Американский модернизм, подобно движению модернизма в целом, является тенденцией философской мысли, возникающей в результате широкомасштабных изменений в культуре и обществе в эпоху современности. Американский модернизм — это художественное и культурное движение в Соединенных Штатах, начиная с рубежа 20-го века, с основным периодом между Первой мировой войной и Второй мировой войной. Как и его европейский коллега, американский модернизм проистекает из отказа от мышления Просвещения, стремящегося лучше представить реальность в новом, более индустриальном мире.

история
Характерно, что модернистское искусство имеет тенденцию к абстракции, новаторское, эстетическое, футуристическое и самореферентное. Он включает в себя визуальное искусство, литературу, музыку, кино, дизайн, архитектуру, а также стиль жизни. Он реагирует на историзм, художественные конвенции и институционализацию искусства. Искусство нужно было не только заниматься в академиях, театрах или концертных залах, но и быть включенным в повседневную жизнь и доступным для всех. Кроме того, культурные учреждения, сосредоточенные на изобразительном искусстве, и ученые уделяли мало внимания революционным стилям модернизма. Экономический и технический прогресс в США во время Ревущих двадцатых годов породил широко распространенный утопизм, который оказал влияние на некоторых художников-модернистов, в то время как другие скептически относились к объятиям технологий. Победа в Первой мировой войне подтвердила статус США как международного игрока и дала людям уверенность в себе и чувство безопасности. В этом контексте американский модернизм ознаменовал начало американского искусства как самостоятельного и автономного от европейского вкуса, нарушив художественные традиции, которые до этого были сформированы в соответствии с европейскими традициями.

Американский модернизм выиграл от разнообразия культур иммигрантов. Художники были вдохновлены африканскими, карибскими, азиатскими и европейскими народными культурами и воплотили эти экзотические стили в своих произведениях.

Модернистское американское движение было отражением американской жизни в XX веке. В быстро индустриализирующемся мире и ускоренном темпе жизни человеку легко было проглотить громадность вещей, оставив блуждающих, лишенных цели. Социальные границы в расе, классе, полу, богатстве и религии оспаривались. Поскольку социальная структура оспаривалась новыми входящими взглядами, границы традиционных стандартов и социальной структуры растворялись, а потеря тождества была тем, что осталось, в конечном итоге превращаясь в изоляцию, отчуждение и общее чувство обособленности от любого «целого». Единство сплоченной войной страны умирало вместе с ней иллюзией любезностей, которые она продавала своим солдатам и людям. Мир остался жестоким, вульгарным и духовно пустым.

Работник среднего класса попал в явно незаметную позицию, а слишком маленький зубчик, чтобы надеяться найти признание на гораздо большей машине. Граждане были преодолены с помощью своей бесполезности. Мечты молодежи разрушились неудачей и разочарованием разочарования в признании предела и потери. Жизнь разочарованных и изгоев стала более пристальной. Умение определять себя через упорный труд и изобретательность, чтобы создать собственное видение себя без помощи традиционных средств, стали ценным. Некоторые авторы поддержали это, в то время как другие, такие как Ф. Скотт Фитцджеральд, оспаривали, насколько заманчивыми, но деструктивно ложными значения привилегий.

Модернистской Америке пришлось найти общий язык в мире, который больше не объединяется в вере. Найденное единство лежало в общей почве общего сознания во всем человеческом опыте. Была подчеркнута важность личности; поистине ограниченный характер человеческого опыта сформировал связь по всем мостам расы, класса, пола, богатства или религии. Общество таким образом нашло общий смысл, даже в беспорядке.

Некоторые видят модернизм в традиции эстетизма XIX века и движения «искусство ради искусства». Клемент Гринберг утверждает, что модернистское искусство исключает «что-либо вне себя». Другие видят модернистское искусство, например, в блюзе и джазовой музыке, как средство для эмоций и настроений, а многие работы касаются современных проблем, таких как феминизм и жизнь в городе. Некоторые художники и теоретики даже добавили политический аспект к американскому модернизму.

Американский модернистский дизайн и архитектура позволили людям вести современную жизнь. Работа и семейная жизнь радикально и быстро изменились из-за экономического подъема в 1920-х годах. В США автомобиль стал популярным и доступным для многих, досуг и развлечения приобрели важность, и рынок труда открылся для женщин. Чтобы сделать жизнь более эффективной, дизайнеры и архитекторы стремились упростить работу по дому.

Великая депрессия в конце 20-х и в течение 30-х годов разочаровала людей в экономической стабильности страны и подорвала утопистское мышление. Вспышка и ужасы Второй мировой войны вызвали дальнейшие изменения в менталитете. Последующий послевоенный период был назван «Поздний модернизм». Постмодернистская эра в целом считалась характерной для искусства конца 20-го века, начиная с 1980-х годов.

Джаз
В начале 20-го века джаз развивался из блюзовой традиции, но также включал множество других музыкальных и культурных элементов. В Новом Орлеане, который часто считается местом рождения джаза, музыканты воспользовались притоком испанских и французских колониальных влияний. В этом городе уникальная этническая культурная смесь и более свободные расовые запреты позволили афроамериканцам больше влияния, чем в других регионах Юга. Испано-американская война привела северных солдат в регион с их группами. В результате музыка приняла звуки из новых латунных инструментов. Во время Великой Миграции джаз распространился из Нового Орлеана в Нью-Йорк, Чикаго и другие города, включая новые звуки на этом пути. Гарлем, Нью-Йорк, стал новым центром джазового возраста.

Джаз — музыка интеграции
Джазовая музыка, как центральный элемент американской культуры, имеет свои корни в культуре черных рабов. Музыка объединила элементы из африканских моделей вызова и ответа в инструменты и риффы. Вначале джаз критиковали части белого населения, которые считали, что ритмы джаза и рэгтайма были «диким крахом и ударом», и очерняли жанр как продукт «не новаторов, а некомпетентных». Его выразительный и пульсирующий стиль первоначально служил расовым стереотипам в общественном сознании и широко встречался с скептическим отказом. Несмотря на это явление враждебности к растущему черному культурному значению, американский писатель Лоуренс У. Левин интерпретирует роль джаза как катализатора смещающегося национального сознания:

В культурном плане мы оставались в гораздо большей степени, чем мы еще признали, колонизированный народ, пытающийся определить себя в тени прежней имперской власти. Джаз был выражением той другой стороны нас, которая стремилась признать позитивные аспекты нашей новизны и нашей гетерогенности; которые научились быть в курсе того факта, что значительная часть нашего наследия получена из Африки и других неевропейских источников; и это признавалось в различных синкретизированных культурах, которые стали настолько характерными для Соединенных Штатов, что это была неловкая слабость, но динамический источник силы.

В конце концов, именно джаз стремился к культурной конвергенции между черными и белыми; по словам саксофониста Сонни Роллинза, «Джаз всегда был музыкой интеграции». В 1920-х и 1930-х годах джаз значительно вырос в популярности и вызвал растущий интерес к молодым белым, которых привлекала художественная, личная, а также культурная свобода выражения, которую могла предложить новая музыкальная форма. Известные белые музыканты, такие как Бенни Гудман, Джин Крупа, Милтон Мезкруу, Магги Спаньер или Джо Салливан, были вдохновлены афро-американскими значками, такими как Луи Армстронг. Принятие джаза вскоре распространилось по Атлантике, и к середине 20-го века оно стало международным. Сегодня джазовая музыка считается неотъемлемой и яркой частью американской культуры, уникальной родной музыки Америки, всемирного представителя афро-американской культуры.

Джаз как американский
Компиляционная статья, появившаяся в The New York Times в 1923 году, провозгласила джаз: «… вклад Америки в искусство. Он признан во всем мире как часть музыкального фольклора этой страны: он так же основательно и типично американец как доктрина Монро или четвертое июля, или бейсбол ».

Американская самодеятельность начинается с ее корней. Джаз был продуктом афроамериканцев, культурной группы, отличной от Америки. Хотя ранний блюз отчетливо звучал о печалях перемещенных людей, джаз был чем-то другим. Афроамериканский трудный класс, который родил джаз, не был обучен другим белым музыкантам; черные менестрели смогли избежать давления, чтобы «европеизировать» свое искусство. Культура (со столицей C) по существу требовала, чтобы американцы предпочитали, оценивали и повторяли все европейские. Без этих ограничений джаз прогрессировал неизменно. В 1925 году Ирвинг-Берлин назвал джаз «американской народной музыкой» и привел влияние, начиная от «старых южных песен» и «негритянских духов», до «оттенка русских и итальянских народных песен», но Берлин пришел к выводу, что это «типично Американский, прежде всего ». Как и нация, где она была создана, джаз смешивал отдельные этнические и культурные влияния в новый и другой продукт, сочетая элементы черной идентичности с другими иммигрантскими влияниями. Он включал звуки Юга и современные, а также адаптированные элементы из городских горизонтов. Джаз был отчетливо американизирован в том, что он смешивал характер разных народов, но все же позволил индивидууму проявить себя в импровизационном соло и поэтому утверждал «прочный индивидуализм», который уже характеризовал нацию. Кроме того, джаз начал разрушать барьер между исполнителем и аудиторией. Это «демократизированная» культура, которая делает ее доступной для обычного человека.

Джаз как современный
Джаз отличается современным звуком и манерой. По словам Лоуренса Левина, «Джаз был или, казалось, был продуктом нового века … хриплым, несогласным … доступным, спонтанным … открыто интерактивной, основанной на участии музыкой». Дэниел Грегори Мейсон утверждал, что джаз «настолько отлично адаптирован к роботам, что его можно вывести из другого». Таким образом, джаз является точным музыкальным отражением модернистского индустриального капитализма », а джаз также уподобляется звучанию клепки. Ирвинг Берлин назвал джаз «музыкой эпохи машин». Игроки использовали эффекты ежедневного уличного разговора в Гарлеме, а также из французских картин импрессионистов. Импровизированный характер требует от игрока демонтировать и исследовать ранее существовавшую структуру в музыке. Как дань современности джаза, нужно только изучить различные средства массовой информации, которые привлекли влияние музыки. Музыкальный Shuffle Along — одна из самых ранних и успешных джазовых азартных сцен, джазовые балеты появились в столичном театре Нью-Йорка, Langston Hughes и Sterling Brown рисовали стихи из джазовой музыки, которую они переживали, а джазовая музыка окрашивала картины Аарона Дуглас, Мигель Коваррубиас и многие другие.

Изобразительное искусство

Американская модернистская живопись
В Америке нет единой даты начала современной эпохи, так как в начале 20-го века действовали десятки художников. Это было время, когда появились первые кубистские пейзажи, натюрморты и портреты; яркие цвета вошли в палитры живописцев, а первые беспредметные картины были показаны в галереях.

Модернистское движение в годы становления также стало популярным в Нью-Йорке к 1913 году в популярной галерее в Манхэттене в Вильгельмине Вебер Фурлонг (1878-1962) и благодаря работе Студии Уитни-студии в 1918 году. По словам Дэвидсона, начало американской модернистской живописи можно приурочить к 1910-м годам. Ранняя часть периода продолжалась 25 лет и закончилась примерно в 1935 году, когда современное искусство называлось, что Гринберг назвал авангардом.

Оружейная выставка 1913 года в Нью-Йорке показала современную работу европейских художников, а также американцев. Импрессионистские, фовистские и кубистские картины поразили многих американских зрителей, привыкших к более традиционному искусству. Однако, вдохновленные тем, что они видели, многие американские художники были под влиянием радикальных и новых идей.

Начало 20-го века ознаменовалось изучением различных методов и способов художественной выразительности. Многие американские художники, такие как Вильгельмина Вебер, Ман Рэй, Патрик Генри Брюс, Джеральд Мерфи и другие, отправились в Европу, особенно в Париж, чтобы заняться искусством. Формирование различных художественных собраний привело к множественности смысла в изобразительном искусстве. Школа Ашкана собралась вокруг реализма (Роберт Анри или Джордж Лукс); круг Штиглица прославил абстрактные видения Нью-Йорка (Макс Вебер, Авраам Валловиц); цветные художники эволюционировали в направлении красочных абстрактных «синхронностей» (Стэнтон Макдональд-Райт и Морган Рассел), тогда как прецизионность визуализировала индустриализированный ландшафт Америки в форме резкой и динамической геометризации (Джозеф Стелла, Чарльз Шейлер, Мортон Ливингстон Шамберг и Чарльз Демут). В конце концов художники, такие как Чарльз Берчфилд, Марсден Хартли, Стюарт Дэвис, Артур Дов, Джорджия О’Киффе, которого считали матерью американского модернизма, Джона Марина, Артура Бичера Карла, Альфреда Генри Маурера, Эндрю Дасбурга, Джеймса Догерти, Джона Скрытого, Генриетта Шор, Уильям Зорах, Маргарита Томпсон (Зорач), Маниер Доусон, Арнольд Фридман и Оскар Блумнер открыли эпоху модернизма в Нью-Йоркской школе.

Смещение фокуса и множественность предметов в изобразительном искусстве также является отличительной чертой американского модернистского искусства. Так, например, группа The Eight сосредоточила внимание на современном городе и сделала акцент на многообразии разных классов граждан. Два из самых значительных представителей «Восьмого», Роберт Анри и Джон Слоан сделали картины о социальном разнообразии, часто занимая в качестве основного предмета обитателей трущоб в промышленно развитых городах. В конце 1920-х и 1930-х годов (среди многих других) принадлежало два движения в американской живописи, регионализме и социальном реализме. Региональники сосредоточились на красочности американского пейзажа и сложностях сельской жизни, тогда как социальные реалисты перешли в предметы Великой депрессии, бедности и социальной несправедливости. Социальные реалисты протестовали против правительства и истеблишмента, которые казались лицемерными, предвзятыми и безразличными к вопросам человеческого неравенства. Абстракция, пейзаж и музыка были популярными модернистскими темами в первой половине 20-го века. Художники, такие как Чарльз Демут, которые создали свой шедевр, я увидел пятую фигуру в золоте в 1928 году, Мортон Шамберг (1881-1918) и Чарльз Шейлер были тесно связаны с движением Precisionist. Шейлер обычно окрашивал городские пейзажи и индустриальную архитектуру, примером чему является его картина «Канал Амоскеаг 1948 года». Джаз и музыка были импровизационно представлены Стюартом Дэвисом, примером которого является «Горячий стильный образ для шести цветов — 7-й авеню», с 1940 года.

Модернизм преодолел разрыв между искусством и общественностью разнообразной аудитории в США. Все большее число музеев и галерей было нацелено на то, чтобы принести современность широкой общественности. Несмотря на первоначальное сопротивление празднованию прогресса, технологий и городской жизни, визуальные искусства внесли огромный вклад в самосознание и осознание американского народа. Новая модернистская живопись освещала эмоциональные и психические состояния аудитории, что было основополагающим для формирования американской идентичности.

Многочисленные направления американского «модернизма» не привели к единому стилю, но вызвали желание экспериментов и вызовов. Он доказал, что современное искусство выходит за рамки фиксированных принципов.

Основные школы и движения американского модернизма
группа Штиглица
круг Аренсберга
цветные художники
прецизионизм
Независимые
Филадельфийская школа
Независимо от Нью-Йорка
Чикаго и на запад

Модернистская живопись
Грузия О’Киффе, известная как «Мать американского модернизма», была большой фигурой в американском модернизме с 1920-х годов. Она получила широкое признание, чтобы ослабить границы современного американского художественного стиля. В основном она известна картинами цветов, скал, раковин, костей животных и ландшафтов, в которых она синтезировала абстрагирование и представление. Голова Рама Белый Холлихок и Маленькие Холмы, с 1935 года — хорошо известная картина О’Киффе.

Артур Доув использовал широкий спектр средств массовой информации, иногда в нетрадиционных сочетаниях, чтобы создавать свои абстракции и абстрактные пейзажи. Я и Луна с 1937 года являются хорошим примером абстрактного пейзажа Артур Дов и были названы одним из кульминационных произведений его карьеры. Гоув сделал серию экспериментальных коллажей в 1920-х годах. Он также экспериментировал с техникой, сочетая краски, такие как ручное смешанное масло или темперу, над восковой эмульсией.

Афро-американский художник Аарон Дуглас (1899-1979) — один из самых известных и влиятельных афроамериканских художников-модернистов. Его работы внесли большой вклад в развитие эстетического движения, которое тесно связано с особыми особенностями афро-американского наследия и культуры. Дуглас повлиял на афро-американское изобразительное искусство, особенно во время Возрождения Гарлема.

Одной из самых популярных картин Дугласа является «Распятие». Он был опубликован в «Божьих тромбонах» Джеймса Уэлдона Джонсона в 1927 году. Сцена распятия, изображенная на картине, показывает несколько элементов, которые составляют искусство Дугласа: четкое разграничение, изменение теней и света, стилизованные человеческие тела и геометрические фигуры в виде концентрических кругов в отличие от линейных форм. Тема картины напоминает не только библейскую сцену, но также можно рассматривать как намек на афро-американскую религиозную традицию: огромный, темный Иисус несет свой крест, его глаза направлены на небо, из которого свет падает на его последователей. Стилизованные римские солдаты фланкируют сцену своими остроконечными копьями. В результате наблюдателю напоминают, например, афро-американскую евангельскую традицию, а также историю подавления. Бэофорд Делани, Чарльз Алстон, Джейкоб Лоуренс и Ромаре Бирден также были важными афро-американскими художниками-модернистами, которые вдохновляли поколения художников, которые следовали за ними.

Модернистская фотография
В начале американского модернизма фотография все еще пыталась быть признанной как форма искусства. Фотограф Альфред Штиглиц описал это как: «Художники, которые видели мои предыдущие фотографии, начали рассказывать мне, что они завидовали мне, что они чувствовали, что мои фотографии превосходят их картины, но что, к сожалению, фотография не была искусством. Я не мог понять почему художники должны позавидовать мне за мою работу, но на одном дыхании, осудить ее, потому что она была изготовлена ​​машиной ». (Штиглиц: 8). В 1902 году Штиглиц основал группу Фотосекретаря с такими членами, как Эдвард Штейхен, Гертруда Касебье и Кларенс Хадсон Уайт, целью которых было повышение стандарта и повышение осведомленности о художественной фотографии. В этот момент их основным стилем был фотохудожник, который был известен тем, что редактировал фотографии с помощью мягкого фокуса, специальных фильтров или экзотических печатных процессов, чтобы имитировать стиль картин и гравюр того времени. Для средств публикации Штиглиц как движущая сила движения запустил журнал Camera Work, в котором он опубликовал художников, которые, по его мнению, представляли движение. Он также управлял тремя галереями один за другим, а именно «291» (1905-1917), «Интимная галерея» (1925-1929) и «Американское место» (1929-1947). Особенно 291 служил местом встречи для художников и писателей и был первым, кто продемонстрировал ранние модернистские художественные работы европейских художников, таких как Анри Матисс, Огюст Родин, Анри Руссо, Пол Сезанн и Пабло Пикассо в Соединенных Штатах. Еще одна ссылка на европейский авангард была создана Ман Рэем. Рожденный в Америке и вдохновленный работой, которую он видел в галереях Штиглица, Рэй эмигрировал в Париж в 1921 году, а вместе с художниками европейских дада и сюрреалистических движений создали новые фотографические техники, такие как рентгенографические инструменты (размещение предметов непосредственно на фоточувствительной бумаге).

В начале 1920-х годов фотографы двигались к тому, что они называли прямой фотографией. В отличие от пикториалистического стиля, они теперь отвергли любые манипуляции в фотографическом процессе (например, мягкие линзы, специальные разработки или методы печати) и попытались использовать преимущества камеры как уникальной среды для захвата реальности. Предполагалось, что их мотивы выглядят как можно более объективными. Отвлекая внимание от классической портретной живописи и стиля изобразительного искусства, фотографы начали использовать свои картины в качестве средства для представления суровых реалий повседневной жизни, но в то же время пытались найти красоту в деталях или общую эстетическую структуру. Важными мотивами стали машины и заводские работы, скребки и технические инновации. В 1932 году некоторые молодые фотографы (например, Ансель Адамс, Имоген Каннингем, Уиллард Ван Дайк, Эдвард Уэстон) начали группу f / 64 на основе идеалов прямой фотографии, которая стала самой прогрессивной ассоциацией своего времени.

Феминизм, пол и сексуальность

Развитие феминизма
Начиная с начала 19 века некоторые женщины использовали доктрины идеальной женственности, чтобы избежать изоляции внутренней сферы. К 1830-м годам женщины открыто оспаривали сферу женщин и требовали больших политических, экономических и социальных прав. Они сформировали женские клубы и благотворительные общества на всей территории США. Мужское доминирование на общественной арене уже не было приемлемым для многих из этих женщин-активистов среднего класса. Начиная с Конвенции Сенека-Фоллс в 1848 году, американские феминистки проводили государственные и национальные конвенции до начала 20-го века. Некоторые официальные лица феминистского движения связывали феминистское дело со свободной любовью и сексуальной революцией, которые были табуистами эпохи викторианства. Поэтому феминистки как в Британии, так и в Соединенных Штатах сосредоточились на политических и правовых вопросах, в частности голосовании и других важных женских вопросах, касающихся внутренней роли женщин и организации внутренней жизни в целом.

В конце концов, после долгой и упорной борьбы, которая включала массовые, иногда бурные протесты, тюремное заключение многих женщин, и даже некоторые смерти, борьба за избирательное право женщин была выиграна. Закон о избирательном праве был принят в Соединенных Штатах в 1920 году для женщин, которые были домохозяевами или женами домовладельцев, а в 1928 году для всех взрослых женщин. (Афро-американские женщины не были включены, они получили право голоса в Движении за гражданские права 1960-х годов.) Национальная организация женщин (СЕЙЧАС) была основана в 1966 году группой феминисток. Самая крупная женская правозащитная группа в США СЕЙЧАС нацелена на прекращение сексуальной дискриминации, особенно на рабочем месте, посредством законодательного лоббирования, судебных разбирательств и публичных демонстраций. В последующие годы конца 20-го века наблюдалось значительное расширение прав женщин во всех областях современного общества. Модернистские художники проявляли амбивалентное отношение к феминизму: с одной стороны, они выбрали равное отношение к мужчинам и женщинам в отношении права, франшизы и профессий; с другой стороны, у них все еще были проблемы с женскими недостатками с точки зрения биологии, культуры и трансцендентности. Как заявила радикальная феминистка Эмма Голдман, «истинное освобождение начинается ни на избирательных участках, ни в судах [но] в женской душе» (qtd. В Lyon 223).

Пол и сексуальность
Роли пола и сексуальности в американском модернизме были разработаны посредством изучения национальной идентичности и гражданственности, расовой идентичности и расовой политики, странной идентичности и эстетики, культуры журналов, визуальной культуры, рыночной экономики и исторических историй политической современности 20-го века. Огромная работа ученых феминизма, пола и сексуальности помогла перестроить область американской модернистской науки. Женщины-писатели стали предметом обширного литературного исследования. Сообщество геев и лесбиянок было переоценено как образцы современных эстетических экспериментов, а сексуальная идентичность и гендерное образование интерпретировались по-новому.

На рубеже культурной жизни 20-го века произошел переход к дихотомии массовой культуры против высокой культуры, причем прежняя вообще мысль была женственной, а культура — ориентированной на мужчин. Раньше осуждали популярную фикцию, теперь служили феминистской цели. «Это стало основой для защиты нового этапа свободной любви и сопутствующего продвижения контроля над рождаемостью». (Лион 225)

Повседневная жизнь и культура
Модернистское движение вызвало огромные изменения в обществах, в которых оно имело место. С введением индустриальных разработок американский народ начал пользоваться результатами новой эпохи модерна. Повседневная жизнь и культура — это области, отражающие социальные изменения в привычках общества. События, произошедшие с модернизмом, повлияли на стандарты жизни американских людей и уступили место новому стилю жизни.

мода
Обращаясь к моде, обычно можно подумать о стилях одежды или костюмах. Конечно, стиль одежды — очень важная категория слова «мода». С другой стороны, «мода» имеет больше значений и может быть объяснена и найдена во многих других областях, таких как архитектура, тип тела, танец и музыка, и даже формы речи и т. Д.

1. Костюмы
В начале 1920-х годов готовая одежда начала распространять Америку. Больше женщин заработали собственную зарплату и не хотели тратить время на фурнитуру. Мода как символ статуса была не более важной, поскольку классовые различия стали размытыми. Люди, особенно женщины, призывали к недорогой моде. В аспекте массового производства одежды современного стиля для женщин Америка опередила другие страны. Несколько дизайнеров этой моды, в том числе Джейн Дерби, поставили сцену.

Женщины: К 1921 году длинная юбка, которая обычно была длинной и неровной внизу, была устаревшей. Короткая юбка стала популярной к 1925 году. Никакой груди, без талии и волос, почти скрытых под шляпой. Производство косметики также началось с этого десятилетия. Порошок, губная помада, румяна, карандаш для бровей, тени для век, цветные ногти, у женщин были все. Более того, жемчуг также пришел в моду.

Мужчины: В этот период одежда для мужчин была более консервативной. Брюки расширились до 24 дюймов в нижней части. Ножницы, увеличившие ширину и длину, назывались плюс четыре. Летом было популярно белое белье, а зимой в моде было американское пальто — енотовидное пальто. Сутульную шляпу, сделанную из войлока, можно было свернуть и упаковать в чемодан. Они были очень популярны среди мужчин колледжа.

2. Мебель В мире дизайна нет чистого американского современного стиля. Американские современные художники унаследовали стиль, характеризующийся простотой формы, отсутствием декоративного орнамента и сосредоточенными на функциональных проблемах из их прецедентов. В то же время, американские дизайнеры смешивали дикий стиль парижской живописи, а также особенности современной архитектуры в своих произведениях, таких как Art Deco. Более того, дизайнеры также уделяли большое внимание материалам, особенно тем, которые были изобретены в современную эпоху.

Американская модернистская литература
Американская модернистская литература была доминирующей тенденцией в американской литературе между Первой мировой войной и Второй мировой войной. В эпоху модерна были отмечены инновации в форме и языке поэзии и прозы, а также рассматриваются многочисленные современные темы, такие как расовые отношения, пол и состояние человека. В это время многие американские модернисты стали эмигрировать в Европу, часто становясь стойкими в европейском движении, как это было в случае с Э. Элиотом, Эзра Паундом и Гертрудой Штайн. Эти авторы часто назывались «Потерянное поколение».

В качестве реакции на эту тенденцию многие американские авторы и поэты начали тенденцию «нативизма», стремясь представить современный американский опыт в Америке. Значительными участниками этой тенденции являются Уильям Карлос Уильямс, Уоллес Стивенс и Марианна Мур. Эти поэты часто критиковали произведения экспатриантов, таких как Элиот и Паунд, о чем свидетельствуют стихи вроде «Весна и все».

Под влиянием первой мировой войны многие американские писатели-модернисты исследовали психологические раны и духовные шрамы военного опыта. Экономический кризис в Америке в начале 1930-х годов также оставил след в литературе, такой как «The Grapes of Wrath» Джона Стейнбека. Связанная с этим проблема — это потеря самости и потребность в самоопределении, поскольку рабочие исчезли на фоне городской жизни, незаметные винтики внутри машины, стремящейся к самоопределению. Американские модернисты поддержали акцент середины 19-го века на попытку «построить самость» — тему, проиллюстрированную «Великим Гэтсби» Фицджеральда. Безумие и его проявления, похоже, являются еще одной любимой модернистской темой, как видно из «Императора Джонса» Юджина О’Нейла, «Бэттлэя Хемингуэя» и «Вечернее солнце» Фолкнера. Тем не менее, все эти негативные аспекты привели к новым надеждам и устремлениям, а также к поиску нового начала не только для современных людей, но и для вымышленных персонажей в американской модернистской литературе.

Новая критика в Америке
С 1930-х по 1960-е годы новая критика стала критической силой в Соединенных Штатах. Это была самая сильная перспектива в американской литературной критике. Представителями были Джон Кроу Рэнсом, Аллен Тейт, Клеант Брукс, Роберт Пенн Уоррен. «Влиятельные критические методы, разработанные этими поэта-профессорами, подчеркивали обострение навыков чтения. Новая критика позволила оценить поэзию как оправдание литературной науки». Брукс и Поэзия Уоррена (1938) стали одним из самых влиятельных учебников стихов колледжа 1930-х годов и были пересмотрены и переизданы в 1970-х годах. (Морриссон: 29).

Новая критика проявилась в таких произведениях, как стихи Элиота и Йейтса. «Поэзия, которая наилучшим образом соответствует эстетическим критериям новых критиков, была подчеркнута в важных классах, преподающих антологии» (Morrisson: 29). Т. С. Элиот переопределил традицию в своем эссе «Традиция и индивидуальный талант». Он сформулировал такие критические понятия, как «объективная коррелятивность», и переосмыслил литературный канон в своем возвышении драмы Якобеана и метафизической поэзии. Его работа оказала фундаментальное влияние на новую критику в Америке.

Архитектура и космос
Соединенные Штаты сыграли большую роль в движении модернизма в отношении новых передовых технологий строительства и строительства.Среди инноваций в строительстве есть такие материалы, как железо, сталь и железобетон. Бруклинский мост Джоном и Вашингтоном Роблинг (1869-1883) (подробнее см. Джон Роблинг / Вашингтон Роблинг)

Луи Генри Салливан возглавлял так называемую Чикагскую школу архитектуры, которая отличалась технологическим дизайном с современными материалами. Последователь Салливана Фрэнк Ллойд Райт усвоил от своего «господина мастера» (дорогой мастер) немецкую романтическую традицию органической архитектуры. Он разработал новый и оригинальный подход к жилому дизайну до Первой мировой войны, который стал известен как «стиль прерии». Он сочетает открытые принципы планирования с горизонтальным акцентом, асимметричными фасадами и широкими крышами крыши. Робей Хаус в Чикаго (1909) и Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке (1946-59) — это два его оригинальных произведения.

В своих работах Райт все ближе и ближе приближается к земному смыслу естественной формы, используя грубый камень и древесину и всегда направляясь в своих домах, чтобы достичь эффекта интимного и защитного убежища.

Зарубежные архитекторы Ричард Нейтра, Рудольф Шиндлер и Уильям Лесказе в 1920-е годы сыграли большую роль в развитии американской архитектуры, которая позже стала стилем, получившим название международного стиля и отразившимся на дизайне корпоративных офисных зданий после World Война II. В качестве примера этого нового стиля представлены такие здания, как Skidmore, Owings и Lever House (1952) и Seagram Building Lungwig Mies van der Rohe (1956-58) в Нью-Йорке. Когда такие известные европейцы, как Уолтер Гропиус и Людвиг Мис ван дер Роэ, иммигрировали в Соединенных Штатах, многие американские архитектурные школы попали под влияние традиций Баухауза в Германии.