Фигурный рисунок представляет собой рисунок человеческой формы в любой из его различных форм и позы с использованием любого из рисованных носителей. Этот термин также может относиться к акту создания такого чертежа. Степень представления может варьироваться от очень подробных, анатомически правильных визуализаций до свободных и выразительных эскизов. «Жизненный рисунок» — это рисунок человеческой фигуры из наблюдения живой модели. Рисунок рисунка может быть составленным произведением искусства или рисунком, выполненным для подготовки к более законченной работе, такой как живопись. Рисунок рисунка, возможно, является самым сложным предметом, с которым обычно сталкивается художник, и целые курсы посвящены теме. Человеческая фигура — одна из самых прочных тем в изобразительном искусстве, и человеческая фигура может быть основой портрета, иллюстрации, скульптуры, медицинской иллюстрации и других областей.
Художники используют различные подходы к рисованию человеческой фигуры. Они могут рисовать из живых моделей или с фотографий, скелетных моделей или из памяти и воображения. В большинстве случаев основное внимание уделяется использованию моделей в курсах «рисования жизни». Использование фотографической ссылки, хотя и общепринятой с момента разработки фотографии, часто критикуется или обескураживается за ее тенденцию создавать «плоские» образы, которые не могут фиксировать динамические аспекты предмета. Опираясь на воображение, часто хвалили за выразительность, которую он поощрял, и критиковали за неточности, вызванные отсутствием знаний художника или ограниченной памятью при визуализации человеческой фигуры; опыт художника с другими методами оказывает большое влияние на эффективность такого подхода.
При разработке изображения некоторые художники сосредотачиваются на формах, созданных взаимодействием светлых и темных значений на поверхностях тела. Другие используют анатомический подход, начиная с аппроксимации внутреннего скелета фигуры, накладывая внутренние органы и мускулатуру и покрывая эти формы кожей, и, наконец, (если применимо) одежду; в этой технике обычно участвует исследование внутренней анатомии человека. Другой подход заключается в том, чтобы свободно строить тело из геометрических форм, например, сферы для черепа, цилиндра для туловища и т. Д., Затем дорабатывать эти формы, чтобы более точно напоминать человеческую форму.
Для тех, кто работает без визуальной ссылки (или как средство проверки своей работы), пропорции, обычно рекомендуемые на рисунке:
Средний человек обычно имеет 7 и половину головы (включая голову). Это можно проиллюстрировать учащимся в классе, используя бумажные тарелки, чтобы визуально продемонстрировать длину их тел.
Идеальная фигура, используемая для впечатления благородства или благодати, рисуется на высоте 8 голов.
Героическая фигура, используемая при описании богов и супергероев, составляет восемь с половиной голов. Большая часть дополнительной длины исходит из более крупного сундука и более длинных ног.
Обратите внимание, что эти пропорции наиболее полезны для стоячей модели. Позы, которые вводят ракурс различных частей тела, будут заставлять их отличаться.
Французский салон в XIX веке рекомендовал использовать карандаши Conté, которые представляют собой палочки из воска, масла и пигмента в сочетании с специально разработанной бумагой. Erasure не разрешалось; вместо этого художник должен был описать фигуру легкими штрихами, прежде чем сделать более темные, более заметные отметки.
Популярной современной техникой является использование древесного угля, приготовленного из специальных лоз, и более грубая форма бумаги. Древесный уголь слабо прилипает к бумаге, что позволяет очень легко стирать, но окончательный рисунок можно сохранить с помощью насадки «фиксатор», чтобы не допустить отгорания древесного угля. Сжатый углеродистый углерод может производить более преднамеренный и точный эффект, а градуированные тоны могут быть получены путем смазывания пальцами или с помощью цилиндрического бумажного инструмента, называемого культи.
Графитовый карандаш также широко используется для рисования фигур. Для этого карандаши художников продаются в различных рецептурах: от 9B (очень мягкий) до 1B (средний мягкий) и от 1H (средний уровень) до 9H (очень жесткий). Как древесный уголь, его можно стереть и обработать, используя пень.
Чернила — еще один популярный носитель. Художник часто начнет с графитового карандаша, чтобы набросать или нарисовать чертеж, а затем окончательную работу линии с помощью пера или кисти с постоянными чернилами. Чернила могут быть разбавлены водой для получения градаций, метод, называемый чернильной мойкой. Значки карандашей могут быть удалены после нанесения чернил или оставлены на месте с темными чернилами, которые их подавляют.
Некоторые художники рисуют непосредственно чернилами без подготовки карандашного эскиза, предпочитая спонтанность этого подхода, несмотря на то, что он ограничивает способность исправлять ошибки. Матисс, как известно, работал таким образом.
Предпочтительным методом Ватто и других художников XVII и XVIII веков эпохи барокко и рококо было начать с цветной тональности на полпути между белым и черным и добавить оттенок в черном и выделить белые, используя ручку и чернила или «карандаш».
Человеческая фигура была предметом рисунков с доисторических времен. В то время как студийные практики художников древности в значительной степени являются предметом догадки, которые они часто рисуют и моделируют из обнаженных моделей, предлагается анатомической изощренностью их произведений. Анекдот, связанный с Плинием, описывает, как Цзюйси рассмотрел молодых женщин Агригентума голым, прежде чем выбрать пять функций, которые он объединил бы, чтобы нарисовать идеальный образ. Использование обнаженных моделей в мастерской средневекового художника подразумевается в трудах Ценнино Ценнини, а рукопись Виарда де Хоннекур подтверждает, что набросок из жизни был установившейся практикой в 13 веке. Карраччи, открывший свою Академию degli Incamminati в Болонье в 1580-х годах, установил образец для более поздних художественных школ, заставив жизнь рисовать центральную дисциплину. Курс обучения начался с копирования гравюр, затем перешел к рисованию из гипсовых слепок, после чего ученики обучались рисованию из живой модели.
В конце 18-го века ученики студии Жака-Луи Дэвида следовали строгой программе обучения. Мастерство рисования считалось необходимым условием для рисования. Около шести часов каждый день студенты рисовали модель, которая оставалась в одной позе в течение одной недели. До конца 19 века женщины, как правило, не допускались к рисованию.
Академическая фигура — это рисунок, живопись или скульптура буквальным образом, обнаженного человеческого тела с использованием живой модели, как правило, при половинном размере жизни.
Это обычное упражнение, необходимое студентам в художественных школах и академиях, как в прошлом, так и настоящем, отсюда и название.
Исторические отчеты показывают, что обнаженные модели для начинающих женщин-художников были в основном недоступны. Женщинам запрещалось от некоторых учреждений, потому что считалось им неправильным и, возможно, даже опасным для них учиться с обнаженных моделей. Хотя мужчинам был предоставлен доступ как к мужчинам, так и к женщинам, женщины ограничивались изучением анатомии из бросков и моделей. Только в 1893 году женщинам-студентам был предоставлен доступ к рисованию жизни в Королевской академии в Лондоне, и даже тогда модель должна была быть частично драпирована.
Ограниченный доступ к обнаженным фигурам затруднял карьеру и развитие женщин-художников. Самые престижные формы живописи требовали глубокого знания анатомии, которую систематически отрицали женщины, которые были тем самым отнесены к менее известным формам живописи, таким как жанр, натюрморт, пейзаж и портреты. В эссе Линды Нохлин «Почему нет великих женщин-художников» она определяет ограниченный доступ, который женщины должны были обнажить фигурой, как исторически значимый барьер для художественного развития женщин.
Команда рисования чертежа является элементом большинства программ изобразительного искусства и иллюстраций. В академиях изобразительного искусства в Италии есть scuola libera del nudo («бесплатная школа обнаженной»), которая входит в программу обучения, но также доступна для иностранных студентов. В типичном классе рисования студийного класса студенты сидят вокруг модели либо полукругом, либо полным кругом. У двух учеников нет одинакового взгляда, поэтому их рисунок будет отражать точку зрения уникального местоположения художника относительно модели. Модель часто ставится на стенд, чтобы позволить студентам легче находить беспрепятственный вид. В зависимости от типа позы могут использоваться мебель и / или реквизит. Они обычно включаются в рисунок, в той мере, в какой они видны художнику. Тем не менее, фоны обычно игнорируются, если целью является изучение размещения фигур в среде. Отдельные модели наиболее распространены, но несколько моделей могут использоваться в более сложных классах. Многие студии оборудованы для обеспечения разнообразных осветительных устройств.
Когда преподаются на уровне колледжа, модели рисования фигуры часто (но не всегда) обнажены (кроме небольших украшений или других неприметных предметов). При постановке модели обычно запрашивают, чтобы она оставалась совершенно неподвижной. Из-за трудностей с этим в течение длительного периода времени периодические перерывы для отдыха и / или растяжения модели обычно включаются в более длительные сеансы и более сложные позы.
В начале сеанса рисования рисунка часто запрашивается серия коротких поз в быстрой последовательности. Они называются позами жестов и обычно от одной до трех минут каждый. Жесткий рисунок — это упражнение разминки для многих художников, хотя некоторые художники рисуют жест как первый шаг в каждом рисунке рисунка. Эти широкие штрихи не просто выполняются щелчком запястья, но, используя всю руку для захвата движения модели. Это также помогает сохранить ориентацию художника на модель вместо бумаги. Когда дело доходит до человеческого тела, художники мучительно критичны; пропорции натюрморта не обязательно должны быть идеально подобраны, чтобы выглядеть аутентичными, но даже малейшая ошибка в человеческих пропорциях будет легко обнаружена.
Современные художники могут выбирать преувеличивать или искажать пропорции, чтобы подчеркнуть жест или воспринимаемое настроение позы модели. Результаты можно рассматривать как готовое произведение, выражающее как субъекта, наблюдательный, эмоциональный, так и ответный отклик на опыт рисования фигур художников.
Анатомия — это только первый уровень беспокойства в классах жизни. Рассматриваются также отношения между рисунком и другими аспектами композиции. Баланс композиции становится более важным и, следовательно, более понятным с помощью рисования жизни. Кинестетический ответ художника на позу и то, как это передается через выбор средств массовой информации, является более сложной задачей. Поскольку цель классов рисования рисунков — научиться рисовать людей всех видов, обычно ищут мужские и женские модели всех возрастов, форм и этнических групп, а не выбирают только красивые модели или модели с «идеальными» фигурами. Некоторые инструкторы специально стремятся избегать моделей, предпочитаемых фотографами моды, искать более «реалистичные» примеры и избегать любых последствий сексуальной объективации. Инструкторы могут также поддерживать модели конкретных типов тела на основе уникальных контуров или текстур поверхности, которые они предоставляют. Разнообразие моделей, нанятых, может быть ограничено необходимостью держать их в течение продолжительных периодов времени (устранение беспокойных детей и хрупких пожилых людей), а также проблемы скромности и законности, когда модели представляют собой обнаженные (ограничивающие использование несовершеннолетних).