Индийская живопись

Индийская живопись имеет очень давнюю традицию и историю в индийском искусстве. Самые ранние индийские картины были наскальными рисунками доисторических времен, петроглифы, найденные в таких местах, как скальные приюты Бхимбетки, некоторые из скальных картин каменного века, найденные среди скальных приютов Бхимбетки, составляют приблизительно 30 000 лет. Буддийская литература Индии изобилует примерами текстов, в которых описываются дворцы армии и аристократический класс, украшенный картинами, но картины пещеры Аджанты являются наиболее значительными из немногих переживаний. Маломасштабная живопись в рукописях, вероятно, также практиковалась в этот период, хотя самые ранние пережитки происходят из средневекового периода. Живопись Моголов представляла собой сплав персидской миниатюры со старыми индийскими традициями, а с 17-го века ее стиль был распространен среди индийских княжеских дворов всех религий, каждый из которых развивался в местном стиле. Картины художников были сделаны для британских клиентов под британским раджем, который с 19-го века также ввел художественные школы по западным линиям, что привело к современной индийской живописи, которая все чаще возвращается к своим индийским корням.

Индийские картины создают эстетический континуум, который простирается от ранней цивилизации до наших дней. Начиная с того, что вначале было по существу религиозным, индийская живопись эволюционировала на протяжении многих лет, чтобы стать сплавом различных культур и традиций.

Шаданга индийской живописи
Вокруг 1-го века до н.э. были сформированы Шаданга или шесть конечности индийской живописи, серия канонов, излагающая основные принципы искусства. Ватсяяна, живший в третьем веке нашей эры, перечисляет их в своем Камасутре, извлекая их из еще более древних произведений.

Эти «шесть конечности» были переведены следующим образом:

Рупабеда Знание внешности.
Праманам Правильное восприятие, измерение и структура.
Бхава Действие чувств на формы.
Лаванья Йоджанам Внушение благодати, художественное представление.
Садрисям.
Varnikabhanga Художественная манера использования кисти и цветов. (Тагор.)
Последующее развитие живописи буддистами указывает на то, что эти «шесть конечности» были воплощены в жизнь индийскими художниками и являются основными принципами, на которых было основано их искусство.

Жанры индийской живописи
Индийские картины можно широко классифицировать как фрески и миниатюры. Фрески — большие работы, выполненные на стенах твердых сооружений, как в пещерах Аджанты и храме Кайлашнатх. Миниатюрные картины выполнены в очень небольшом масштабе для книг или альбомов на скоропортящемся материале, таком как бумага и ткань. Дворы Бенгалии были пионерами миниатюрной живописи в Индии. Искусство миниатюрной живописи достигло своей славы в период Моголов. Традицию миниатюрных картин выдвигали художники разных школ рисования Раджастхани, такие как Бунди, Кишангарх, Джайпур, Марвар и Мевар. В эту школу также входят картины Рагамала, также как и роспись компании для британских клиентов под британским раджем.

Древнеиндийское искусство увидело появление Бенгальской школы искусств в 1930-х годах, за которой последовало множество форм экспериментов в европейском и индийском стиле. После независимости Индии многие новые жанры искусства были разработаны такими важными художниками, как Джамини Рой, М. Ф. Хусейн, Фрэнсис Ньютон Соуза и Васудео С. Гайтонде. С развитием экономики формы и стили искусства также претерпели много изменений. В 1990-х годах индийская экономика была либерализована и интегрирована в мировую экономику, что привело к свободному распространению культурной информации внутри и снаружи. Художники включают Субодх Гупта, Атул Додия, Деваджоти Рэй, Босе Кришнамачари и Джитиш Кахллат, чьи работы пошли на аукцион на международных рынках. Bharti Dayal решил обработать традиционную живопись Митхилы самым современным способом и создал свой собственный стиль благодаря упражнениям своего воображения, они кажутся свежими и необычными.

Фрески
История индийских фресок начинается в древние и ранние средневековые времена, начиная с 2-го века до нашей эры до 8-10 века нашей эры. В настоящее время известно более 20 мест вокруг Индии, содержащих фрески этого периода, в основном естественные пещеры и каменные камеры. Наивысшими достижениями этого времени являются пещеры Аджанты, Бага, Ситтанавасаляла, Армамалайской пещеры (Тамилнад), Раван Чхайя, убежища Кайласанатхи в пещерах Эллоры.

Фрески из этого периода изображают в основном религиозные темы буддийских, джайнских и индуистских религий. Есть, однако, и места, где были сделаны картины, чтобы украсить мирские помещения, например, старинную театральную комнату в пещере Джогимара и возможный королевский охотничий домик около 7-го века н.э. — убежище Равана Чхайя.

Картина крупномасштабной настенной живописи, которая доминировала на сцене, стала свидетелем появления миниатюрных картин в XI и XII веках. Этот новый стиль фигурировал сначала в виде иллюстраций, выгравированных на рукописях из пальмового листа. Содержание этих рукописей включало литературу о буддизме и джайнизме. В восточной Индии основными центрами художественной и интеллектуальной деятельности буддийской религии были Наланда, Одантапури, Викрамшила и Сомарпура, расположенные в королевстве Пала (Бенгалия и Бихар).

Восточная Индия
В восточной Индии миниатюрная живопись развилась в 10 веке. Эти миниатюры, изображающие буддийские божества и сцены из жизни Будды, были нарисованы на листьях (около 2,25 на 3 дюйма) рукописей пальмовых листьев, а также их деревянных чехлов. Наиболее распространенные буддийские иллюстрированные рукописи включают в себя тексты Астасахастрика Прайнапарамита, Панчаракша, Карандавюха и Калачакра Тантра. Самые ранние сохранившиеся миниатюры встречаются в рукописи Астасахасрии Праджнапарамиты, датированной в шестой регальный год Махипалы (около 993 года), в настоящее время обладание Азиатским обществом, Калькуттой. Этот стиль исчез из Индии в конце XII века.

Средневековая миниатюрная живопись
Миниатюрные картины — это красивые картины ручной работы, которые довольно красочные, но небольшие по размеру. Изюминкой этих картин является сложная и тонкая малярная работа, которая придает им уникальную индивидуальность. Цвета изготовлены вручную, из минералов, овощей, драгоценных камней, индиго, раковин, чистого золота и серебра. Эволюция картин индийских миниатюр началась в Западных Гималаях, около 17 века

Субъекты этих миниатюрных картин относятся к предметам рукописей, в основном религиозных и литературных. Многие картины из санскрита и народной литературы. Речь идет о любовных историях. Некоторые картины из секты Вайшнава индуистской религии, а некоторые — из секты джайн. Картины секты Вайшнава касаются различных случаев жизни Господа Кришны и Гопи. Вайшнавские картины «Гиты Говинды» посвящены Господу Кришне. Картины секты джайнов относятся к джайнистским лордам и религиозным предметам.

Эти картины были созданы на «Таадпатре», что означает лист пальмы и Бумагу. В этот период более ранние рукописи были созданы из листа пальмы, а затем из бумаги.

В этих картинах очень мало человеческих персонажей с лицевой стороны. Большинство человеческих персонажей видны с боковым профилем. Черные глаза, заостренный нос и тонкая талия — вот черты этих картин. Цвет кожи человека — Браун и справедливый. Цвет кожи Господа Кришны — Синий. Цвет волос и глаз черный. У женских персонажей длинные волосы. Человеческие персонажи носили украшения на руке, носу, шее, волосах, талии и лодыжках. Мужчины и женщины носят традиционное индийское платье, тапочки и обувь. Мужчины носят тюрбаны на голове. В этих картинах были расписаны деревья, реки, цветы, птицы, земля, небо, дома, традиционные стулья, подушки, шторы, лампы и человеческие персонажи.

В этих картинах использовались натуральные цвета. Для украшения картин используются черный, красный, белый, коричневый, синий и желтый цвета.

Короли, придворные королей, богатые бизнесмены и религиозные лидеры того времени были промоутерами этих миниатюрных картин.

Художники этих картин были из местного общества. «Ваачхак» был известным художником того времени. Пациенты попытались сделать объект рукописи живым этими фотографиями, чтобы читатели рукописи могли наслаждаться чтением.

Малва, Декан и Яунпур школы живописи
Новая тенденция в рукописной иллюстрации была установлена ​​рукописью Ниматнамы, написанной в Манду, во время правления Насир-шаха (1500-1510). Это представляет собой синтез коренного и покровительственного персидского стиля, хотя именно последний доминировал над рукописями Манду. Был еще один стиль живописи, известный как Лоди Хуладар, который процветал в господстве султаната Северной Индии, простирающемся от Дели до Яунпура.

Стиль миниатюрной живописи, который вначале процветал в суде Бахмани, а затем в судах Ахмаднагара, Биджапура и Голконды, широко известен как Школа живописи Декана. Одна из самых ранних сохранившихся картин представлена ​​в качестве иллюстраций рукописи Тариф-и-Хусейна Шахи (c.1565), которая сейчас находится в Бхарате Итихасе Самшодхака Мандала, Пуна. Около 400 миниатюрных картин найдены в рукописи Нуджум-уль-Улума (Звезды науки) (1570 г.), хранящейся в библиотеке Честер Битти, Дублин.

Живопись Моголов
Живопись Моголов — особый стиль индийской живописи, как правило, ограничиваясь иллюстрациями к книге и выполненными в миниатюрах, которые возникли, развились и сложились в период империи Великих Моголов 16-19 веков.

Картины Моголов были уникальным сочетанием индийского, персидского и исламского стилей. Поскольку короли-могалы хотели визуальных записей о своих деяниях в качестве охотников и завоевателей, их художники сопровождали их в военных экспедициях или государственных миссиях или записывали свое мастерство как животных-убийц или изображали их в великих династических церемониях браков.

Правление Акбара (1556-1605) открыло новую эру в индийской миниатюрной живописи. После того, как он укрепил свою политическую власть, он построил новую столицу в Фатехпуре Сикри, где он собрал художников из Индии и Персии. Он был первым монархом, который основал в Индии ателье под руководством двух персидских художников-художников, Мир Сайед Али и Абдуса Самада. Ранее оба они служили под патронажем Хумаюна в Кабуле и сопровождали его в Индию, когда он вернулся на трон в 1555 году. Было занято более ста живописцев, большинство из которых были индусами из Гуджарата, Гвалиора и Кашмира, которые дали рождение новой школы живописи, широко известной как Школа миниатюрных картин Великих Моголов.

Одним из первых произведений этой миниатюрной школы была серия Хамзанама, которая, по словам историка суда, Бадаюни, была начата в 1567 году и окончена в 1582. Хамзанама, рассказы об Амире Хамзе, дяде Пророка, были проиллюстрированы Мир Саид Али. Картины Хамзанамы имеют большие размеры, 20 х 27 дюймов и окрашены в ткань. Они находятся в персидском стиле сафави. Преобладают яркие красные, синие и зеленые цвета: розовые, эрозионные скалы и растительность, самолеты и цветущая слива и персиковые деревья напоминают Персию. Однако индийские оттенки появляются в более поздних работах, когда нанимались индийские художники.

После него Джахангир поощрял художников рисовать портреты и сцены в драматургах. Его самыми талантливыми портретистами были Устад Мансур, Абул Хасан и Бишандас.

Шах Джахан (1627-1658) продолжил патронаж живописи. Некоторые из известных художников того времени были Мухаммед Факируллах Хан, Мир Хашим, Мухаммад Надир, Бичитр, Читарман, Анупчатар, Манохар и Хонхар.

Аурангзеб не имел вкуса к изобразительному искусству. Из-за отсутствия покровительства художники мигрировали в Хайдарабад в Декан и в индуистские штаты Раджастхан в поисках новых покровителей.

Раджпутская живопись
Раджпутская живопись, стиль индийской живописи, развивалась и процветала, в 18 веке, в королевских судах Раджпутаны, Индия. Каждое королевство Раджпут развивалось в определенном стиле, но с некоторыми общими чертами. Раджпутские картины изображают ряд тем, события эпопей, таких как Рамаяна и Махабхарата, жизнь Кришны, красивые пейзажи и люди. Миниатюры были предпочтительной средой раджпутской живописи, но в нескольких рукописях также были представлены картины Раджпута, а картины были сделаны даже на стенах дворцов, внутренних палат крепостей, бухт, в частности, шеве Шехавати.

Использовались цвета, извлеченные из определенных минералов, растительных источников, раковин и даже полученные путем обработки драгоценных камней, золота и серебра. Подготовка желаемых цветов была длительным процессом, иногда занимающим недели. Использованные кисти были очень хорошими.

Майсурская живопись
Живопись Майсура — важная форма классической южноиндийской живописи, которая возникла в городе Майсур в Карнатаке. Эти картины известны своей элегантностью, приглушенными цветами и вниманием к деталям. Темы для большинства из этих картин — индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали востребованным сувениром во время праздничных мероприятий в Южной Индии.

Процесс создания картины Майсура включает в себя множество этапов. Первый этап включает в себя создание предварительного эскиза изображения на базе. Основание состоит из патронной бумаги, наклеенной на деревянную основу. Пасту из оксида цинка и аравийской камеди изготавливают под названием «гессовая паста». С помощью тонкой кисти все драгоценности и части трона или арки, которые имеют некоторое облегчение, окрашены, чтобы придать слегка приподнятый эффект резьбы. Это позволяет высохнуть. На эту тонкую золотую фольгу наклеивают. Затем оставшуюся часть рисунка рисуют с использованием акварелей. Используются только приглушенные цвета.

Танджорская живопись
Танджорская живопись — важная форма классической южно-индийской живописи, родной для города Танджор в Тамил-Наду. Художественная форма восходит к началу девятнадцатого века, период, в котором доминируют правители Чолы, которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темы для большинства из этих картин — индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали востребованным сувениром во время праздничных мероприятий в Южной Индии.

Процесс создания картины Танджоре включает в себя множество этапов. Первый этап включает в себя создание предварительного эскиза изображения на базе. Основание состоит из ткани, наклеенной на деревянную основу. Затем меловой порошок или оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят его на основание. Чтобы сделать основу более гладкой, иногда используется мягкий абразив. После того, как рисунок сделан, украшение ювелирных изделий и одежды на изображении выполнено из полудрагоценных камней. Кружева или нитки также используются для украшения ювелирных изделий. Кроме того, золотые фольги наклеены. Наконец, красители используются, чтобы добавить цвета к фигурам в картинах.

Картина Кангра
Этот стиль возник в государстве Гюлер, в первой половине 18 века и достиг своего зенита во время правления Махараджи Сансара Чанда Катоха.

Мадхубани
Живопись Мадхубани — это стиль живописи, практикуемый в регионе Митхила штата Бихар. Темы вращаются вокруг индуистских богов и мифологии, а также сцены из королевского двора и социальных мероприятий, таких как свадьбы. Как правило, пустое место не остается пустым; пробелы заполнены картинами цветов, животных, птиц и даже геометрическими рисунками. В этих картинах художники используют листья, травы и цветы, чтобы сделать цвет, который используется для рисования картин.

Pattachitra
Паттахитра относится к классической живописи Западной Бенгалии и Одиши в восточном регионе Индии. «Патта» на санскрите означает «Вастра» или «одежда», а «читра» — картины.

Бенгальский Патахитра относится к живописи Западной Бенгалии. Это традиционное и мифологическое наследие Западной Бенгалии. Бенгальский Патахитра разделен на несколько различных аспектов, таких как Дурга Пэт, Хальчитра, Племенной Патахитра, Мединипур Патахитра, Калигат Патахитра и т. Д. Предмет Бенгальской Патахитры — в основном мифологические, религиозные истории, фольклорные и социальные. Калигат Патахитра, последняя традиция Бенгальской Патахитры, разработана Джамини Роем. Художник Бенгальской Патахитры называется Патуа.

Традиция Ориши Паттахитра тесно связана с поклонением Господу Джаганнатху. Помимо фрагментарных свидетельств росписей в пещерах Хандагири и Удайагири и ситабхиндзиских фресок шестого века нашей эры, самые ранние местные картины из Одиши — это Паттачитра, сделанная Читракарами (художники называются Читракарами). Тема рисования Орией вокруг секты Вайшнава. С начала культуры Паттахитры Господь Джаганнатх, который был воплощением Господа Кришны, был основным источником вдохновения. Тема Патта-Читры — это в основном мифологические, религиозные истории и народные знания. Темы в основном посвящены лорду Джаганнатху и Радха-Кришне, различным «Весам» Джаганнатха, Балабхадры и Субхадры, храмовым действиям, десяти воплощениям Вишну на основе «Гиты Говинды» Джаядева, Кама Куджары Набы Ганджары, Рамаяны, Махабхараты. Отдельные картины богов и богинь также окрашиваются. Художники используют растительные и минеральные цвета, не выходя за фабричные цвета плаката. Они готовят свои собственные цвета. Белый цвет производится из раковин-оболочек путем напыления, кипения и фильтрации в очень опасном процессе. Это требует большого терпения. Но этот процесс дает блеск и преданность оттенку. «Хингула», минеральный цвет, используется для красного. «Харитала», король каменных ингредиентов для желтого, «Рамараджа» используется для индиго для синего. Используются чистая лампа-черная или черная, приготовленная при сжигании кокосовых орехов. Щетки, которые используются этими «Читракарами», также являются коренными и сделаны из волос домашних животных. Куча волос, привязанная к концу бамбуковой палочки, делает кисть. На самом деле удивительно, как эти художники выстраивают линии такой точности и отделки с помощью этих сырых кистей. Эта старая традиция живописи Ории до сих пор сохранилась в искусных руках Читракараса (традиционных живописцев) в Пури, Рагхураджпуре, Паралакемунди, Чикити и Сонепуре.

Бенгальская школа
Бенгальская школа искусств была влиятельным стилем искусства, который процветал в Индии во времена Британского Раджа в начале 20-го века. Это было связано с индийским национализмом, но также поддерживалось и поддерживалось многими британскими администраторами искусств.

Бенгальская школа возникла как авангард и националистическое движение, реагирующее на стили академического искусства, ранее продвигавшиеся в Индии, как индийскими художниками, такими как Рави Варма, так и в британских художественных школах. После широко распространенного влияния индийских духовных идей на Западе британский учитель искусства Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств, поощряя учеников подражать миниатюрам Моголов. Это вызвало огромные споры, что привело к забастовке со стороны студентов и жалобы местной прессы, в том числе от националистов, считавших это регрессивным шагом. Гавел поддержал художник Абаниндранат Тагор, племянник поэта Рабиндраната Тагора. Тагор написал ряд работ под влиянием искусства Моголов, стиль, который он и Гавел считали выразительными в отношении отдельных духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Самая известная живопись Абаниндраната Тагора, Бхарат Мата (Мать Индия), изображала молодую женщину, изображаемую четырьмя руками в образе индуистских божеств, держащих объекты, символизирующие национальные устремления Индии. Позднее Тагор попытался наладить связи с дальневосточными художниками в рамках стремления построить пан-азиатскую модель искусства. Те, кто ассоциировался с этой моделью Индо-Дальнего Востока, включали Нандалал Бозе, Мукул Дей, Калипаду Гошал, Беноде Бехари Мукерджи, Винаяка Шиварама Мазоджи, Бона Саньяла, Беохара Рамманохара Синьху, а затем их учеников А. Рамачандрана, Тан Юань Чамели, Рамананду Бандопадхай и нескольких другие.

Влияние Бенгальской школы на индийскую художественную сцену постепенно начало ослабевать с распространением постмодернистских идей. КГ Субраманян играет важную роль в этом движении. Сегодня Академия искусств имени Реднова в Банкуре, Индия, также известна художественной академией, созданной художником Аширлялом.

Контекстуальный модернизм
Термин «Контекстуальный модернизм», который использовал Шива Кумар в каталоге выставки, стал постколониальным критическим инструментом в понимании искусства, которое практиковали художники-сантиникеты.

Несколько терминов, включая противостоящую культуру современности Пола Гилроя и колониальную современность Тани Барлоу, были использованы для описания такого альтернативного модернизма, который возник в неевропейских контекстах. Профессор Галл утверждает, что «контекстуальный модернизм» является более подходящим термином, поскольку «колониальный колониальный модернизм не учитывает отказ многих в колонизированных ситуациях интернализировать неполноценность. Отказ учителей художника Сантиникетана заключался в встречном видении современности, который стремился исправить расовый и культурный эссенциализм, который управлял и характеризовал имперскую западную современность и модернизм. Те европейские современности, которые проецировались через триумфальную британскую колониальную власть, спровоцировали националистические реакции, одинаково проблематичные, когда они включали сходные аспекты ».

По словам Р. Шивы Кумара «Художники Сантиникета были одним из первых, кто сознательно оспаривал эту идею модернизма, отказавшись от интернационалистического модернизма и историцизма и попытался создать контекстно-чувствительный модернизм». Он изучал работу мастеров сантиникетов и думал о своем подходе к искусству с начала 80-х годов. По словам Шивы Кумара, практика включения Нандалала Босе, Рабиндраната Тагора, Рама Кинкера Байя и Бенода Бехари Мукерджи под Бенгальскую школу искусств была введена в заблуждение. Это произошло потому, что ранние авторы руководствуются генеалогиями ученичества, а не их стилями, мировоззрением и перспективами художественной практики.

Литературный критик Ранджит Хоскоте, рассматривая работы современного художника Атула Додиа, пишет: «Воздействие Сантинкетана через литературный обход открыл глаза Додии на исторические обстоятельства того, что искусствовед Р. Шива Кумар назвал« контекстуальным модернизмом », разработанным в Восточной Индии в 1930-х и 40-х годах в бурные десятилетия глобальной депрессии, освободительной борьбы Гандиха, культурного возрождения в Тагоре и Второй мировой войны ».

Контекстуальный модернизм в недавнем прошлом нашел свое применение в других смежных областях исследований, особенно в архитектуре.

Народная индийская живопись
Народное искусство — это искусство живое (современное искусство), основанное на прошлом (мифы, традиции и религия) и сделанное определенными группами. Народное искусство основано на коллективной памяти этой группы.

Примеры народной индийской живописи:

Племенная живопись:
Живопись Бхиля
Картина Варли
Гондовочная живопись
Картина Сантхала
Живопись Saora
Картина Курумбы

Сельская живопись:
Картина Паттахитра
Мадхубани
Картина Каламкари
Живопись Колама
Картина Калама
Картины Манданы

Современная индийская живопись
В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, который использовал западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, такие как Джамини Рой, сознательно черпали вдохновение из народного искусства. Барти Дейал решил использовать традиционную живопись Митхилы самым современным способом и использует как реализм, так и абстракционизм в своей работе с множеством фантазий, смешанных с ними. безупречное чувство равновесия, гармонии и благодати.

Ко времени Независимости в 1947 году несколько индийских школ искусств обеспечили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно показывает влияние западных стилей, но часто вдохновлено индийскими темами и изображениями. Крупные художники начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также среди неиндийских зрителей.

Группа прогрессивных художников, созданная вскоре после того, как Индия стала независимой в 1947 году, была нацелена на создание новых способов выражения Индии в постколониальную эпоху. Учредителями были шесть выдающихся художников — К. Х. Ара, С. К. Бакр, Г. А. Гаде, М. Ф. Хусейн, С. Р. Раза и Ф. Н. Соуза, хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала глубокое влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все индийские крупные художники в 1950-х годах были связаны с группой. Некоторые из тех, кто хорошо известен сегодня, — Бэл Чабда, Маниши Дей, В.С. Гайтонд, Кришен Ханна, Рам Кумар, Тайб Мехта, Беохар Рамманохар Синха и Акбар Падамзее. Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта, Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс и Биджон Чудхури обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконой современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна, также упомянули о тех работах современных художников, которые отражают индийский дух.

Кроме того, увеличение дискурса об индийском искусстве на английском языке, а также на народных языках Индии, означало, что искусство воспринималось в художественных школах. Критический подход стал строгим, критики, такие как Гита Капур, R. Шива Кумар, способствовал переосмыслению современной художественной практики в Индии. Их голоса представляли индийское искусство не только в Индии, но и во всем мире. Критики также сыграли важную роль в качестве кураторов важных выставок, переориентации модернизма и индийского искусства.

Индийское искусство получило импульс экономической либерализации страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей начали приносить разнообразные стили работы. Таким образом, после либерализации индийское искусство работает не только в рамках академических традиций, но и вне его. На этом этапе художники представили еще более новые концепции, которые до сих пор не были замечены в индийском искусстве. Devajyoti Ray представила новый жанр искусства под названием Pseudorealism. Pseudorealist Art — это оригинальный стиль искусства, который был полностью разработан на индийской земле. Псевдореализм учитывает индийскую концепцию абстракции и использует ее, чтобы превратить обычные сцены индийской жизни в фантастические образы.

В пост-либерализации Индии многие художники зарекомендовали себя на международном арт-рынке, таком как Аниш Капур и Чинтан, чьи мамонтовые произведения привлекли внимание к их огромным размерам. Многие художественные здания и галереи также открылись в США и Европе, чтобы продемонстрировать индийские произведения. Некоторые художники, такие как химан дэнги (художник, гравюре) Бхупат Дуди, Субодх Гупта, Пиу Саркар, Вагарам Чоудхари, Амитава Сенгупта и многие другие совершили магию во всем мире. Чхайя Гош — талантливый художник и довольно активен в галерее Triveni Art Gallery, Нью-Дели.