпантье, Арканджело Корелли, Томасо Альбинони, Франсуа Куперин, Джузеппе Тартини, Генриха Шютца, Джованни Баттиста Перголези, Дитериха Букстехуде и Иоганна Пачелбеля.

В эпоху барокко возникла тональность, подход к написанию музыки, в котором песня или фрагмент написаны в определенном ключе; этот вид договоренности по-прежнему использовался почти во всей западной популярной музыке. В эпоху барокко, профессиональные музыканты, как ожидается, будут выполнены импровизаторы как соло мелодических линий, так и частей аккомпанемента. Концерты в стиле барокко, как правило, сопровождались группой басо континуо (включая аккордеонистов, таких как клавесинисты и лютнисты, импровизирующие аккорды с фигурной басовой партии), в то время как группа басовых инструментов — скрипка, виолончель, контрабас — играла на бас-гитаре. Характерной формой барокко была танцевальная сюита. В то время как части танцевальной сюиты были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были предназначены исключительно для прослушивания, а не для сопровождающих танцоров.

В течение этого периода композиторы и исполнители использовали более сложные (необходимые разъяснения) музыкальные орнаменты (обычно импровизированные исполнителями), вносили изменения в музыкальную нотацию (развитие фигурного баса как быстрый способ обозначить аккордовую прогрессию песни или пьесы), и разработали новые инструментальные игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также установила смешанные вокальные / инструментальные формы оперы, кантаты и оратории и инструментальные формы сольного концерта и сонаты в качестве музыкальных жанров. Многие музыкальные термины и концепции этой эпохи, такие как toccata, fugue и concerto grosso, все еще используются в 2010-м. Плотная сложная полифоническая музыка, в которой одновременно выполнялись несколько независимых линий мелодии (популярным примером этого является фуга), была важной частью многих хоровых и инструментальных произведений барокко.

Термин «барокко» происходит от португальского слова barroco, что означает «misshapen pearl». Отрицательные коннотации термина впервые произошли в 1734 году, в критике оперы Жана-Филиппа Рамо, а позже (1750) в описании Шарля де Бросса из богато украшенной и сильно украшенной архитектуры дворца Памфили в Риме. Хотя этот термин по-прежнему применялся к архитектуре и художественной критике в течение 19-го века, только в XX веке термин «барокко» был принят из словаря истории искусства Генриха Вёльфлина, чтобы обозначить исторический период в музыке.

Этимология
Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого спектра стилей из широкого географического региона, в основном в Европе, составленного в течение примерно 150 лет. Хотя долгое время считалось, что слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось ранее в отношении музыки, в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 года «Ипполит и ариси» Рамо, напечатанном в «Меркуре» де Франс в мае 1734 года. Критик предположил, что новинка в этой опере была «du barocque», жалуясь на то, что музыка не имела согласованной мелодии, была наполнена неудержимыми диссонансами, постоянно меняла ключ и метр и быстро пробегала по каждому композиционному устройству.

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода — относительно недавнее развитие. В 1919 году Курт Сакс первым применил пять характеристик теории барокко Генриха Вёльфлина к систематической музыке. Критики поспешили подвергнуть сомнению попытку перенести категории Wölfflin в музыку, однако во второй четверти 20-го века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофзером (в Германии и после его иммиграции в Америке) и Сюзанной Клерк-Лежен (в Бельгии) использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на искусстве и литературе к музыке. Все эти усилия привели к заметному расхождению в отношении временных границ периода, особенно в том, что касается его начала. В английском языке термин приобрел валюту только в 1940-х годах, в трудах Букофцера и Пола Генри Ланга.

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Британии, все еще был большой спор, было ли целесообразно объединять музыку, столь же разнообразную, как и Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Иоганна Себастьяна Баха под одной рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и принят для этого широкого спектра музыки. Может быть полезно отличить барокко от предыдущих (Ренессанс) и последующих (классических) периодов музыкальной истории.

история
Период барокко делится на три основные фазы: ранний, средний и поздний. Хотя они перекрываются во времени, они обычно датируются 1580-1630 годами с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год.

Ранняя барочная музыка (1580-1630)
Флорентийская камерата была группой гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов в эпоху Возрождения Флоренции, которые собрались под патронажем графа Джованни де Барди, чтобы обсудить и направлять тенденции в искусстве, особенно музыку и драму. В отношении музыки они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой) музыкальной драмы, которая ценила дискурс и орацию. Таким образом, они отвергли использование их полифонией (множественные, независимые мелодические линии) и инструментальную музыку и обсудили такие древнегреческие музыкальные устройства, как монология, состоящая из сольного пения, сопровождаемого китарой (древний струнный инструмент). Ранние реализации этих идей, в том числе Дафна Якопо Пери и Л’Эвридики, ознаменовали начало оперы, которая стала катализатором барочной музыки.

Что касается теории музыки, то более широкое использование фигурного баса (также известного как тщательный бас) представляет собой развивающееся значение гармонии как линейных основ полифонии. Гармония — это конечный результат контрапункта, а фигурный бас — это визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. С фигурными басами цифры, случайности или символы были помещены над басовой линией, которую читали игроки с инструментами клавиш, например, игроки клавесина или органисты труб (или лютнисты). Номера, случайности или символы, обозначенные для клавишника, какие интервалы она должна играть над каждой нотой баса. Клавиатурный проигрыватель будет импровизировать аккорды для каждой басовой ноты. Композиторы начали относиться к ним с гармоническими прогрессиями, а также использовали тритон, воспринимаемый как неустойчивый интервал, для создания диссонанса (он использовался в доминирующей седьмой аккорде и уменьшенном аккорде. Интерес к гармонии также существовал среди некоторых композиторов эпохи Возрождения , особенно Карло Гезуальдо, однако использование гармонии, направленной на тональность (акцент на музыкальный ключ, который становится «домашней записью» пьесы), а не модальность, означает переход от эпохи Возрождения к барочному периоду. к идее, что некоторые последовательности аккордов, а не только заметки, могут обеспечить ощущение закрытия в конце фрагмента — одной из фундаментальных идей, которые стали известны как тональность.

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди продвинул переход от музыкального стиля Ренессанса к эпохе барокко. Он разработал два отдельных стиля композиции — наследие эпохи Возрождения (prima pratica) и новую технику басо континуо в стиле барокко (seconda pratica). С бассо континуо небольшая группа музыкантов сыграла бы бас-гитару и аккорды, которые составляли аккомпанемент мелодии. Группа бассо континуо обычно использует один или несколько клавишных и лютников, которые будут играть на бас-гитаре и импровизировать аккорды и несколько басовых инструментов (например, бас-гитара, виолончель, контрабас), которые будут играть на басовой линии. С написанием опер L’Orfeo и L’inconazione di Poppea среди других, Монтеверди привлек значительное внимание к этому новому жанру.

Средняя барочная музыка (1630-1680)
Возникновение централизованного суда является одной из экономических и политических особенностей того, что часто называют эпохой Абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции. Модель дворца и придворная система нравов и искусств, которую он воспитывал, стали образцом для остальной Европы. Реальность восходящего церковного и государственного патронажа создавала спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создавала спрос на камерную музыку, которая является музыкой для небольшого ансамбля инструменталистов.

Средневековый период в Италии определяется появлением вокальных стилей кантаты, оратории и оперы в 1630-х годах и новой концепцией мелодии и гармонии, которая повысила статус музыки до уровня равенства со словами, которые ранее считался выдающимся. Флоридная, колоратурная монография раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю. Эти мелодии были построены из коротких, каденционно ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных рисунках, сделанных из сарабанды или курча. Гарнионы тоже могли бы быть проще (необходимы разъяснения), чем в раннем барочном монологе, а сопровождающие басовые линии были более интегрированы с мелодией, создавая контрапунктическую эквивалентность частей, которые позже привели к устройству начального баса мелодия арии. Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному устройству дифференциации речитатива (более устной части оперы) и арии (часть оперы, которая использовала певчие мелодии). Наиболее важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в основном композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианцем Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. Позже важными практиками этого стиля являются Антонио Чести, Джованни Легенци и Алессандро Страделла.

Среднее барокко не имело никакого отношения к теоретической работе Иоганна Фюкса, который систематизировал строгий контрапункт, характерный для более ранних эпох в его Градус-ад-Парнасуме (1725). [Необходимость разъяснения]

Одним из выдающихся примеров композитора в стиле придворного является Жан-Батист Люлли. Он купил патенты из монархии, чтобы быть единственным композитором опер для французского короля и не дать другим оперным спектаклям. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незавершенным Achille et Polyxène. Лулли был ранним примером дирижера; он будет бить время с большим персоналом, чтобы объединить свои ансамбли.

В музыкальном плане он не установил норму с нормой для оркестров, которая была унаследована от итальянской оперы, а характерное французское пятичастное расположение (скрипки, альты — в жанрах hautes-contre, tailles и quintes — и бас-скрипки) был использован в балете со времен Людовика XIII. Он, однако, представил этот ансамбль в лирический театр, верхние части которого часто удваивались рекордерами, флейтами и гобоями, а бас — фаготами. Часто для героических сцен часто добавлялись трубы и литавры.

Арканджело Корелли вспоминается как влиятельный для его достижений с другой стороны музыкальной техники — как скрипач, который организовывал технику и педагогику скрипки — и в чисто инструментальной музыке, особенно в его пропаганде и развитии концертного гросса. В то время как Люлли устроился в суде, Корелли был одним из первых композиторов, который публиковал широко, и его музыка исполнялась по всей Европе. Как с стилизацией Лулли и организацией оперы, концертный гросс строится на сильных контрастных секциях, чередующихся между играми полного оркестра и играми небольшой группы. Динамика была «террасирована», то есть с резким переходом от громкого к мягкому и обратно. Быстрые секции и медленные секции были сопоставлены друг с другом. В числе его учеников — Антонио Вивальди, который позже составил сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат Корелли и концертов.

В отличие от этих композиторов, Дитерих Букстехуде не был существом двора, а вместо этого был церковным музыкантом, держащим посты органиста и Веркмейстера в Мариенкирхе в Любеке. Его обязанности в качестве Веркмейстера заключались в том, чтобы выступать секретарем, казначеем и бизнес-менеджером церкви, а его должность органиста включала в себя участие во всех основных службах, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которые также оплачивались церковью. Полностью за пределами своих официальных церковных обязанностей он организовывал и руководил серией концертов, известной под названием «Абендмусикен», которая включала выступления священных драматических произведений, рассматриваемых его современниками как эквивалент опер.

Поздняя барочная музыка (1680-1730)
Работа Джорджа Фридриха Генделя, Иоганна Себастьяна Баха и их современников, в том числе Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Жан-Филиппа Рамо, Георгия Филиппа Телемана и других, продвинула эпоху барокко к ее кульминации. Благодаря работе Иоганна Фьюза стиль эпохи Возрождения полифонии стал основой для изучения композиции для будущих музыкальных эпох. Композиторы позднего барокко установили свои подвиги перед сочинениями Иоганна Фюкса.

Постоянный работник, Гендель, заимствованный у других композиторов и часто «перерабатывающий» свой собственный материал. Он также известен переработкой таких произведений, как знаменитый Мессия, премьера которого состоялась в 1742 году для доступных певцов и музыкантов.

Стили и формы

Танцевальный зал
Характерной формой барокко была танцевальная сюита. Некоторые танцевальные сюиты Баха называются партитас, хотя этот термин также используется для других коллекций предметов. В то время как части танцевальной сюиты были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были предназначены для прослушивания, а не для сопровождающих танцоров. Композиторы использовали различные танцевальные движения в своих танцевальных костюмах. Танцевальная сюита часто состоит из следующих движений:

Увертюра. Барочная сюита часто начиналась с французской увертюры («Увертюра» на французском языке), медленного движения, за которым последовала последовательность танцев разных типов, в основном следующие четыре:
Allemande — Часто первый танец инструментальной сюиты, allemande был очень популярным танцем, возникшим в эпоху немецкого Возрождения. Аллеманду играли в умеренном темпе и могли начинать с любого удара бара.
Куранте — второй танец — это курант, живой, французский танец в три метра. Итальянская версия называется corrente.
Сарабанде — сарабанд, испанский танец, является третьим из четырех основных танцев и является одним из самых медленных танцев в стиле барокко. Он также находится в тройном метре и может начинаться с любого удара бара, хотя есть ударение на втором ударе, создающее характерную «остановку» или ямбический ритм сарабанды.
Gigue — Gigue — это приподнятый и оживленный барочный танец в составном метре, как правило, заключительное движение инструментальной сюиты и четвертый из его основных видов танца. Гига может начинаться на любом ударе бара и легко распознается его ритмичным ощущением. Гига возникла на Британских островах. Его коллегой в народной музыке является джиг.
Эти четыре типа танца (allemande, courante, sarabande и gigue) составляют большинство люксов 17-го века; более поздние сюиты интерполируют один или несколько дополнительных танцев между сарабандом и звездой:

Гавот — Гавот может быть идентифицирован с помощью множества особенностей; он находится в 4
4 раза и всегда начинается с третьего бита бара, хотя в некоторых случаях это может звучать как первый удар, так как первый и третий удары являются сильными ударами в четыре раза. Гавот играет в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях его можно играть быстрее.
Bourrée — Bourrée похож на гавот, так как он находится в 2
2 раза, хотя он начинается во второй половине последнего удара бара, создавая другое ощущение танца. Бури обычно играют в умеренном темпе, хотя для некоторых композиторов, таких как Гендель, его можно использовать с гораздо более быстрым темпом.
Менуэт — Менуэт, пожалуй, самый известный из барочных танцев в трехместном метре. Он может начинаться с любого удара бара. В некоторых сюитах может быть Minuet I и II, играемый последовательно, с повторением Minuet I.
Passepied — Passepied — это быстрый танец в двоичной форме и тройной метр, который возник в качестве придворного танца в Бретани. Примеры можно найти в более поздних номерах, таких как Bach и Handel.
Ригоудон — ригаудон — это живой французский танец в двумерном метре, похожий на бурье, но ритмично проще. Он возник как семья тесно связанных южно-французских народных танцев, традиционно связанных с провинциями Ваварайс, Лангедок, Дофине и Прованс.

Другие особенности
Прелюдия — сюита может быть запущена прелюдией, медленной пьесой, написанной в импровизационном стиле. Некоторые прелюдии барокко не были полностью выписаны; вместо этого была указана последовательность аккордов, и ожидается, что инструменталист сможет импровизировать мелодичную часть, используя указанную гармоническую структуру. Прелюдия не была основана на типе танца.
Entrée — Иногда entrée состоит из набора; но там это чисто инструментальная музыка, и никакой танец не исполняется. Это введение, маршевая пьеса, играемая во время входа в танцевальную группу, или игра перед балетом. Обычно в 4
4 раза. Это связано с итальянской «intrada».
Basso continuo — своего рода непрерывное сопровождение, обозначенное новой системой нотной записи, фигурным басом, как правило, для одного или нескольких поддерживающих басовых инструментов (например, виолончели) и одного или нескольких инструментов для аккордов (например, клавишных инструментов, таких как клавесин, орган или лютня)
Концерт (сольная пьеса с оркестровым аккомпанементом) и концертное гроссо
Монодия — отросток песни
Гомофония — музыка с одним мелодичным голосом и ритмично подобным (и подчиненным) аккордом аккомпанемента (это и монография контрастируют с типичной текстурой ренессанса, полифонией)
Драматические музыкальные формы, такие как опера, драма на музыку
Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата, в которых использовались певцы и оркестр
Новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато
Даа-капо-ария «пользовалась уверенностью».
Ritornello aria — повторил короткие инструментальные перерывы вокальных проходов.
Стиль концерта — контрастность звука между группами инструментов.
Обширный орнамент, который обычно импровизировали певцы и инструменталисты (например, трели, морды и т. Д.),