明暗对照法（Chiaroscuro）是一种在文艺复兴时期发展起来的油画技术，它使用强烈的明暗色调对比来模拟三维形式，往往具有戏剧性的效果。 根本的原则是，形式的坚固性最好通过光线落在它上面来实现。以开发该技术而闻名的艺术家包括达芬奇，卡拉瓦乔和伦勃朗。它是黑白和低调摄影的中流砥柱。
明暗对照法，是在一个二维图像上，如墙壁，面板，绘画，照相打印纸，给出深度的错觉，在模仿由光在空间这些卷产生的效果卷实。建模，这种体积的表示，可以通过除了明暗对称以外的其他方式来完成，就像在中世纪那样。
对于明暗对比度，或多或少明亮的部分是清晰的或在阴影中。根据不同的照射表面，平滑的或有角上，并且如果光更软或更亮，如果灯罩是更深或更强烈的对比，明暗对比产生难以察觉的过渡，更清晰或残酷和并列拍摄时，整体亮度可能清晰或模糊。这通常包括在一个或多或少的清晰的媒体上进行黑暗的渐变，但有时相反，在暗色的媒体上使用浅色。这个过程因此不同于轮廓或轮廓所获得的图像。
至少在公元前四世纪末，古希腊的古希腊绘画中使用了希腊绘画。自文艺复兴开始以来，明暗对比再次被精确地使用。但是，卡拉瓦乔将会在绘画，雕刻或绘画的艺术中发展这种实践。从十九世纪四十年代开始，摄影为艺术家提供了使用“黑白”彩色，然后彩色的新方法。推而广之，一个空间的性质或多或少灯火通明，电影院或剧院，可以给工作的明暗对比，当画家或摄影师选择和构成空间的机会他希望重现或创造。
明暗对照法起源于文艺复兴时期，画在彩色纸上，艺术家用白色水粉从纸的基调向光明，用墨水，彩色或水彩画向黑暗。这些反过来又利用照明手稿的传统回溯到紫罗兰色的晚期罗马帝国手稿上。这类作品曾经被称为“明暗对比图”，但在现代博物馆的术语中，更多的是用“准备好的纸上的笔，用白色的车身颜色来加强”等形式来描述。 Chiaroscuro木刻开始仿效这种技术。在讨论意大利艺术时，这个术语有时被用来指单色或两种颜色的彩色图像，通常用法语相当于grisaille的英文。这个术语早就意义上扩大了，涵盖了艺术中明暗区域之间的所有强烈反差，而这正是现在的主要意义。
术语“明暗对照法”的技术更多是应用在绘画，绘画或版画中的光造型的效果，其中三维体积由颜色的值渐变和光和阴影形状的分析划分（通常称为“阴影” 。在西方发明这些效果，古希腊的“skiagraphia”或“阴影绘画”，传统上被认为是公元前五世纪着名的雅典画家阿波罗多罗斯（Apollodoros）。尽管很少有古希腊绘画能够存活下来，但是他们对光造型效果的理解仍然可以在公元前四世纪的马赛克佩拉的马赛克中看到，特别是在海伦的绑架之家中的雄鹿马赛克gnosis epoesen，或“知识做了”。
这种技术在拜占庭艺术中也以相当粗糙的标准化形式生存下来，并在中世纪再次被完善，成为十五世纪早期在意大利和佛兰德的绘画和手稿照明的标准，然后传播到所有西方艺术。
拉斐尔的绘画说明，从左边的光线，展示了精致的模型明暗对比度给模型的身体，以及更强烈的明暗对比，在明亮的模型和非常黑暗的背景叶子。然而，使事情进一步复杂化，模型与背景之间对比的构图明暗对比可能不会用这个术语来描述，因为这两个元素几乎完全分离。该术语主要用于描述其中主要组合物的至少一些主要元素显示光明和黑暗之间的过渡的组合物，如在上面和下面所示的Baglioni和Geertgen tot Sint Jans绘画中那样。
明暗对比模型现在被认为是理所当然的，但有一些反对者;英国肖像微型画家尼古拉斯·希利亚德（Nicholas Hilliard）在他的关于绘画的论文中警告说，除了我们在他的作品中看到的最小的用途之外，反映了他的赞助人英格兰女王伊丽莎白一世的看法：“看到最好展示自己的影子，开阔的灯光……女王陛下……选择了她的位置，坐在一个美丽的花园的敞开的小巷里，那里没有树，也没有任何影子……“
在图纸和印刷品中，通常通过使用阴影或平行阴影来实现模型明暗对比。其他技术是洗版，点画或点字效果，以及版画中的“表面色调”。
明暗对照法木刻是木刻中使用两块或更多块不同颜色印刷的老版画。他们不一定强烈对比明暗。它们首先被制作以达到与明暗对比图相似的效果。经过一些早期的书刊印刷实验，真正的两块木刻版画可能是在1508年或1509年由德国的长老卢卡斯·克拉纳赫（Lucas Cranach）首先发明的，尽管他在第一次印刷后，单色印刷，紧随其后的是汉斯·布尔克麦尔（Hans Burgkmair）。尽管瓦萨里（Vasari）在Ugo da Carpi的意大利优先权声明，显然，他的第一个意大利的例子，约1516年。但其他资料显示，第一次明暗对比木刻是安德烈Mantegna创建的凯撒大帝的凯旋，一位意大利画家，介于1470年至1500年之间。另一种观点认为：“卢卡斯·克拉纳赫为了夺取荣耀而回溯了他的两幅作品”，而这一技巧是由布尔克麦尔“极有可能地”马克西米利安找到一种廉价和有效的方式来获得帝国形象的广泛传播，因为他需要鼓起钱来支持十字军东征“。
其他使用该技术的版主包括Hans Wechtlin，Hans Baldung Grien和Parmigianino。在德国，这种技术在1520年左右达到了最高的声望，但在整个十六世纪它在意大利得到了应用。后来的艺术家，如Goltzius，有时候会使用它。在大多数德国的两块印刷品中，键块（或“线块”）以黑色印刷，并且一个或多个色块具有平坦的颜色区域。在意大利，没有钥匙块的明暗印章木刻制作得到非常不同的效果。
手稿明暗对照与许多领域一样，尤其是试图实现雄心勃勃的照明效果，因为结果不是公开展示的。从瑞典圣布里奇特耶稣诞生的愿景（这是一种非常受欢迎的神秘主义）的视角来看，构图明暗对比的发展在北欧得到了相当大的推动。她把婴儿耶稣描述为发光;描绘越来越减少场景中的其他光源，以强调这一效果，圣诞节仍然非常普遍对待巴洛克式的明暗对比。雨果·范·德·戈斯（Hugo van der Goes）和他的追随者们画了许多仅仅由蜡烛或者来自婴儿基督的圣光照亮的场景。就像后来的一些画家一样，他们手中的效果是静止而冷静的，而不是巴洛克风格的戏剧。
强大的明暗对比在十六世纪成为了矫饰和巴洛克艺术中的流行效果。神圣的光线继续照亮丁托列托，维罗纳和他们的众多追随者的作品，而这些作品往往不够完善。一个由一个狭窄而常常看不见的光源所发出的光线照射的黑暗物体的使用，是由Ugo da Carpi（约1455-c.1523），Giovanni Baglione（1566-1643）和Caravaggio （1571年至1610年），其中最后一个是在发展tenebrism风格的关键，戏剧性明暗对话成为主导风格的设备。
Tenebrism特别是在西班牙和那不勒斯的西班牙统治王国，Jusepe de Ribera及其追随者。生活在罗马的德国艺术家亚当·埃尔斯海默（Adam Elsheimer，1578-1610）制作了几个主要以火为主的夜景，有时甚至是月光。与卡拉瓦乔不同的是，他的黑暗领域蕴含着非常微妙的细节和兴趣。彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）对卡拉瓦乔和埃尔斯海默的影响十分强烈，彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）利用他们各自的方法在“十字架的兴起”（1610-1611）等绘画中发挥了戏剧性的效果。作为卡拉瓦乔（Caravaggio）追随者的巴洛克式艺术家艾蒿（Gentrumchi）（1593-1656）也是一位杰出的代言人和明暗对话者。
发展出来的一种特殊类型是烛光点燃的夜间现场，回顾早期的北方艺术家，如Geertgen tot Sint Jans，更多的是对Caravaggio和Elsheimer的创新。这个主题与十七世纪最初几十年来的低地国家的艺术家一起演出，与乌得勒支·卡拉瓦吉斯蒂（Gerrit van Honthorst）和德·范·巴布伦（Dirck van Baburen）以及佛兰德·巴洛克画家如雅各·乔丹斯（Jacob Jordaens）联系在一起。伦勃朗面包车Rijn’s（1606-1669）的早期作品也从1620年代采用了单烛光源。在十七世纪中期荷兰共和国的小夜曲里，烛火纷飞的景象在格里特·窦和戈特弗里德·沙尔肯（Gottfried Schalken）等作品中脱颖而出。
伦勃朗自己对黑暗影响的兴趣在他的成熟作品中转移了。他更少依赖光明与黑暗的鲜明对比，这是上个世纪意大利影响的标志，这是他十七世纪中叶版画的一个因素。在那个媒介中，他与当代意大利的乔凡尼·贝尼代托·卡斯蒂廖内有着许多相似之处，他在版画领域的工作使他发明了这种独特的形象。
在低地国家之外，法国的Georges de La Tour和Trophime Bigot以及英格兰Derby的Joseph Wright等艺术家都以如此强劲而又毕业的烛光明星作为主题。华托在他的FêtesGalantes绿叶背景中使用了一种柔和的明暗对比，而这一点在许多法国艺术家的绘画中得到了延续，尤其是弗拉戈纳（Fragonard）。在本世纪末，福塞利和其他人使用了较重的明暗对比度来达到浪漫的效果，十九世纪的德拉克洛瓦等人也是如此。
法国人使用“克莱尔 – 奥克斯库尔”这个词，是由十七世纪的艺术评论家罗杰·德·皮勒斯在着名论证（Débatsur le coloris）中提出的，他在绘画和色彩的相对优点对话的色彩，1673年，是对Débat的重要贡献）。
至少在十七世纪后期，意大利语用英语表示。尽管表现主义和其他现代运动大大利用了这个效应，但这个术语在十九世纪后期还不太常用。
特别是自二十世纪卡拉瓦乔（Caravaggio）声誉强劲以来，非专业人士使用该术语主要用于强烈的明暗对比效果，如他或伦勃朗（Rembrandt’s）。正如泰特所说的那样：“一般只有当艺术家使用光影的极端对比时，这种作品的一个特别突出的特征才会被提及”。摄影和电影也采用了这个术语。关于这个术语的历史，请参阅克莱尔·柯布尔（RenéVerbraeken）的着作（1979年Nogent-le-Roi）。
明暗对比法也被用于电影摄影，以指示极端低调和高对比度的照明，以在电影中创造明亮和黑暗的区域，特别是在黑白电影中。经典的例子有卡里加里博士（1920年），诺斯费拉托（1922年），大都会（1927年），巴黎圣母院（1939年），魔鬼和丹尼尔韦伯斯特（1941年）的内阁，以及安德烈塔可夫斯基的追踪者黑白场景（1979年）。
例如，在大都会，明暗对比照明被用来创造明暗对比和数字之间的对比。这样做的效果主要是为了突出资本主义精英与工人之间的分歧。
在摄影中，可以使用“伦勃朗灯光”来实现明暗对比。在更高度发展的照相过程中，这种技术也可以被称为“环境/自然照明”，尽管为了达到这个效果，其外观是人造的，而且通常不是纪录片。尤其是比尔·亨森和其他人，如尤金·史密斯，约瑟夫·库德尔卡，加里·温诺格兰德，洛萨·沃勒，安妮·莱博维茨，弗洛里亚·西吉斯蒙迪和拉尔夫·吉布森，可能被认为是现代纪实摄影大师中的明暗对比大师。
斯坦利·库布里克（Stanley Kubrick）的巴里·林登（Barry Lyndon）也许是最直接的用于电影制作的明暗对话。当被告知目前没有任何镜头有足够宽的光圈来拍摄仅使用烛光的盛大宫殿中的古装戏时，库布里克购买并改装了一个特殊镜头用于这些目的：修改后的米切尔BNC相机和蔡司镜头，用于严格的空间摄影，最大光圈为f / .7。电影中自然没有亮丽的照明场景，体现了东欧/苏联电影制作传统（本身就是苏联电影制作人谢尔盖·艾森斯坦（Sergei Eisenstein）所采用的苛刻的低调照明风格）所特有的电影中的低调自然照明。
英格玛·伯格曼（Ingmar Bergman）的长期合作者斯文·尼克维斯特（Sven Nykvist）也用明暗对比现实主义的方式告诉了他摄影的大部分内容，格雷格·托兰德（Gregg Toland）也对格拉斯哥•托兰德（Gregg Toland）进行了广泛的报道，他对拉斯洛·科瓦奇，维尔莫斯·泽格蒙德和维托里奥·斯托拉罗穿过窗户和门口的地平面关键照明。许多着名的电影黑色传统依赖托兰德在三十年代初期完善的与明暗对比相关的技术（虽然高调照明，舞台灯光，正面照明和其他效果以减少明暗对称的方式穿插）。