欧洲音乐具有历史意义的巴洛克风格是从1600年左右到1750年左右的时期。从早期开始，巴洛克风格的音乐就转向了文艺复兴时期的音乐。 通过在同音（主要声乐）歌曲中同时替换复音（多首旋律），让文本占据主导地位，创作歌剧，演播室，音乐和声音，声乐发展迅速。 在巴洛克式早期，模态音阶主要与与音调音乐交换的教堂音乐相关联。 这在声音和构成更高级作品的能力方面都有很大的不同。
非神职人员乐器是巴洛克式的创新。 他们之间有很大的差异，从toccata，关节，preludier，ricercars和capriccio到canzonaer，套房，奏鸣曲和协奏曲。 乐团在巴洛克风格中发展很快，随着乐器变得越来越好，越来越多的乐器被包括在内。 打击巴洛克风格的乐器包括小提琴，大提琴，十字架，单簧管，巴松管，笛子，英式号角以及号角，号角和长号的早期版本。 声乐和器乐中的新船是一般低音的发展，这是将节奏控制在乐器上的第一个例子。 声乐是同性恋的地方，乐器中的音乐保持复调，经常使用对位。
最初巴洛克音乐由意大利作曲家主宰; Claudio Monteverdi是他们中最有名的人之一。 最终荷兰，德国，法国和英国作曲家提出了更多。 每个国家的音乐文化都会随着意大利音乐的不断变化而变化，这些意大利音乐受其启发，或者创作或照顾自己的音乐。 例如，歌剧首先是在意大利歌剧接管之前在德国尝试的。 英国歌剧是意大利歌剧和面具表演的混合体，法国歌剧的特点是有很多芭蕾舞和自己的技术，很长一段时间由Jean-Baptiste Lully统治。 然而，意大利歌剧通过威尼斯和那不勒斯的发展变得更加流行和公众友好。
器乐也有不同的发展。 在意大利，小提琴变得非常受欢迎，而且奏鸣曲是为了展示乐器的特点而发明的。 Arcangelo Corelli对奏鸣曲的成功至关重要。 在法国，像Marc-Antoine Charpentier这样的作曲家创作了法国的博览会和实验室，而这位神奇的孩子艾丽莎贝克雅克德拉格雷尔写下了具有挑战性的西巴尔克里斯。 在德国，HeinrichSchütz和Johann Hermann Schein推出了许多新的音乐风格。 Samuel Scheidt和后来的Johann Pachelbel和Dietrich Buxtehude在风琴音乐方面取得了巨大的成功，包括地质博览会和世俗的艺术和幻想。
已故的酒吧有特别的器乐音乐的巨大发展。 在约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的领导下，无论是toccata，联合还是部分的想象力都有了显着的发展和普及。 格奥尔格·弗里德里希·汉德尔开发了特别的歌剧和实验室，格奥尔格·菲利普·特莱曼开发了音乐会，漫画歌剧和其他一些主题，安东尼奥·维瓦尔第和托马索·阿尔比诺尼对于进一步发展独奏音乐会和独奏音乐会至关重要，Jean-Philippe Rameau开发了法国和意大利的歌剧，多梅尼科·斯卡拉蒂和弗朗索瓦·库珀林，以及泰勒曼，帮助奠定了巴洛克风格之后的格兰特风格。 加兰特风格和古典主义反对巴洛克风格的复杂风格，并希望简单的低音散步和更加世俗的焦点同性恋音乐。
早期的巴洛克音乐（1600-1630）
早期的巴洛克风格经历了一些音乐变化。 文艺复兴时期的过渡发生得很快，重点是可以轻松听到歌词的同音乐风格。 歌剧创作的时候也是这样，因此歌唱和戏剧首先结合在一起。 在此期间，歌剧主要是为了贵族，而在下一个巴洛克时期，对大多数人来说，演奏的频率越来越高。 歌剧演出后不久，这首歌就出现了。 它看起来像歌剧，但戏剧功能要少得多。 第三首歌的风格是颂歌，也是巴洛克式的生物。 它原本不包含戏剧，但是是独奏者合唱团和片段之间的一些解释。
早期军营和文艺复兴之间的另一个重要区别是，巴洛克式风格开始出现器乐和音乐合奏中音乐家数量的增加。 这再次引起了音乐方面的重大变化，包括一般低音的创作，在特殊场合带有特定和弦的即兴低音大厅，以及从情态音乐到音调音乐的过渡。 荷兰和德国的风琴音乐也明显从文艺复兴演变而来。 巴洛克音乐对乐器，音乐家和管弦乐队提出了更高的要求。 它比以前的音乐在色彩，谐波，对位以及除文艺复兴音乐以外的各种技术方面都更先进。
这些乐器基本上就像文艺复兴时期的乐器一样，但其中的一些乐器，如小提琴变得更加重要。 还会考虑乐器的独特声音，以便您可以根据乐器如何响起并使用乐器的独特声音描绘情绪或事件来编写旋律。 另外，音乐也越来越多地用节奏和节奏编排在节奏中，这样人们就更容易预测了。
早期仪器仪器
虽然小提琴已经存在了很长时间，但在17世纪初，它被用在“严肃”的音乐中，如歌剧和芭蕾舞剧。 这就是它与迄今为止首选的游戏竞争的方式。 游戏属于一个家庭，也包括低音提琴和低音提琴。 后两者可能是当今低音提琴的前身。 在严格的家庭中的其他文书包括法国pochette，一开始使用一种没有形式和dreielire的“口袋小说”。
有几种弦乐器，通常是各种各样的，如竖琴，琵琶，曼陀林和西斯特。 在吹制乐器中，长号的前身Sackbut被广泛使用。 Lutte主要用于法国音乐，而理论则在意大利占有更多的位置。
Skalmeien自从700年代进入欧洲以来一直在发展，在接下来的90年里，它获得了全音阶和低音版本。 Skalmeien是双刃乐器，因此与单簧管相比，它更多地与笛子相关。 这是17世纪中叶巴洛克式鲍勃的起点。 此外，还使用了碎屑角，锌，横流和块排。 打击乐器，如派克和禁忌也被使用。 其中一个最常用的场合，特别是在低音声音中，是中等大小房间的小房间和cembalo的线索。 大房间主要是教堂，使用管道。
音乐发展
从文艺复兴到巴洛克音乐的过渡是对西方音乐的重大侵犯之一。 传统风格的歌曲“普莱蒂卡”是文艺复兴时期的声乐复调音乐（同时有许多旋律）与交错的旋律线条。 新风格，seconda pratica，强调独奏，清晰的文字，区分旋律和低音线，并表达和谐的兴趣。 然而，从复音到同音的过渡在歌曲中显着，但在器乐音乐中则是如此，在整个巴洛克音乐中复音是重要的。
克劳迪奥·蒙特维尔第和他的兄弟朱利奥·切萨雷在1605年至1607年间对第一种和第二种做法的区分是为了回应1600年代对蒙特威尔第的“不必要”违反和谐与不协调规则的乔万尼玛丽亚阿图西的批评。 蒙特维尔第的回答是，第一种风格是主导文本的音乐，而另一种则是相反。 蒙特维迪知道第二种做法并不能代替第一种做法，而是一种替代办法。
早期巴洛克最重要的介绍之一就是低音。 一般的低音是经常由两种乐器演奏的低音声音，例如cembalo和大提琴。 一般低音列表仅限于可以不时演奏的和弦，但是在和弦之间有免费的旋律即兴创作。 通过保留一般的低音，这也为旋律乐器提供了更大的即兴创作。
调性也很重要。 基于中世纪的教堂音乐，文艺复兴时期大量使用模态音阶。 然而，巴洛克音乐在音乐方面的发展变得非常苛刻，以至于模态尺度本身不够好。 1600年后不久，过渡到音调的音乐，开放更大的旋律自由，包括不和谐。
另一个早期巴洛克音乐的发展是情感理论，即音乐可以重现情绪的观点。 在这里，一些情感是程式化的，所以大胆，高音和高速度象征着快乐，而悲伤是深沉的。 慢节奏和迟钝，经常伴随着失调和其他情绪，通过旋律，速度，乐器和toneeleie的组合来象征。 尤其是蒙特维尔第在他的歌剧和马德里发展了这一点。
在16世纪中期，浪漫在威尼斯得到了很好的利用，但尤其是在巴洛克式的开始，Giovanni Gabrieli带着几个它真正开始发展的地方。 加布里利写了特别的son子手，并且是第一个一直使用关于音乐作品而没有歌曲的术语。 唯一的奏鸣曲与古典主义的发展远不相同，他们开放以便作曲家确定乐器的强度程度。 加布里利特别试验了相互对话的乐器，两个乐器组相互对立，如弦乐器与铜鼓风机，以及内部鼓风机组或琴弦相互抵触。
歌剧的发展
这部歌剧在巴洛克风格早期被发现，但可能受到了戏剧和音乐混合在一起的灵感来源，包括pastoraldramas，madrigals和intermedios。 此外，像Girolamo Mei这样的人文主义者，他们理解希腊剧是全部演唱的，这对于歌剧背后的想法很重要。 Meise的想法在Count Bardi周围的名为Camerata Fiorentina的学术兴趣圈子中进行了讨论。
讨论是关于如何进行诗歌，戏剧和戏剧演出。 在文艺复兴时期，Madrigals曾被提及过，但这些歌曲是复调歌曲，并且让听众很难跟随这个动作。 在Camerata Fiorentina，monaries中，歌曲是为伴有单一伴奏的歌声编写的，经常在舞台，吉他，cembalo或器官上创作。 只有一首歌曲，跟着动作变得更容易。 此外，短语应该遵循文本的内容，以便短音和高调表达启示，长音和低语音指导更加平静。 首先，尤其是Vincenzo Galilei和Giulio Caccini，他写了巨大的人物，后者在很大程度上发展了他们。 在早期的巴洛克时期结束时，这些单调消失了，但在传播到许多其他欧洲国家之后，并在那里激发了类似的歌曲。
然而，monos是单身歌手，而对florentines感兴趣的音乐则讨论了完成一系列连续演出的可能性。 即使在Bardi搬到罗马之后，讨论仍在继续。 Jacopo Peri在1598年与Daphne（未保留）和1600年的L’Euridice一起创作了第一次尝试歌剧的尝试.Peri还发明了颂词，讲述了故事，并将这些人物（最终是“arians”）绑在一起。 这种谴责的背景是在一个被广泛接受的理论中，古希腊人在半路演唱他们的诗歌。
这部歌剧开始了实验，但克劳迪奥·蒙特维尔蒂认为歌剧找到了它的位置。 在他的歌剧L’Orfeo中，Monteverdi对歌剧中两种实践中的文本和音乐之间的平衡的理解。 他把音乐家放在舞台前面，也放在舞台前面。 除了拥有如此庞大的管弦乐队以及多达40位音乐家之外，音乐的特点还包括不和谐，令人惊讶的和弦以及有意识地使用声音。 蒙特维尔迪曾经使用长号的小提琴，这在当时的世俗音乐中是非同寻常的，以创造地下的感觉，而长笛则创造了更多的田园主题。 管弦乐队在整个管弦乐队期间也发挥了更加积极的作用，他们经常戏剧性地伴随着整个管弦乐队来增强情绪。
蒙特维迪写了几首歌剧。 第二年，L’Arianna来了，几乎没有保存。 然后在1640年Il ritorno d’Ulisse之前没有他的歌剧。在佛罗伦萨，在早期的巴洛克风格中也没有歌剧，尽管一些作品在演出中运作。 Francesca Caccinis从1625年开始解放Roggiero dall’isola d’Alcina，具有蒙特威尔第及其同时代人的歌剧的许多音乐特色，其中包括咏叹调，咏叹调，合唱团和开放音乐会，但被称为芭蕾舞剧。 稍后，罗马接替了歌剧的首都，演唱会变得不那么旋律，而白羊座保留了旋律风格。 在罗马，阉割者也唱了女人的歌。 在罗马等地，Stefano Landi是一位活跃的歌剧作曲家。 他在两部歌剧中都写下了宗教和喜剧主题，通常与Il Sant’Alessio同时出现，或者La Morte d’Orfeo的田园和希腊神话主题。
在这个时期结束的时候，德国也有一种形式的歌剧。 就像在意大利一样，第一部歌剧名为达芬（1627年），但它可能是世俗的颂歌。 它被认为是由海因里希·舒茨写的，但只有剧本被照顾。
Oratories和cantats
在歌剧开始传播后，定向运动员也开始传播。 这些实验室受到日常语言的宗教牧师和劳伊迪宗教文本的启发。 清唱剧（=祷告之家）是基督教文本或信息的呈现，通常类似于歌剧，因为它具有喧嚣，十字架和舞蹈，但它也有一个叙述者阅读圣经中的动作所基于的文本。 然而，这些实验室受到世俗音乐的影响，而且由于歌剧也有宗教主题，所以有时候这种差异变成了演奏者没有舞台布景。 Emilio de’Cavalieri也在歌剧的出现中活跃起来，写了被认为是第一部演唱会La rappresentazione di anima e di corpo（“灵魂与身体的准备”）。 和歌剧一样，德国也出现了各种不同的实验室。 再次，海因里希·舒茨在1623年撰写了第一个德国的案例，复活历史。在德国，关于音乐形式使用了“历史”，直到1640年才发现“清唱”这个词。
这些美女也来得早。 他们大多是罪行，基于世俗或宗教文本。 世俗的颂歌逐渐远离宗教。 这个宗教包含了一个器乐介绍，将咏叹调和分散的珊瑚分开，以及会众将参与歌曲的部分。 这首歌曲后来成为德国作曲家约翰塞巴斯蒂安巴赫的作品。
其他教堂音乐
除了cantats，madrigals和oratory，还有其他宗教旋律类型。 其中之一是法国同行。 这些信条很高兴与大家分享灵感，受到文艺复兴时期的启发，主要是乔瓦尼皮耶路易吉达帕莱斯特里纳，约瑟芬德普雷兹和奥兰多迪拉索。 因此，他们将音乐视为文本的主导。 亚历山德罗格兰迪利用受到众人鼓舞的对立面，因此，由于旋律变得不占统治地位，并且声音在前面得到了更多，因此主题曲更接近了普拉提歌。 这种混音让Grandi特别感受到独奏骚动，抒情和抒情咏叹调的启发。
Girolamo Frescobaldi在器乐中占统治地位。 他在25岁时成为圣彼得教堂的风琴手，并创作了许多钢琴乐器作品，最好是器官。 他写信给ceccalo和器官，capricioer和ricercaros，最经常在教堂的情况下。 Frescobaldi以他的语调语言最为着名，这种语言的特点是模式与接管的主要/音色之间的紧张关系。 除此之外，这意味着他发挥了很多色彩，但他也关注和谐乐器。
在德国也有音乐的发展，其中包括Michael Praetorius为他的珊瑚，特别是他的音乐理论的Syntagma Musicum定义了音乐过渡。 特别是他的三位后裔，海因里希Schütze，约翰赫尔曼Schein和塞缪尔Scheidt，谁在德国主要介绍巴洛克音乐。 三者通常被称为彼此所知道的Praterorius的“三S-er”。
其中，特别是Samuel Scheidt编写管风琴音乐。 Scheidt研究了已建立的器官冠军Jan Pieterszoon Sweelinck的器官技术。 1624年的Scheidts Tabulatura nova被认为是第一个重要的德国器官收藏。 Scheidt利用一般的低音和声音发展，另外他写了旋律中的对比。 Scheidt在幻想曲中特别活跃，他的风琴音乐对当时的北德乐器音乐的发展非常重要。
Johann Hermann Schein成功地将现代和意大利与德国珊瑚传统相融合。 除此之外，他还为歌声添加了一首装饰性的歌曲，并将短语分成不同的声音，以使路德教会的音乐得到发展。 他还在后来的作品中加入了独奏乐器，并在所有的独奏乐曲和部分之间进行了对比。 这些作品都被命名为Opella nova，很长一段时间为新教作曲家设定了教堂音乐的标准。
海因里希Schütz可能是三个中最有影响力的人。 作为Giovanni Gabrieli的学生和Monteverdi的访问者，他学到了很多关于使用声音和语音来获得最佳讯息的知识。 他借用了Gabrieli的主要编曲，例如分别在德国和拉丁的诗歌David和Cantion的圣歌中，这两首歌都是德文和拉丁文的。 Schütz也写歌剧和实验室，但远离纯器乐。 Schütz继续发展远远超过这个时期的教堂音乐。 因为加布里埃利能够使用几头奶牛，因此舒特兹成为了特别出名的人，并且将他们的奶牛与独唱者对立起来。 这意味着他创造了戏剧性的体验来突出文字。 因此，Schütz可以安全地放在第二次练习中。