Неоклассицизм был западным культурным движением в области декоративно-прикладного искусства, литературы, театра, музыки и архитектуры, которое черпало вдохновение в искусстве и культуре классической древности. Неоклассицизм зародился в Риме во многом благодаря трудам Иоганна Иоахима Винкельмана во время повторного открытия Помпеи и Геркуланума, но его популярность распространилась по всей Европе, поскольку поколение европейских студентов-искусствоведов завершило свой Гранд-тур и возвратилось из Италии в свои родные страны с заново открытыми греко-римскими идеалами. Основное неоклассическое движение совпало с эпохой Просвещения 18-го века и продолжалось в начале 19-го века, конкурируя с романтизмом сбоку. В архитектуре стиль продолжался в течение всего 19-го, 20-го и до 21-го века.

Европейский неоклассицизм в изобразительном искусстве начался c. 1760 в противовес тогдашнему господствующему стилю рококо. Архитектура в стиле рококо подчеркивает изящество, орнамент и асимметрию; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались достоинствами искусств Рима и Древней Греции, и которые были более непосредственно взяты из классицизма эпохи Возрождения 16-го века. Каждый «нео» -классизм выбирает некоторые модели из диапазона возможных классических произведений, которые ему доступны, и игнорирует другие. Неоклассические писатели и говорящие, меценаты и коллекционеры, художники и скульпторы 1765–1830 годов отдали дань уважения идее поколения Фидия, но примеры скульптур, которые они фактически приняли, были скорее римскими копиями эллинистических скульптур.

«Рококо» искусство древней Пальмиры пришло как откровение через гравюры Вуда «Руины Пальмиры». Даже Грецию практически не посещали, это был грубый заводь Османской империи, опасный для изучения, поэтому оценка неоклассиками греческой архитектуры была опосредована рисунками и гравюрами, которые тонко сглаживали и упорядочивали, «исправляли» и «восстанавливали» памятники. Греции не всегда осознанно.

Стиль ампир, вторая фаза неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве, имел свой культурный центр в Париже в эпоху наполеона.

обзор
Появление неоклассицизма было прежде всего отказом от стиля рококо, который отметил Европу в Век Просвещения. Для немцев, проникнутых антифранцузскими чувствами, потому что он представляет царствование Людовика XV и его экстравагантности, для англичан англиканской традиции, которые выступают за возвращение к простоте, потому что он является последним представителем эстетической характеристики католического контр. -Reformation. Около 1770-х годов этот отказ также затронул Италию и Францию, хотя и пропагандистов рококо, но с ними он выразил себя против персонажа, считающегося аморальным в этом стиле, представляющего роскошь, легкомыслие,

В середине XVIII века популярность Гранд Тура объединяет аристократов сообщества путешественников, приехавших из Англии, Франции или Пруссии, чтобы непосредственно противостоять древним останкам во время образовательных поездок в Италию, Грецию или Турцию. Одна из этих поездок Маркиза де Мариньи в 1750-1751 гг. Оказала большое влияние на развитие вкуса во Франции и в Европе. Младший брат маркизы де Помпадур Абель-Франсуа Пуассон де Вандьер отправляется с миссией в Рим в сопровождении гравера Шарля Николя Кочина и архитектора Жака-Жермена Суффло. Из этой поездки художники узнают об особенностях древних произведений, не проходя стилистическую реинтерпретацию, вытекающую из эпохи Возрождения или классической традиции.

Суффло продвигает свою экскурсию дальше на юг, обнаружив место Пестум в Кампании, где противостояние с греческими храмами, представляющими архаичный стиль с дорическими колоннами без оснований, является для него откровением. В то же время английские путешественники, воспользовавшись ослаблением турецкого давления в Греции, могут совершить поездку, которая позволяет публиковать коллекции древнегреческих древностей, в том числе книги Ричарда Далтона, «Древности и виды Греции и Египта», которая ведет любителей Античность, такую ​​как Кайлус и Винкельман, считают древнегреческой эстетикой, превосходящей римскую античность.

Неоклассицизм также будет поддерживаться культурной политикой, которую защищают «просвещенные» монархи. Будущий Карл III из Испании имел гравированную коллекцию античной ямы Ercolano e contorni, короля Англии Георга III, распространенного по всей Европе, поощрял развитие нового стиля, создав архитектора Роберта Адама и художника Бенджамина Уэста, официальные художники режима 5. Король Франции Людовик XVI ставит во главе здания короля графа Ангивиллера, который способствует возвращению к величию века Людовика XIV, поощряя работы с целями, добродетельными, морально-патриотический. Эти руководящие принципы включают в себя реализацию Давидом клятвы Горация.

история
Неоклассицизм — это возрождение многих стилей и духа классической античности, вдохновленных непосредственно из классического периода, который совпал и отразил события в философии и других областях эпохи Просвещения, и был первоначально реакцией против излишеств предшествующего стиля рококо. , В то время как движение часто описывается как противоположный вариант романтизма, это является чрезмерным упрощением, которое не является устойчивым, когда рассматриваются конкретные художники или работы. Случай с предполагаемым главным поборником позднего неоклассицизма, Энгра, особенно хорошо это демонстрирует. Возрождение можно проследить до установления формальной археологии.

Работы Иоганна Иоахима Винкельмана сыграли важную роль в формировании этого движения как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги «Мысли об имитации греческих произведений в живописи и скульптуре» (1750) и «Geschichte der Kunst des Alterthums» («История древнего искусства», 1764) были первыми, кто резко различил древнегреческое и римское искусство и определил периоды внутри греческого языка. искусство, прослеживая траекторию от роста до зрелости, а затем подражания или упадка, которые продолжают оказывать влияние до наших дней. Винкельман считал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию», и высоко оценил идеализм греческого искусства, в котором он сказал, что мы находим «не только природу в ее самой прекрасной, но и нечто за ее пределами, а именно определенные идеальные формы ее красоты , который,

С появлением Гранд Тура началось увлечение коллекционированием древностей, которое заложило основы многих великих коллекций, распространяющих неоклассическое возрождение по всей Европе. «Неоклассицизм» в каждом искусстве подразумевает определенный канон «классической» модели.

Термин «неоклассицизм» используется в основном изобразительного искусства; подобное движение в английской литературе, которое началось значительно раньше, называется августовской литературой. Это, которое доминировало в течение нескольких десятилетий, начало уменьшаться, когда неоклассицизм в изобразительном искусстве стал модным. Хотя термины отличаются, ситуация во французской литературе была похожей. В музыке этот период ознаменовался ростом классической музыки, и «неоклассицизм» используется в событиях 20-го века. Тем не менее, оперы Кристофа Виллибальда Глюка представляли собой специфически неоклассический подход, изложенный в его предисловии к опубликованной партитуре Альцеста (1769), который был направлен на реформу оперы путем удаления орнамента, повышения роли хора в соответствии с греческой трагедией, и используя более простые неукрашенные мелодические линии.

Термин «неоклассический» не был изобретен до середины 19-го века, и в то время стиль был описан такими терминами, как «истинный стиль», «реформированный» и «возрождение»; то, что считалось возрожденным, значительно варьировалось. Древние модели были, конечно, очень вовлечены, но стиль можно также рассматривать как возрождение эпохи Возрождения, особенно во Франции, как возвращение к более строгому и благородному барокко эпохи Людовика XIV, для которого развилась значительная ностальгия. как доминирующее военное и политическое положение Франции началось серьезное снижение. Энгрский коронационный портрет Наполеона даже позаимствовал у позднесантичных консульских диптихов и их каролингского возрождения неодобрение критиков.

Неоклассицизм был самым сильным в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были относительно многочисленными и доступными; примеры из древней живописи, которые демонстрировали качества, которые письменность Винкельмана нашла в скульптуре, были и отсутствуют Винкельман участвовал в распространении знаний о первых больших римских картинах, которые были обнаружены в Помпеях и Геркулануме, и, как и большинство современников, за исключением Гэвина Гамильтона, ими не впечатлил, сославшись на комментарии Плиния Младшего по поводу упадка живописи в его период ,

Что касается живописи, то греческая живопись была полностью утрачена: художники-неоклассики творчески оживили ее, частично через барельефные фризы, мозаику и керамику, а частично через примеры живописи и украшения эпохи Высокого Возрождения Рафаэля, фресок в Domus Aurea Нерона. , Помпеи и Геркуланум, и через новое восхищение Николас Пуссен. Большая «неоклассическая» живопись более классифицирует предмет, чем что-либо еще. Ожесточенный, но часто очень плохо информированный спор бушевал десятилетиями по поводу относительных достоинств греческого и римского искусства, причем Винкельман и его коллеги-эллинисты, как правило, были на стороне победителя.

Живопись и печать
Трудно восстановить радикальную и захватывающую природу ранней неоклассической живописи для современной аудитории; теперь он поражает даже тех писателей, которые склонны считать его «безвкусным» и «почти совершенно неинтересным для нас» — некоторые из комментариев Кеннета Кларка по поводу амбициозного Парнаса Антона Рафаэля Менгса на вилле Альбани художника, которого его друг Винкельман назвал « величайший художник своего и, возможно, более поздних времен «. Рисунки, впоследствии превращенные в гравюры, Джона Флаксмана использовали очень простой рисунок линии (считающийся самым чистым классическим средством) и фигуры, в основном в профиль, чтобы изобразить Одиссею и другие предметы, и когда-то «уволили художественную молодежь Европы», но сейчас «пренебрегают», в то время как история картины Анжелики Кауфман, в основном портретиста, Фриц Новотны описал, как обладающий «неуклюжей мягкостью и утомлением». Легкомыслие в стиле рококо и движение в стиле барокко были отброшены, но многие художники изо всех сил пытались поставить что-то на их место, и в отсутствие древних примеров для исторической живописи, кроме греческих ваз, используемых Флаксманом, Рафаэль имел тенденцию использоваться в качестве альтернативной модели, как рекомендовал Винкельман.

Работы других художников, которых нелегко описать как безвкусные, сочетают аспекты романтизма с неоклассическим стилем и являются частью истории обоих движений. Немецко-датский художник Асмус Якоб Карстенс закончил очень немногие из крупных мифологических работ, которые он планировал, оставив в основном рисунки и цветовые исследования, которые часто приводят к тому, что Винкельманн достигает рецепта «благородной простоты и спокойного величия». В отличие от нереализованных схем Карстенса, офорты Джованни Баттисты Пиранези были многочисленными и прибыльными, и их забрали те, кто совершил Гранд Тур во все части Европы. Его основным предметом были здания и руины Рима, и он был более стимулирован древними, чем современными.

Несколько тревожная атмосфера многих из его «Ведут» (взглядов) становится доминирующей в его серии из 16 гравюр Carceri d’Invenzione («Воображаемые тюрьмы»), чья «репрессивная циклопическая архитектура» передает «мечты о страхе и разочаровании». Родившийся в Швейцарии Иоганн Генрих Фюссли провел большую часть своей карьеры в Англии, и, хотя его основной стиль основывался на неоклассических принципах, его предметы и лечение чаще отражали «готическое» напряжение романтизма и стремились вызвать драму и волнение.

Неоклассицизм в живописи обрел новое чувство направления благодаря сенсационному успеху Клятвы Горациев Жака-Луи Давида на парижском Салоне 1785 года. Несмотря на то, что он вызывал республиканские добродетели, это было поручение королевского правительства, на котором Дэвид настаивал на живописи. в Риме. Давиду удалось совместить идеалистический стиль с драматизмом и силой. Центральная перспектива перпендикулярна плоскости изображения, подчеркнутой тусклой аркадой позади, на которой героические фигуры расположены, как на фризе, с намеком на искусственное освещение и постановку оперы, а также на классический колорит Николаса Пуссена. , Давид быстро стал лидером французского искусства, а после Французской революции стал политиком с большим государственным покровительством в искусстве. Ему удалось сохранить свое влияние в наполеоновский период,

Среди многих учеников Дэвида был Жан-Огюст-Доминик Энгр, который на протяжении всей своей долгой карьеры считал себя классиком, несмотря на зрелый стиль, который имеет двусмысленную связь с основным течением неоклассицизма, и многие последующие отклонения в ориентализм и стиль Трубадура, которые Трудно отличить его от беззастенчивых современников-романтиков, за исключением того, что его произведения всегда придают рисунку. Он выставлялся на Салоне более 60 лет, с 1802 года до начала импрессионизма, но его стиль, однажды сформировавшийся, мало изменился.

скульптура
Если неоклассическая живопись страдала от недостатка древних моделей, неоклассическая скульптура имела тенденцию страдать от их избытка, хотя примеров настоящей греческой скульптуры «классического периода», начавшегося примерно в 500 г. до н.э., было тогда очень мало; наиболее высоко ценившимися произведениями были в основном римские копии. В свое время ведущие неоклассические скульпторы пользовались огромной репутацией, но сейчас их менее уважают, за исключением Жана-Антуана Гудона, чьи работы были в основном портретами, очень часто бюстами, которые не жертвуют сильным впечатлением от личности ситтера. идеализм. Его стиль стал более классическим, поскольку его продолжительная карьера продолжалась, и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых неоклассических скульпторов, он не настаивал на том, чтобы его ситтеры носили римское платье или были раздеты.

Антонио Канова и датчанин Бертель Торвальдсен оба базировались в Риме, а также портреты произвели много амбициозных фигур и групп в натуральную величину; оба представляли сильную идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре. Канова обладает легкостью и грацией, где Торвальдсен более суров; Различие иллюстрируется в их соответствующих группах Трех Граций. Все это, и Flaxman, были все еще активны в 1820-х годах, и романтизм медленно воздействовал на скульптуру, где версии неоклассицизма оставались доминирующим стилем в течение большей части 19-го века.

Ранним неоклассиком в скульптуре был швед Йохан Тобиас Сержел. Джон Флаксман также был, или главным образом, скульптором, в основном создавая строго классические рельефы, которые по стилю сопоставимы с его гравюрами; Он также проектировал и моделировал неоклассическую керамику для Джозии Веджвуда в течение нескольких лет. Иоганн Готфрид Шадов и его сын Рудольф, один из немногих неоклассических скульпторов, умерших молодыми, были ведущими немецкими художниками с Францем Антоном фон Заунером в Австрии. Покойный австрийский скульптор в стиле барокко Франц Ксавер Мессершмидт обратился к неоклассицизму в середине своей карьеры, незадолго до того, как он, похоже, перенес какой-то психический кризис, после чего он удалился в страну и посвятил себя весьма характерным «головам персонажей» лысых деятелей. потянув крайние выражения лица. Как и Carceri Пиранези, в эпоху психоанализа в начале 20-го века они пользовались большим оживлением. Голландский неоклассический скульптор Матье Кессель учился у Торвальдсена и работал почти исключительно в Риме.

Поскольку до 1830-х годов в Соединенных Штатах не было собственной скульптурной традиции, за исключением областей надгробий, флюгеров и подставных лиц для кораблей, там была принята европейская неоклассическая манера, которая должна была господствовать десятилетиями и является примером в скульптуры Горацио Гриноу, Гарриет Хосмер, Хирама Пауэрса, Рэндольфа Роджерса и Уильяма Генри Райнхарта.

Архитектура и декоративное искусство
Неоклассическое искусство было традиционным и новым, историческим и современным, консервативным и прогрессивным одновременно.

Неоклассицизм впервые получил влияние в Англии и Франции благодаря поколению французских студентов, обучающихся искусству в Риме, под влиянием произведений Винкельмана, и он был быстро принят прогрессивными кругами в других странах, таких как Швеция, Польша и Россия. Сначала классицистический декор был привит к знакомым европейским формам, как в интерьерах для любовника Екатерины II, графа Орлова, по проекту итальянского архитектора с командой итальянских stuccadori: только изолированные овальные медальоны, такие как камеи, и подсказка над барельефами. неоклассицизма; обстановка полностью итальянская рококо.

Вторая неоклассическая волна, более серьезная, более изученная (посредством гравюр) и более осознанно археологическая, связана с высотой наполеоновской империи. Во Франции первая фаза неоклассицизма была выражена в «стиле Людовика XVI», а вторая — в стилях под названием «Директорат» или «Империя». Стиль рококо оставался популярным в Италии до тех пор, пока наполеоновские режимы не принесли новый археологический классицизм, который был воспринят в качестве политического заявления молодыми, прогрессивными городскими итальянцами с республиканскими наклонностями. [По мнению кого?]

В декоративном искусстве неоклассицизм иллюстрируется имперской мебелью, сделанной в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Берлине; в бидермейер мебель изготовлена ​​в Австрии; в музеях Карла Фридриха Шинкеля в Берлине, в Банке Англии сэра Джона Соуна в Лондоне и недавно построенном «Капитолии» в Вашингтоне, округ Колумбия; и в барельефах Веджвуда и в «черных базальтах» вазах. Стиль был интернациональным; Шотландский архитектор Чарльз Камерон создал роскошные итальянские интерьеры для немецкой Екатерины II Великой в ​​русском Санкт-Петербурге.

В помещении неоклассицизм сделал открытие подлинного классического интерьера, вдохновленного повторными открытиями в Помпеях и Геркулануме. Они начались в конце 1740-х годов, но достигли широкой аудитории только в 1760-х годах, с первыми роскошными объемами строго контролируемого распространения Le Antichità di Ercolano (Древности Геркуланума). Древности Геркуланума показали, что даже самые классифицирующие интерьеры в стиле барокко, или самые «римские» комнаты Уильяма Кента были основаны на базилике и внешней архитектуре храма, обращенной наружу, отсюда их часто напыщенный вид для современных глаз: оконные рамы с педиатрией повернуты в позолоченные зеркала, камины, увенчанные фасадами храмов. Новые интерьеры стремились воссоздать подлинно римскую и подлинно внутреннюю лексику.

Методы, использованные в этом стиле, включали более плоские, более легкие мотивы, лепные в виде рельефа с низким фризовым рисунком или окрашенные в монотоны en camaïeu («как камеи»), изолированные медальоны, или вазы, или бюсты, или букрания, или другие мотивы, подвешенные на лаврах или ленте. с тонкими арабесками на фоне, возможно, «помпейского красного» или бледного оттенка или цвета камня. Стиль во Франции изначально был парижским, Goût grec («греческий стиль»), а не придворным; Когда Людовик XVI вступил на престол в 1774 году, Мария Антуанетта, его модная королева, принесла стиль «Людовика XVI» в суд. Тем не менее, не было реальной попытки использовать основные формы римской мебели до конца века, и производители мебели с большей вероятностью позаимствовали у древней архитектуры,

Примерно с 1800 года новый приток греческих архитектурных образцов, увиденный сквозь офорты и гравюры, дал новый импульс неоклассицизму, греческому возрождению. В то же время стиль ампир был более грандиозной волной неоклассицизма в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве. Основанный главным образом на имперских римских стилях, он возник и получил свое название от правления Наполеона в Первой французской империи, где он был призван идеализировать руководство Наполеона и французское государство. Стиль соответствует более буржуазному бидермейерскому стилю в немецкоязычных странах, федеральному стилю в США, стилю регентства в Британии и стилю Наполеона в Швеции. По словам искусствоведа Хью Хонора, «так далеко от того, что иногда считается кульминацией неоклассического движения,

Неоклассицизм оставался главной силой в академическом искусстве вплоть до 19-го века и далее — постоянной противоположности романтизму или готическим возрождениям, хотя с конца 19-го века его часто считали антисовременным или даже реакционным, во влиятельной критике. круги. Центры нескольких европейских городов, особенно Санкт-Петербурга и Мюнхена, стали похожи на музеи неоклассической архитектуры.

Архитектура готического возрождения (часто связанная с романтическим культурным движением), стиль, возникший в 18 веке и получивший популярность в течение 19 века, противопоставил неоклассицизм. В то время как неоклассицизм характеризовался греческими и римскими стилями, геометрическими линиями и порядком, готическая архитектура возрождения делала акцент на средневековых зданиях, которые часто имеют простоватый, «романтичный» вид.

Неоклассические сады
В Англии августовская литература имела прямую параллель с августовским стилем ландшафтного дизайна. Ссылки хорошо видны в творчестве Александра Папы. Лучшими сохранившимися примерами неоклассических английских садов являются Chiswick House, Stowe House и Stourhead.

Неоклассицизм и мода
В моде неоклассицизм повлиял на гораздо большую простоту женских платьев и длительную моду на белый цвет задолго до французской революции, но только после этого во Франции стали модными тщательные попытки подражать древним стилям, по крайней мере, для женщин. Классические костюмы давно носили модные дамы, изображающие на портрете какую-то фигуру из греческого или римского мифа (в частности, было множество таких портретов молодой модели Эммы, леди Гамильтон из 1780-х годов), но такие костюмы носили только для портрета сидя и бал-маскарад до революционного периода и, возможно, как и другие экзотические стили, как раздеваться дома. Но стили, которые носят на портретах Жюльет Рекамье, Жозефина де Богарне, Тереза ​​Таллиан и другие парижские законодатели моды также выступали на публике. Увидев мадам Таллиен в опере, Талейран высмеял это: «Не все, что возможно, даритель плюс одно использование!» («Нельзя было бы роскошнее раздеться»).

В 1788 году, незадолго до революции, придворный портретист Луиза Элизабет Виже Ле Брюн устроила греческий ужин, на котором дамы носили простые белые греческие туники. Короткие классические прически, где это было возможно с локонами, были менее спорными и очень широко распространенными, и теперь волосы были раскрыты даже на открытом воздухе; за исключением вечернего платья, капоты или другие покрытия обычно носили даже в помещении раньше. Тонкие ленты или филе в греческом стиле использовались вместо того, чтобы завязывать или украшать волосы.

Очень легкие и свободные платья, обычно белые и часто с потрясающе обнаженными руками, поднимались от лодыжки до чуть ниже лифа, где вокруг тела был сильно подчеркнутый тонкий рубчик или галстук, часто другого цвета. Форма теперь часто известна как силуэт Империи, хотя она предшествует Первой французской империи Наполеона, но его первая императрица Жозефина де Божарна оказала влияние на ее распространение по всей Европе. Длинная прямоугольная шаль или обертка, очень часто просто красного цвета, но с разрисованной каймой на портретах, помогала в холодную погоду и, по-видимому, лежала вокруг середины рта, когда сидела, — для чего предпочтительны растягивающиеся полураспадающие позы. К началу 19-го века такие стили широко распространились по всей Европе.

Неоклассическая мода для мужчин была гораздо более проблематичной и никогда не снималась, кроме как с волос, где она играла важную роль в более коротких стилях, которые в конечном итоге привели к использованию париков, а затем и белой пудры для волос для молодых мужчин. Штаны были символом варвара для греков и римлян, но за пределами мастерской художника или, особенно, скульптора, немногие были готовы отказаться от него. Действительно, период видел триумф чистой штанины или брюк над мошонками или гольфами античного режима. Даже когда Дэвид разработал новый французский «национальный костюм» по просьбе правительства в разгар революционного энтузиазма по поводу изменения всего в 1792 году, он включал довольно узкие леггинсы под пальто, которое остановилось над коленом.

Проблема брюк была признана художниками как барьер для создания картин современной истории; как и другие элементы современного платья, многие художники и критики воспринимали их как неотвратимо уродливых и не героических. Различные стратегии использовались, чтобы не изображать их в современных сценах. В книге Джеймса Докинза и Роберта Вуда «Обнаружение руин Пальмиры» (1758) Гэвина Гамильтона два джентльменских антиквариата изображены в похожих на тоги арабских одеждах. В «Уотсоне и акуле» (1778) Джона Синглтона Копли главную фигуру можно правдоподобно показать обнаженной, а композиция такова, что из восьми других показанных мужчин только у одного заметно видна одна распущенная нога. Однако американцы Копли и Бенджамин Уэст возглавляли художников, которые успешно показали, что брюки можно использовать в героических сценах с такими работами, как Запад ».

Мужские прически в классическом стиле включали Бедфорд Кроп, возможно, предшественник большинства простых современных мужских стилей, который был изобретен радикальным политиком Фрэнсисом Расселом, 5-м герцогом Бедфордским, в знак протеста против налога на пудру для волос; он поощрял своих друзей принять это, заключая пари, что они не будут. Другой влиятельный стиль (или группа стилей) был назван французами «à la Titus» в честь Тита Юния Брута (на самом деле это не римский император Тит, как часто предполагали), с короткими и многослойными волосами, но несколько сложенными на макушке, часто со сдержанными завесами или замками, свисающими вниз; варианты знакомы по волосам как Наполеона, так и Георга IV Англии.

Предполагалось, что этот стиль был введен актером Франсуа-Жозефом Талмой, который отодвинул на задний план своих соучастников в париках, когда появлялся в таких произведениях, как Брут Вольтера (о Люциусе Юнии Бруте, который приказывает казнить своего сына Тита). В 1799 году парижский журнал о моде сообщил, что даже лысые мужчины перенимают парики Titus, и этот стиль носили и женщины, в «Журнале де Пари» в 1802 году сообщалось, что «более половины элегантных женщин носили свои волосы или парик а-ля Титус.

Позднее неоклассицизм
В американской архитектуре неоклассицизм был одним из проявлений американского ренессансного движения, ок. 1890-1917; его последним проявлением была архитектура изящных искусств, а самыми последними крупными публичными проектами были Мемориал Линкольна (в то время подвергавшийся сильной критике), Национальная галерея искусств в Вашингтоне, округ Колумбия (также подвергнутая резкой критике со стороны архитектурного сообщества как отсталого). размышлял и старомоден в своем дизайне), а также в Американском музее естественной истории имени Рузвельта Это считалось стилистическим анахронизмом, когда они были закончены. В британском Радж монументальное городское планирование сэра Эдвина Лютенса для Нью-Дели знаменует славный закат неоклассицизма. Вторая мировая война должна была разрушить тоску (и подражание) мифическим, героическим временам.

Консервативные модернистские архитекторы, такие как Огюст Перре во Франции, сохранили ритмы и пространство колонной архитектуры даже в фабричных зданиях. Там, где колоннада была бы названа «реакционной», пилястровидные рифленые панели здания под повторяющимся фризом выглядели «прогрессивными». Пабло Пикассо экспериментировал с классифицирующими мотивами в годы, последовавшие сразу после Первой мировой войны, и стилем ар-деко, который вышел на первый план после Парижской выставки декоративных искусств 1925 года, часто опираясь на неоклассические мотивы, не выражая их явно: строгие, блочные комоды É .-J. Ruhlmann или Süe & Mare; четкие, очень рельефные фризы девиц и газелей в каждой среде; модные платья, которые были драпированы или вырезаны по уклону, чтобы воссоздать греческие линии; художественный танец Айседоры Дункан; стиль Streamline Moderne почтовых отделений США и зданий окружных судов, построенных еще в 1950 году; и десять центов Рузвельта.

В искусстве существовало целое движение 20-го века, которое также называлось неоклассицизмом. Оно охватывало как минимум музыку, философию и литературу. Это было между концом Первой мировой войны и концом Второй мировой войны. (Для получения информации о музыкальных аспектах см. Классическую музыку 20-го века и неоклассицизм в музыке. Для получения информации о философских аспектах см. Великие книги.)

Это литературное неоклассическое движение отвергло крайний романтизм (например, Дада) в пользу сдержанности, религии (особенно христианства) и реакционной политической программы. Хотя основы этого движения в английской литературе были заложены Т. Э. Халмом, наиболее известными неоклассиками были Т. С. Элиот и Уиндхем Льюис. В России это движение кристаллизовалось еще в 1910 году под именем Акмеизм, в качестве ведущих представителей выступили Анна Ахматова и Осип Мандельштам.

В музыке
Неоклассицизм в музыке — движение 20-го века; в данном случае возрождаются классические и барочные музыкальные стили 17 и 18 веков с их любовью к греческой и римской тематике, а не музыка самого древнего мира. (Начало 20-го века еще не отличало эпоху барокко в музыке, на которой в основном черпали неоклассические композиторы, от того, что мы сейчас называем классическим периодом.) Движение было реакцией в первой половине 20-го века на распадающийся хроматизм поздний романтизм и импрессионизм, возникающие параллельно с музыкальным модернизмом, который стремился вообще отказаться от ключевой тональности. Это проявило стремление к чистоте и простоте стиля, что позволило довольно противоречиво перефразировать классические процедуры,

Танцевальная сюита 17-18 веков имела небольшое возрождение до Первой мировой войны, но неоклассики не были полностью довольны неизмененным диатонизмом и имели тенденцию подчеркивать яркий диссонанс подвесок и орнаментов, угловые качества модальной гармонии 17 века и энергичные линии частичной письменности. «Древние духи и танцы» Респиги (1917) привели к тому типу звука, к которому стремились неоклассики. Хотя практика заимствования музыкальных стилей из прошлого не была редкостью на протяжении всей музыкальной истории, художественная музыка переживала периоды, когда музыканты использовали современные методы в сочетании со старыми формами или гармониями для создания новых видов произведений.

Примечательными композиционными характеристиками являются: ссылка на диатоническую тональность, общепринятые формы (танцевальные сюиты, концерти-гросси, сонатные формы и т. Д.), Идея абсолютной музыки, не сглаженной описательными или эмоциональными ассоциациями, использование легких музыкальных текстур и лаконичность музыкального выражения , В классической музыке это было особенно заметно между 1920-ми и 1950-ми годами. Игорь Стравинский — самый известный композитор, использующий этот стиль; он фактически начал музыкальную революцию со своим Бахоподобным октетом для духовых инструментов (1923). Конкретная индивидуальная работа, которая хорошо представляет этот стиль, — Классическая симфония Прокофьева № 1 в D, которая напоминает симфонический стиль Гайдна или Моцарта. Неоклассический балет, созданный по инициативе Джорджа Баланчина, разрушил русский имперский стиль с точки зрения костюма, шагов и повествования,

Архитектура в России и Советском Союзе
В 1905–1914 годах русская архитектура пережила короткий, но влиятельный период неоклассического возрождения; Эта тенденция началась с воссоздания стиля ампир александрийского периода и быстро распространилась на множество неоренессансных, палладианских и модернизированных, но в то же время узнаваемых классических школ. Их возглавляли архитекторы, родившиеся в 1870-х годах, достигшие творческого пика до Первой мировой войны, такие как Иван Фомин, Владимир Щуко и Иван Жолтовский. Когда экономика восстановилась в 1920-х годах, эти архитекторы и их последователи продолжали работать в основном в модернистской среде; некоторые (Жолтовский) строго следовали классическому канону, другие (Фомин, Щуко, Илья Голосов) разработали собственные модернизированные стили.

С подавлением независимости архитекторов и официальным отказом от модернизма (1932), продемонстрированным международным конкурсом для Дворца Советов, неоклассицизм был немедленно продвинут как один из выборов в сталинской архитектуре, хотя и не единственный. Он сосуществовал с умеренно модернистской архитектурой Бориса Иофана, граничащей с современным ар-деко (Щуко); опять же самые чистые образцы стиля были созданы жолтовской школой, которая оставалась изолированным явлением. Политическое вмешательство стало катастрофой для конструктивистских лидеров, однако архитекторы классических школ искренне приветствовали его.

Неоклассицизм был легким выбором для СССР, поскольку он не опирался на современные строительные технологии (стальной каркас или железобетон) и мог быть воспроизведен в традиционной кладке. Таким образом, замыслы Жолтовского, Фомина и других старых мастеров легко тиражировались в отдаленных городах при строгом материальном нормировании. Совершенствование технологии строительства после Второй мировой войны позволило сталинским архитекторам заняться строительством небоскребов, хотя стилистически эти небоскребы (включая «экспортированную» архитектуру Дворца культуры и науки, Варшавы и Шанхайского международного конференц-центра) мало похожи на классические модели. Неоклассицизм и неоренессанс сохранялись в менее требовательных жилых и офисных проектах до 1955 года, когда Никита Хрущев положил конец дорогой сталинской архитектуре.

Архитектура в 21 веке
После затишья в период современного архитектурного господства (примерно после Второй мировой войны до середины 1980-х годов) неоклассицизм пережил нечто возрождающееся.

С первого десятилетия 21-го века современная неоклассическая архитектура обычно классифицируется под общим термином Новая классическая архитектура. Иногда это также упоминается как неоисторизм или традиционализм. Кроме того, некоторые произведения постмодернистской архитектуры черпают вдохновение и включают в себя явные ссылки на неоклассицизм, район Антигона и Национальный театр Каталонии в Барселоне. Постмодернистская архитектура иногда включает в себя исторические элементы, такие как колонны, капители или тимпан.

Для искренней архитектуры в традиционном стиле, которая придерживается региональной архитектуры, материалов и мастерства, в основном используется термин «Традиционная архитектура» (или «народная»). Премия Driehaus Architecture Prize присуждается крупнейшим авторам в области традиционной или классической архитектуры 21-го века и имеет призовой фонд, вдвое превышающий приз модернистской премии Притцкера.

В Соединенных Штатах различные современные общественные здания построены в неоклассическом стиле, примером тому является Симфонический центр Шермерхорн 2006 года в Нэшвилле.

В Британии ряд архитекторов работают в неоклассическом стиле. Примерами их работы являются две университетские библиотеки: библиотека Мейтленда Робинсона в Даунинг-колледже Квинлана Терри и библиотека Саклера архитекторов Роберта Адама.