Римское искусство относится к изобразительному искусству, выполненному в Древнем Риме и на территориях Римской империи. Римское искусство — это искусство, произведенное на территориях древнего Рима, от основания Рима (753 г. до н. Э., Согласно традиционной хронологии, частично подтвержденного археологией) до падения Западной империи (476 г. н.э.). Это действительно взлетело в контакте с греческим искусством, поскольку искусствоведы в шестнадцатом веке критикуют его за подражание и находят новые влияния в регионах, затронутых империей.

Римское искусство включает в себя архитектуру, живопись, скульптуру и мозаику. Предметы роскоши в металлообработке, гравюре на драгоценных камнях, резьбе из слоновой кости и стекле иногда рассматриваются в современных терминах как второстепенные формы римского искусства, хотя это не обязательно было бы так для современников. Скульптура, возможно, считалась высшей формой искусства римлянами, но живопись рисунка также очень высоко ценилась. У этих двух форм был очень контрастный уровень выживания, с очень большим количеством скульптур, сохранившихся примерно с 1-го века до н.э., хотя очень мало до того, но совсем немного живописи осталось, и, вероятно, ничего, что современник не учел бы быть самого высокого качества.

Древнеримская керамика не была предметом роскоши, но огромное количество «прекрасных изделий» в terra sigillata было украшено рельефами, отражающими новейший вкус, и предоставило большой группе людей стильные предметы по очевидно доступной цене. Римские монеты были важным средством пропаганды и сохранились в огромных количествах.

После падения Империи римское искусство продолжается в византийском искусстве и средневековом христианском искусстве. Он сильно повлиял на художников эпохи Возрождения, классицизма и неоклассицизма. Это искусство развивает портреты, мозаики, театры и создает инновации с помощью термальных ванн, бюстов, акведуков и даже триумфальных арок. Римская живопись имеет четыре периода.

Введение
Хотя традиционная точка зрения древних римских художников заключается в том, что они часто заимствовали и копировали греческие прецеденты (большая часть известных на сегодняшний день греческих скульптур представлена ​​в виде римских мраморных копий), более поздний анализ показал, что римское искусство высоко ценится. творческий стилист, в значительной степени опирающийся на греческие модели, но также охватывающий этрусский, местный курсив и даже египетскую визуальную культуру. Стилистическая эклектика и практическое применение являются отличительными чертами римского искусства.

Плиний, самый важный историк Древнего Рима в области искусства, записал, что почти все виды искусства — скульптура, пейзаж, портретная живопись, даже жанровая живопись — были развиты в греческие времена, а в некоторых случаях более развиты, чем в Риме. Хотя очень мало осталось от греческого настенного искусства и портрета, безусловно, греческая скульптура и роспись в вазах подтверждают это. Эти формы вряд ли превзошли римские художники в тонкости дизайна или исполнения. В качестве другого примера утраченного «золотого века» он выделил Пейрайкоса, «мастерство которого превосходит лишь очень немногие … Он рисовал парикмахерские и киоски сапожников, ослов, овощи и тому подобное, и по этой причине пришел к быть названным «художником вульгарных предметов», но эти работы в целом восхитительны, и они были проданы по более высоким ценам, чем величайшие картины многих других художников ». Прилагательное «вульгарный» используется здесь в своем первоначальном определении, что означает «общий».

Греческие предшественники римского искусства были легендарными. В середине 5-го века до нашей эры самыми известными греческими художниками были Полигнотос, известный своими настенными росписями, и Аполлодор, создатель Кьяроскуро. Развитие реалистичной техники приписывают Зевсису и Паррхасию, которые, согласно древнегреческой легенде, когда-то участвовали в бравурной демонстрации своих талантов, самых ранних в истории описаний живописи Тромпель. В скульптуре Скопас, Пракситель, Фидий и Лисипп были выдающимися скульпторами. Похоже, что у римских художников было много древнегреческого искусства для копирования, так как торговля в империи была оживленной во всей империи, и большая часть греческого художественного наследия попала в римское искусство через книги и обучение. Известно, что древнегреческие трактаты по искусству существовали во времена Римской империи, но сейчас они утрачены.

Большое количество римских копий греческого искусства также говорит об уважении римских художников к греческому искусству и, возможно, о его более редком и высоком качестве. Многие из художественных форм и методов, используемых римлянами — такие как высокий и низкий рельеф, отдельно стоящая скульптура, бронзовое литье, искусство вазы, мозаика, камея, искусство монет, изящные украшения и изделия из металла, погребальная скульптура, перспективный рисунок, карикатура, жанровая и портретная живопись, пейзажная живопись, архитектурная скульптура и живопись Тромпа Лейла — все они были разработаны или усовершенствованы древнегреческими художниками. Единственным исключением является римский бюст, который не включает плечи.

Традиционный бюст «голова и плечи» мог иметь этрусскую или раннеримскую форму. Практически все художественные приемы и методы, использованные художниками эпохи Возрождения спустя 1900 лет, были продемонстрированы древнегреческими художниками, с заметными исключениями масляных красок и математически точной перспективы. Где греческие художники высоко ценились в их обществе, большинство римских художников были анонимными и считались торговцами. Там нет записи, как в Древней Греции, о великих мастерах римского искусства, и практически нет подписанных работ. Там, где греки поклонялись эстетическим качествам великого искусства и много писали о художественной теории, римское искусство было более декоративным и показывало статус и богатство, и, очевидно, не являлось предметом для ученых или философов.

Отчасти из-за того, что римские города были намного больше греческих городов-государств по силе и населению и, как правило, менее провинциальными, искусство Древнего Рима имело более широкую, а иногда и более утилитарную цель. Римская культура ассимилировала многие культуры и была по большей части терпимой к путям завоеванных народов. Римское искусство было заказано, выставлено и им принадлежало в гораздо больших количествах, и оно было приспособлено для более широкого использования, чем в греческие времена. Богатые римляне были более материалистичны; они украшали свои стены искусством, а дома — декоративными предметами, а сами украшались изысканными украшениями.

В христианскую эпоху поздней империи, с 350 по 500 год н.э., роспись стен, мозаичные потолочные и напольные работы и погребальная скульптура процветали, тогда как полноразмерные скульптуры в круглой и панельной живописи вымерли, скорее всего по религиозным причинам. Когда Константин перенес столицу империи в Византию (переименованную в Константинополь), римское искусство включило восточные влияния, чтобы произвести византийский стиль поздней империи. Когда Рим был уволен в 5 веке, ремесленники переехали и нашли работу в восточной столице. В церкви Святой Софии в Константинополе было занято около 10 000 рабочих и ремесленников в последнем взрыве римского искусства при императоре Юстиниане (527–565 гг. Н. Э.), Который также распорядился создать знаменитую мозаику базилики Сан-Витале в городе Равенне. ,

Социология художников

Спонсоры в центре внимания
Римское общество никогда не знало событий, которые извлекли выгоду из V века до нашей эры. Н.э., греческие художники. Лучшие из них были признаны при жизни, они оставили известные произведения и прикрепили свои имена к своим достижениям. В своей «Естественной истории», в частности в книге XXXV, Плиний Старший цитирует десятки имен художников, классифицирует их по школам, различает их оригинальность и рассказывает анекдоты о них. Это почти исключительно греческие художники, за исключением Фабия Пиктора и Пакувия. Неопределенность, нависшая над первым, показательна: cognomen «pictor» означает «живописец», но это характерно для семьи высоких римских магистратов III века до нашей эры. Фабиус Пиктор — художник или магистрат, написавший Храм Салуса? Текст Плиния прекрасно показывает, что

Искусство говорить
Эта анонимность, очевидно, не из-за посредственности римских художников. Это следует искать в культурных, социальных и исторических причин. Первая из этих причин заключается в том, что для римлян литература — это первое из искусств перед любыми пластическими достижениями, какими бы красивыми они ни были. Обучение молодых римлян — это прежде всего изучение языка, речи, мышления и арифметики. Этот вкус к языку проистекает из места, занимаемого политикой среди элиты: вы строите свою карьеру, зная, как говорить, умолять, спорить, даже на поле битвы (знаменитый харанг или adlocutio). Если так много статуй, в том числе погребальных статуй Капсы, содержащих продолжение их речи, то речь идет о ораторском искусстве, а также музыкальном, но это почти то же самое, что считается на высоте гения.

Относительно скромный статус
В римском обществе слово «художник» не имеет такого же значения, как сегодня, оно означает больше «ремесленник», чем «создатель». Привычка копировать знаменитые модели, уже широко распространенные в эллинистическом греческом искусстве и используемые римскими художниками / ремесленниками, запутывает воду. Хотя это никогда не являются идентичными копиями, а скорее адаптациями или даже вариациями вокруг основной работы, этот подход, сделанный в античности, помог снизить статус мастера / художника, чье свободное выражение, очевидно, уничтожено. Наконец, художественная рефлексия, интеллектуальная и чувствительная работа, которые характеризуют художника сегодня, часто доставляли удовольствие, но вовсе не требовались.

Таким образом, произведение искусства в современном понимании было только произведением с низкой добавленной стоимостью, которое стоило немногим больше, чем материалы, из которых его изготовил фабер. Поэтому труд был недорогим. Она служила только для самых низких задач, которые нельзя назвать «художественными». Художник / ремесленник, с другой стороны, иногда был свободным человеком, часто свободным человеком, очень часто иностранцем. В I веке до нашей эры. Н.э., у нас есть примеры художников, которые прибыли в Рим в качестве военнопленных. В 301 году живописец parietarius, художник больших поверхностей стен, зарабатывает, в дополнение к своей еде, 75 динариев; художник-воображатель, художник сложных сцен, зарабатывает при тех же условиях 150 динариев; мозаик, который делает полы, зарабатывает 50 денье, мозаик из хранилищ или стен — 60 денье. Мраморный портной (скульптор?) Зарабатывает 60 динариев. Плотник зарабатывает 50 динариев, как слесарь, пекарь, шофурнье, красильщик. Все это не имеет ничего общего с профессором публичных выступлений (250 динариев) или адвокатом, который признает судебный процесс (1000 динариев).

Однако несомненно, что клиенты очень хорошо выделяли лучших художников и наименее одаренных. Их окружала определенная репутация, мода была благоприятной или нет, а их услуги могли достигать высоких цен. Очевидно, имперское окружение прибегало к лучшим. Иногда они ставили свои подписи на своих произведениях эллинистическим образом. Это касается Марцелла из Лувра, погребальной портретной статуи племянника и зятя Августа Маркуса Клавдия Марцелла. Огромное качество этой работы не оставляет сомнений относительно близости его спонсора к императору. Животное не является его атрибутом. Это скорее было бы связано с Венерой, чьи Юлии утверждают, что являются потомками. Поэтому это было бы символическим напоминанием об их родстве с божественностью и признаком законности. На панцире мы читаем по-гречески:

Адаптироваться к окружающей среде
за исключением похоронного сектора, искусство пластика прежде всего рассматривается как украшение, украшение. Переписка Цицерона показывает это очень хорошо: речь идет не о том, чтобы принести статуи лучших афинских мастеров, чтобы восхищаться ими, а о том, чтобы украсить его палитру. Постановка и макет имеют важное значение. Создается впечатление, что римская точка зрения на искусство — это точка зрения архитектора. Археологические открытия (например, в Бавее, на севере) показывают, что спонсоры не стесняются финансировать статуи, скопированные с греческих шедевров, для формирования неожиданных группировок (но не лишенных смысла) или даже для создания групп, задуманных как единицы — такие как приглашение к танцу, известному на монетах Кизика II века до нашей эры. Н.э. — намерены украсить место, не оставляя места для новых смыслов.

Экономические факторы
Еще один фактор препятствует появлению сильных художественных деятелей, особенно это заметно в скульптуре: кажется, что в Риме больше, чем в Греции, разделение труда в мастерских было доведено до крайности. В течение долгого времени мы знали, что обвинение в лепке лица из мрамора и в лепке тела в тоге очень редко может падать на одну и ту же руку, как ясно показывает Август на Виа Лабикана. Но даже кажется, что уход за лепкой волос был зарезервирован для менее одаренных или более специализированных рук. Не уверен, что Гораций преувеличивает в своем «Послании пенисам», когда он пишет: «Рядом с Эмильским цирком только один художник будет знать, как делать ногти, и подражать в бронзе податливости волос, несчастному совершенству искусства Потому что он никогда не сможет сделать целое.

Это разделение труда идет рука об руку с практикой, зарисованной в эллинистические времена, но широко использовавшейся в империи: практика изготовления голов путем соединения нескольких кусков мрамора — обычно лица, крышки черепа и затылка — клееного или врезного все вместе. Речь идет о том, если один из выступающих совершает ошибку, имея возможность легко «починить», чтобы максимально сэкономить сырье, которое имеет большой вес в себестоимости из-за малости руки произведения искусства.

Бесплатная и доступная художественная продукция
В заключение можно задаться вопросом, не было ли уничтожение художников, стоящих за их клиентами, шансом римского искусства. Во-первых, оно позволило реально обобщить искусство, не имея возможности говорить о «демократизации». Несомненно, что даже в самых отдаленных провинциях, даже в кругах, чуждых финансовой или интеллектуальной элите, искусство не считается зарезервированным для привилегированной категории населения. В дополнение к существованию «галерей», открытых для публики (таких как Atrium Libertatis), скромные резиденции, даже подвалы, часто украшались фресками.

С другой стороны, многообразие клиентуры и тот факт, что они мало интересовались собственно художественными вопросами, безусловно, увеличили пределы свободы художника / ремесленника. Изобретательность, разнообразие и непосредственность римского искусства зависели от этой ситуации. Мы можем предположить, что край клиентуры мало заботился о более или менее академическом характере сцены, вылепленной на фронте саркофага. Если ей понравилась типология (сцены охоты, произведения Геракла, колледж муз …), она не стремилась увидеть или критиковать новшества, мелкие детали, стилистические штрихи, которые делают очарование многих рельефов, многих фресок. и мозаики, много серебряных ваз.

Картина
Из огромного массива римской живописи у нас теперь очень мало очагов выживания, причем многие документированные типы вообще не сохранились или делают это только с самого конца периода. Самый известный и самый важный карман — это настенные росписи из Помпей, Геркуланума и других близлежащих мест, которые показывают, как жители богатого морского курорта украшали свои стены за столетие или около того до рокового извержения Везувия в 79 году нашей эры. Последовательность устаревших стилей была определена и проанализирована современными искусствоведами, начиная с Августа Мау, показывая растущую сложность и изощренность.

Начиная с 3-го века нашей эры и заканчивая примерно 400 годами, у нас есть большое количество картин из катакомб Рима, отнюдь не всех христианских, показывающих более позднее продолжение внутренней декоративной традиции в версии, адаптированной — вероятно, не очень адаптированной — для использовать в погребальных камерах, что, вероятно, было более скромной социальной средой, чем самые большие дома в Помпеях. Большая часть дворца Нерона в Риме, Domus Aurea, сохранилась как гроты и дает нам примеры, которые, как мы можем быть уверены, представляют собой самое прекрасное качество настенной живописи в своем стиле, и которые, возможно, вполне представляли значительные инновации в стиле. Существует ряд других частей расписных комнат, сохранившихся до наших дней в Риме и других местах, что несколько помогает заполнить пробелы в наших знаниях о росписи стен. Из римского Египта существует большое количество так называемых портретов мумии Фаюм, портретов бюстов на дереве, добавленных к мумии романизированным средним классом; несмотря на их очень отчетливый местный характер, они, вероятно, широко представляют римский стиль в нарисованных портретах, которые в противном случае полностью утрачены.

Ничего не осталось от греческих картин, импортированных в Рим в течение 4-го и 5-го веков, или от росписи по дереву, выполненной в Италии в этот период. В целом, диапазон образцов ограничен только примерно 200 годами из примерно 900 лет римской истории и провинциальной и декоративной живописи. Большая часть этой настенной росписи была сделана с использованием метода secco («сухой»), но некоторые фрески также существовали в римские времена. Мозаика и несколько надписей свидетельствуют о том, что некоторые римские картины были адаптациями или копиями более ранних греческих произведений. Тем не менее, к этой путанице добавляется тот факт, что надписи могут записывать имена иммигрантов греческих художников римских времен, а не из древнегреческих оригиналов, которые были скопированы. Римлянам совершенно не хватало традиции образной росписи ваз, сравнимой с традицией древних греков,

Разнообразие предметов
Римская живопись предлагает широкий спектр тем: животные, натюрморты, сцены из повседневной жизни, портреты и некоторые мифологические сюжеты. В течение эллинистического периода он вызывал радости сельской местности и представлял сцены пастухов, стад, деревенских храмов, сельских горных ландшафтов и загородных домов. Эротические сцены также относительно распространены. В поздней империи, после 200 г. н.э., на стенах катакомб сохранились раннехристианские сюжеты, смешанные с языческими образами.

Пейзаж и перспективы
Главным новшеством римской живописи по сравнению с греческим искусством было развитие пейзажей, в частности, с использованием методов перспективы, хотя истинная математическая перспектива появилась через 1500 лет. Текстуры поверхности, затенение и окраска хорошо применяются, но масштаб и пространственная глубина все еще не были точно отображены. Некоторые пейзажи были чистыми пейзажами природы, особенно сады с цветами и деревьями, в то время как другие были архитектурными перспективами, изображающими городские здания. Другие пейзажи показывают эпизоды из мифологии, самые известные демонстрационные сцены из Одиссеи.

В традиционном представлении искусство древнего Востока знало бы, что пейзажная живопись является лишь фоном для гражданских или военных сюжетов. Эту теорию защищает Франц Викхофф, дискуссионный. Можно увидеть свидетельство греческого знания пейзажного изображения в Крите Платона (107b – 108b):
… и если мы посмотрим на портреты божественных и человеческих тел, выполненные художниками, с точки зрения легкости или сложности, с которой им удается подражать своим подданным в глазах зрителей, мы прежде всего заметим, что Что касается земли, гор, рек, лесов и всего неба, с тем, что существует и движется в них, мы довольны, если человек способен изобразить их даже с небольшой степенью сходства …

Натюрморт
Римские предметы натюрморта часто помещаются в иллюзионистские ниши или полки и изображают различные предметы быта, включая фрукты, живых и мертвых животных, морепродукты и раковины. Примеры темы стеклянной банки, наполненной водой, были искусно нарисованы, а затем послужили образцами для того же предмета, часто окрашенного в эпоху Возрождения и Барокко.

Портреты
Плиний жаловался на ухудшающееся состояние римского портретного искусства: «Картина портретов, которая через века передавала точные изображения людей, полностью исчезла … Праздность разрушила искусство».

В Греции и Риме настенная живопись не считалась высоким искусством. Самой престижной формой искусства помимо скульптуры была роспись по панелям, то есть темперная или энкаустическая роспись на деревянных панелях. К сожалению, поскольку дерево является скоропортящимся материалом, сохранилось лишь несколько примеров таких картин, а именно северное тондо из ок. 200 г. н.э., очень обычный официальный портрет из какого-то провинциального правительственного учреждения и хорошо известные портреты мамы Фаюм, все из римского Египта, и почти наверняка не самого высокого современного качества. Портреты были прикреплены к погребальным мумии на лице, от которых почти все теперь оторваны. Они обычно изображают одного человека, показывающего голову или голову и верхнюю часть груди, если смотреть спереди. Фон всегда монохромный, иногда с декоративными элементами. С точки зрения художественной традиции, изображения явно проистекают из греко-римских традиций, а не из египетских. Они удивительно реалистичны, хотя и отличаются художественным качеством, и могут указывать на то, что подобное искусство было широко распространено в других местах, но не сохранилось. Сохранилось несколько портретов, написанных на стекле и медалями поздней империи, а также портреты монет, некоторые из которых также считаются очень реалистичными.

Золотое стекло
Золотое стекло, или золотое сэндвич-стекло, было техникой для фиксации слоя сусального золота с дизайном между двумя сплавленными слоями стекла, разработанного в эллинистическом стекле и возрожденного в 3 веке нашей эры. Существует очень мало крупных проектов, в том числе очень тонкая группа портретов 3-го века с добавленной краской, но подавляющее большинство из примерно 500 выживших — это круглые ножки, которые представляют собой отрезанные днища винных чашек или бокалов, используемые для маркировки и Украсьте могилы в катакомбах Рима, вдавливая их в ступку.

Они преимущественно датируются 4-м и 5-м веками. Большинство из них христианские, хотя есть много языческих и несколько еврейских примеров. Вполне вероятно, что они изначально были подарены на свадьбу или праздничные мероприятия, такие как Новый год. Их иконография была очень хорошо изучена, хотя художественно они относительно просты. Их сюжеты похожи на картины катакомб, но с разным балансом, в том числе портретным. Время шло, и росло изображение святых. Та же самая техника начала использоваться для золотых тессер для мозаики в середине 1-го века в Риме, и к 5-му веку они стали стандартным фоном для религиозных мозаик.

Более ранние группы «среди самых ярких портретов, которые можно выжить с раннехристианских времен. Они смотрят на нас с необычайной строгостью и тоской» и представляют собой лучшее из сохранившихся свидетельств того, чего высококачественная римская портретная живопись могла достичь в живописи. Медальон Геннадия в Метрополитен-музее в Нью-Йорке является прекрасным примером александрийского портрета на синем стекле с использованием более сложной техники и натуралистического стиля, чем в большинстве позднеримских образцов, включая рисование на золоте для создания тени и с греческой надписью, показывающей особенности местного диалекта. Возможно, ему дали или заказали пьесу, чтобы отпраздновать победу на музыкальном конкурсе. Один из самых известных портретных медальонов в александрийском стиле с надписью на египетском греческом, Позже он был установлен в раннем средневековье в крестообразных гемматах в Брешии, ошибочно полагая, что на нем изображены благочестивая императрица и готическая королева Галла Плацида и ее дети; на самом деле узел в платье центральной фигуры может отмечать преданного Исиды.

Это одна из группы из 14 произведений, датируемых 3 веком нашей эры, все индивидуальные светские портреты высокого качества. Надпись на медальоне написана на александрийском диалекте греческого языка и, следовательно, наиболее вероятно изображает семью из римского Египта. Медальон также сравнивали с другими произведениями современного римско-египетского искусства, такими как портреты мамы Фаюм. Считается, что крошечные детали таких деталей могут быть получены только с помощью линз. У более поздних очков от катакомб есть уровень портретной живописи, который находится в зачаточном состоянии, с особенностями, прическами и одеждой, все следующие стереотипные стили.

Жанровые сцены
Римские жанровые сцены обычно изображают римлян на досуге и включают в себя азартные игры, музыку и сексуальные контакты. Некоторые сцены изображают богов и богинь на досуге.

Триумфальные картины
С 3-го века до нашей эры появился особый жанр, известный как «Триумфальная живопись», как указывает Плиний (XXXV, 22). Это были картины, на которых изображены триумфальные записи после военных побед, представлены эпизоды войны и завоеваны регионы и города. Сводные карты были нарисованы, чтобы выделить ключевые моменты кампании. Иосиф Флавий описывает картину, выполненную по случаю разграбления Веспасиана и Тита в Иерусалиме:

Вокруг них были также кованое золото и слоновая кость; и много сходств войны, и во многих отношениях, и множество ухищрений, дающих наиболее живой портрет самого себя. Ибо должна была быть видна счастливая страна, разрушенная, и целые эскадроны врагов, убитых; в то время как некоторые из них убежали, а некоторые были взяты в плен; со стенами большой высоты и величины, свергнутых и разрушенных машинами; с взятыми сильнейшими укреплениями, стенами самых густонаселенных городов на вершинах холмов и армией, вливающейся в стены; как и все места, полные бойни и мольбы врагов, когда они уже не могли поднять руки на пути противостояния.

Здесь также был изображен огонь, направленный на храмы, и дома, свергнутые и обрушившиеся на их владельцев: реки, после того как они вышли из большой и тоскливой пустыни, стекали вниз, не в обрабатываемую землю, ни в качестве напитка для людей, ни для скот, но по земле, все еще в огне со всех сторон; потому что евреи рассказали, что они пережили во время этой войны. Теперь мастерство этих представлений было настолько великолепным и живым в построении вещей, что оно демонстрировало то, что было сделано для таких, которые не видели этого, как будто они там действительно присутствовали. На вершине каждого из этих конкурсов был размещен командир города, который был взят, и способ, которым он был взят.

Эти картины исчезли, но они, вероятно, повлияли на композицию исторических рельефов, вырезанных на военных саркофагах, Арку Тита и Колонну Траяна. Это свидетельство подчеркивает значение пейзажной живописи, которая иногда имела тенденцию быть перспективными планами.

Рануччо также описывает самую старую картину, которую можно найти в Риме, в гробнице на холме Эсквилин:

Он описывает историческую сцену на четком фоне, нарисованную в четырех наложенных друг на друга разделах. Опознаны несколько человек, такие как Маркус Фанний и Маркус Фабий. Они крупнее других фигур … Во второй зоне, слева, находится город, окруженный зубчатыми стенами, перед которым находится большой воин, вооруженный овальной башкой и пернатым шлемом; рядом с ним человек в короткой тунике, вооруженный копьем … Вокруг этих двоих находятся более мелкие солдаты в коротких туниках, вооруженные копьями … В нижней зоне происходит битва, где воин с овальным баклером и шлем с перьями показан крупнее других, чье оружие позволяет предположить, что это, вероятно, самниты.

Этот эпизод трудно точно определить. Одна из гипотез Рануччо состоит в том, что это относится к победе консула Фабия Максима Руллиана во время второй войны против самнитов в 326 г. до н.э. Представление рисунков с размерами, пропорциональными их значимости, типично римское, и находит себя в плебейских рельефах. Эта картина находится в зачаточном состоянии триумфальной живописи, и была бы завершена к началу 3-го века до нашей эры, чтобы украсить гробницу.

скульптура
Раннее римское искусство находилось под влиянием искусства Греции и искусства соседних этрусков, которые сами находились под сильным влиянием своих греческих торговых партнеров. Специальность этрусков состояла из терракотовых изображений гробниц в натуральную величину, которые обычно лежали на крышке саркофага, приподнятой на локте в позе посетителя в тот период. Поскольку расширяющаяся Римская республика начала завоевывать греческую территорию, сначала в южной Италии, а затем во всем эллинистическом мире, за исключением парфянского Дальнего Востока, официальная и патрицианская скульптура в значительной степени стала продолжением эллинистического стиля, из которого трудно выделить именно римские элементы. распутать, тем более что греческая скульптура сохранилась только в копиях римского периода. К 2 веку до нашей эры «большинство скульпторов, работающих в Риме», были греческими, часто порабощенные в таких завоеваниях, как в Коринфе (146 г. до н.э.), а скульпторы продолжали быть в основном греками, часто рабами, чьи имена очень редко записывались. Огромное количество греческих статуй было импортировано в Рим, будь то в результате добычи или в результате вымогательства или торговли, а храмы часто украшались повторно использованными греческими произведениями.

Итальянский стиль можно увидеть в гробницах процветающих римлян среднего класса, на которых очень часто изображены портретные бюсты, а портретная живопись, возможно, является главной силой римской скульптуры. Нет никаких пережитков от традиции масок предков, которые носили в процессиях на похоронах великих семей и иным образом демонстрировали в доме, но многие из сохранившихся бюстов должны представлять собой предков, возможно, из больших семейных гробниц, таких как Гробница Сципиона или поздняя мавзолей за городом. Знаменитая бронзовая голова, предположительно Луция Юния Брута, датируется очень разнообразно, но воспринимается как очень редкое выживание стиля Курсив под Республикой, в предпочтительной бронзовой среде.

Точно так же строгие и сильные головы видны на монетах консулов, а в имперский период монеты, а также бюсты, отправленные вокруг Империи для размещения в базиликах провинциальных городов, были главной визуальной формой имперской пропаганды; даже у Лондиниума была почти колоссальная статуя Нерона, хотя и намного меньше, чем 30-метровый Колосс Нерона в Риме, который сейчас потерян. Гробница Еврейских Пекарей, преуспевающий фридман (ок. 50–20 до н.э.), имеет фриз, который является необычайно большим примером «плебейского» стиля. Имперская портретная живопись была изначально эллинизирована и в высшей степени идеализирована, как в «Камасе Блакаса» и других портретах Августа.

Римляне, как правило, не пытались конкурировать с свободно стоящими греческими произведениями героических подвигов из истории или мифологии, но с самого начала создавали исторические рельефные произведения, кульминацией которых стали великие римские триумфальные колонны с непрерывными повествовательными рельефами вокруг них, из которых те память Траяна (113 г. н.э.) и Марка Аврелия (к 193 г.) сохранилась в Риме, где Ара Пацис («Алтарь мира», 13 г. до н.э.) представляет официальный греко-римский стиль в его наиболее классическом и изысканном стиле, а скульптуры Сперлонги — в его самом барокко. Некоторые позднеримские публичные скульптуры разработали массивный, упрощенный стиль, который иногда предвосхищает советский соцреализм. Среди других важных примеров — ранее использованные рельефы на арке Константина и у основания колонны Антонина Пия (161),

Все формы роскошной небольшой скульптуры продолжали покровительствовать, и качество могло быть чрезвычайно высоким, как в серебряном кубке Уоррена, стеклянном кубке Ликурга и больших камеях, таких как Джемма Огастеа, Камона Гонзага и «Великая камея Франции». Для гораздо более широкой части населения были изготовлены лепные рельефные украшения из глиняных сосудов и небольших статуэток в большом количестве и часто значительного качества.

Пройдя через «барочную» фазу конца 2-го века, в 3-м веке римское искусство в значительной степени отказалось или просто стало не в состоянии производить скульптуру в классической традиции — изменение, причины которого остаются очень обсуждаемыми. Даже самые важные имперские памятники теперь изображали пухлых, крупноглазых фигур в резком фронтальном стиле, в простых композициях, подчеркивающих силу за счет грации. Контраст хорошо известен в арке Константина 315 года в Риме, которая сочетает в себе разделы в новом стиле с ранделами в более раннем греко-римском стиле, взятом из других мест, и четырьмя тетрархами (ок. 305) из новой столицы Константинополь, сейчас в Венеции. Эрнст Китцингер обнаружил в обоих памятниках одинаковые «коротенькие пропорции, угловатые движения,

Эта революция в стиле незадолго до того, как римское государство приняло христианство и подавляющее большинство людей, привело к концу большой религиозной скульптуры с большими статуями, которые теперь используются только для императоров, как в знаменитых фрагментах колоссальная акролитическая статуя Константина и колосс Барлетты 4-го или 5-го века. Однако богатые христиане продолжали заказывать рельефы для саркофагов, как в саркофаге Юния Басса, и очень маленькая скульптура, особенно в слоновой кости, была продолжена христианами, опираясь на стиль консульского диптиха.

Традиционная римская скульптура делится на пять категорий: портретная живопись, исторический рельеф, погребальные рельефы, саркофаги и копии древнегреческих произведений. Вопреки мнению ранних археологов, многие из этих скульптур были большими полихромными терракотовыми изображениями, такими как Аполлон Вейи (Вилла Гивлия, Рим), но окрашенная поверхность многих из них со временем стерлась.

Повествовательные рельефы
В то время как греческие скульпторы традиционно иллюстрировали военные подвиги, используя мифологическую аллегорию, римляне использовали более документальный стиль. Римские рельефы батальных сцен, подобные тем, что на Колонне Траяна, были созданы для прославления римской мощи, но также обеспечивают непосредственное представление военных костюмов и военной техники. В колонке Траяна записаны различные дакийские войны, которые вел Траян в современной Румынии. Это главный пример римского исторического рельефа и одно из величайших художественных сокровищ античного мира. Это беспрецедентное достижение, длиной более 650 футов по спирали, представляет не только реалистично визуализированных людей (более 2500 из них), но и пейзажи, животных, корабли и другие элементы в непрерывной визуальной истории — фактически древний предшественник документального фильма. Это пережило разрушение, когда это было приспособлено как основа для христианской скульптуры. В течение христианской эры после 300 г. н.э. украшение дверных панелей и саркофагов продолжалось, но полноразмерная скульптура вымерла и, по-видимому, не была важным элементом в ранних церквях.

Незначительные искусства

Керамика и терракота
Римляне унаследовали традиции искусства в широком спектре так называемых «малых искусств» или декоративного искусства. Большинство из них процветало наиболее впечатляюще на уровне роскоши, но большое количество терракотовых статуэток, как религиозных, так и светских, продолжало производиться дешево, а также некоторые более крупные рельефы Кампана в терракоте. Римское искусство не использовало вазописи как древние греки, но сосуды в древнеримской керамике часто стильно украшали рельефным рельефом. Производители миллионов проданных масляных ламп, кажется, полагались на привлекательные украшения, чтобы победить конкурентов, и каждый предмет римского искусства, кроме пейзажа и портрета, обнаружен на них в миниатюре.

Стакан
Искусство роскоши включало в себя фантазийное римское стекло в широком спектре техник, многие меньшие из которых, вероятно, были доступны для значительной части римской публики. Это, конечно, не относится к наиболее экстравагантным видам стекла, таким как чашки для клеток или диатреты, из которых Кубок Ликургуса в Британском музее является почти уникальным образным образцом в стекле, который меняет цвет, когда виден светом, проходящим через него , Португальская ваза Августа — это шедевр римского камео-стекла, имитирующий стиль больших гравированных драгоценных камней (Blacas Cameo, Gemma Augustea, Great Cameo France) и других резных фигур из твердого камня, которые также были наиболее популярны в это время.

мозаика
Римская мозаика была второстепенным искусством, хотя часто в очень большом масштабе, вплоть до самого конца периода, когда христиане конца 4-го века начали использовать ее для больших религиозных изображений на стенах в своих новых больших церквях; в раннем римском искусстве мозаика использовалась главным образом для полов, изогнутых потолков, а также для внутренних и наружных стен, которые должны были промокнуть. Знаменитая копия эллинистической картины в Александровской мозаике в Неаполе первоначально была помещена в пол в Помпеях; это намного более качественная работа, чем большинство римских мозаик, хотя очень тонкие панели, часто из предметов натюрморта в маленьких или микромозаичных тессерах, также сохранились.

Римляне различали обычный opus tessellatum с tesserae в основном более 4 мм в поперечнике, который был заложен на месте, и более тонкий opus vermiculatum для небольших панелей, который, как считается, изготавливался вне помещения в мастерской и доставлялся на участок как законченный панель. Последний был эллинистическим жанром, который встречается в Италии примерно между 100 г. до н.э. и 100 г. н.э. Большинство подписанных мозаик имеют греческие имена, что говорит о том, что художники в основном оставались греческими, хотя, вероятно, часто рабы обучались в мастерских. Конец 2-го века до н.э. Нильская мозаика Палестрины — очень большой пример популярного жанра нильского пейзажа, в то время как мозаика Гладиатора 4-го века в Риме показывает несколько крупных фигур в бою. Мозаика Орфея, часто очень большая, была еще одним любимым предметом для вилл с несколькими свирепыми животными, прирученными игрой Орфея.

металлические изделия
Металлоконструкции были высоко развиты и, несомненно, являлись неотъемлемой частью домов богачей, которые обедали серебром, часто выпивая из стекла, и имели на своих предметах мебели, украшениях и небольших статуэтках сложные литые детали. Ряд важных кладов, найденных за последние 200 лет, в основном из более жестоких краев поздней империи, дал нам гораздо более четкое представление о римской серебряной пластине. Сокровища Милденхолла и Хокс Хоард оба родом из Восточной Англии в Англии. Есть немного пережитков элитной древнеримской мебели, но они показывают утонченный и элегантный дизайн и исполнение.

Монеты и медали
Немногие римские монеты достигают художественных вершин лучших греческих монет, но они выживают в огромных количествах, и их иконография и надписи являются важным источником для изучения римской истории и развития императорской иконографии, а также содержат множество прекрасных примеров портретный. Они проникли к сельскому населению всей Империи и за ее пределами, а варвары на окраинах Империи делали свои собственные копии. В Империи медальоны из драгоценных металлов стали выпускать небольшими тиражами в качестве императорских подарков, которые похожи на монеты, хотя и крупнее и, как правило, более тонкие в исполнении. Изображения в монетах первоначально следовали греческим стилям, с богами и символами, но в муках смерти Республики сначала Помпей, а затем Юлий Цезарь появились на монетах, и портреты императора или членов его семьи стали стандартом имперской чеканки. Надписи использовались для пропаганды, и в более поздней Империи армия присоединилась к императору в качестве бенефициара.

Архитектура
Именно в области архитектуры римское искусство дало свои величайшие инновации. Поскольку Римская империя простиралась на столь обширную территорию и включала в себя так много урбанизированных территорий, римские инженеры разработали методы городского строительства в широком масштабе, включая использование бетона. Массивные здания, такие как Пантеон и Колизей, никогда не могли быть построены с использованием предыдущих материалов и методов. Хотя бетон был изобретен тысячей лет назад на Ближнем Востоке, римляне расширили его использование от укреплений до самых впечатляющих зданий и памятников, используя преимущества материала и его низкую стоимость. Бетонное ядро ​​было покрыто штукатуркой, кирпичом, камнем или мрамором, а декоративная полихромная и позолоченная скульптура часто добавлялась, чтобы создать великолепный эффект власти и богатства.

Благодаря этим методам римская архитектура славится долговечностью своей конструкции; многие здания все еще стоят, а некоторые все еще используются, в основном это здания, преобразованные в церкви в христианскую эпоху. Многие руины, однако, были лишены мраморной облицовки, и их бетонное ядро ​​осталось обнаженным, что несколько уменьшило их размеры и величие по сравнению с их первоначальным видом, как, например, с базиликой Константина.

В течение республиканской эры римская архитектура объединила греческие и этрусские элементы и произвела инновации, такие как круглый храм и изогнутая арка. Поскольку римская власть росла в ранней империи, первые императоры начали массовое выравнивание трущоб, чтобы построить великие дворцы на Палатинском холме и близлежащих территориях, что требовало прогресса в инженерных методах и крупномасштабном проектировании. Римские здания были тогда построены в коммерческой, политической и социальной группировке, известной как форум, из которых Юлий Цезарь был первым, а некоторые добавлены позже, а Форум Римский был самым известным.

Величайшая арена в римском мире, Колизей, была завершена около 80 г. н.э. в дальнем конце этого форума. Он вмещал более 50 000 зрителей, имел убирающиеся тканевые покрытия для тени и мог устраивать массивные спектакли, включая огромные гладиаторские состязания и фальшивые морские сражения. Этот шедевр римской архитектуры воплощает римскую инженерную эффективность и включает в себя все три архитектурных ордена — дорический, ионический и коринфский. Менее знаменитым, но не менее важным, если не более важным для большинства римских граждан, был пятиэтажный остров или городской квартал, римский эквивалент жилого дома, в котором жили десятки тысяч римлян.

Именно во времена правления Траяна (98–117 гг. Н.э.) и Адриана (117–138 гг. Н.э.) Римская империя достигла своего наивысшего размаха и что сам Рим достиг пика своей художественной славы — благодаря массивным программам строительства памятников. , встречающиеся дома, сады, акведуки, бани, дворцы, павильоны, саркофаги и храмы. Римское использование арки, использование бетонных методов строительства, использование купола позволили построить сводчатые потолки и позволили построить эти общественные места и комплексы, в том числе дворцы, общественные бани и базилики «золотого века». империи. Выдающиеся примеры строительства купола включают Пантеон, Термы Диоклетиана и Термы Каракаллы.

Высота потолка точно равна внутреннему диаметру здания, создавая ограждение, которое может содержать гигантскую сферу. Эти величественные здания позже послужили вдохновляющими образцами для архитекторов итальянского Ренессанса, таких как Брунеллески. К веку Константина (306-337 гг. Н.э.) состоялись последние великие строительные программы в Риме, в том числе была возведена Арка Константина, построенная рядом с Колизеем, которая переработала некоторые каменные работы с форума неподалеку, чтобы создать эклектичную смесь стилей.

Римские акведуки, также основанные на арке, были обычным явлением в империи и основными переносчиками воды в большие городские районы. Особенно впечатляют их стоячие каменные кладки, такие как Пон-дю-Гар (с тремя ярусами арок) и акведук в Сеговии, которые служат немым свидетельством качества их конструкции и конструкции.