室内画像（portrait d’intérieur）或德语中的室内绘图（Zimmerbild）是17世纪末欧洲出现的一种图像类型，在19世纪下半叶享有盛名。它涉及到一个生活空间的仔细，详细的代表，没有任何人。这些画通常是水彩画，需要很大的技术掌握，如果没有创造力。到了20世纪中叶，虽然这样的场景还在创作，摄影却把这种绘画风格变成了故意古朴的形式。
室内画像一词指的是一种绘画风格，主要表现为私人内部装饰，几乎完全在比德迈文化时代广为流传。
室内画像不应与英格兰所谓的“谈话场景”混淆，谈话场景指的是一群从事某种活动并经常放置在户外的人。真正的室内画像品只显示房间和装饰，尽管之前的活动可能是通过在房间中放置物品来建议的。
有绘画作为图画，水彩和水粉，以及在不同的混合技术。它们相对较小，平均景观尺寸约为32.5×22.5厘米，上下偏差较大，但较少见。在大多数情况下，插图的原理是套盒。焦点通常从中心向左偏移一点。这些作品不是业余爱好者的作品，而是专业艺术家的作品，部分是由专业的“房间画家”。一个清晰的例子，体裁享受了一段时间是一系列的九个水彩画，着名的建筑画家爱德华Gaertner由皇室委托在柏林市宫殿内创建内饰。
在某个特定的时间，特定内部的状态被描述得非常准确 – 家具的外观和布置，壁纸，窗帘和地毯的颜色和图案，带有艺术作品的房间的设计，日常用品或装饰品。内部的这种细致的再现揭示了同时代人处理他们的私人环境的对象的同时，也清楚地表明他们也想记录这一点。人们很少在这些照片中显示出来，如果是这样，那么几乎没有他们的个人特色，而是小规模的，并且在与每个房间的目的相对应的活动中。最重要的是，个人是通过对他的私人环境的精确描述间接地呈现出来的。
房间照片通常是在某些场合作为个人礼物委托的。普鲁士公主伊丽莎白给她的父母照了一张柏林托儿所的照片，她去了达姆施塔特，年轻时就结婚了。黑森 – 达姆施塔特大公路路德维希二世的一幅水彩画是他死后的复制品，并被遗弃了。叶子可能被传递，至少没有公开发行，也没有出售。他们被整理成专辑，在社会上受到女性欢迎，并在家庭环境中观看。这些选集除了具有情感意义之外，还是对艺术的理解，对所有者的教育水平和社会地位的认识。
早期的室内画像
在十六世纪德国人和荷兰早期的绘画作品中，内部是长期存在的，在17世纪的荷兰画作中，作为前景和亲密肖像的背景。在十七世纪的荷兰，室内的形象成为国家艺术的早期流派。
在欧洲中世纪的时代，不仅注意到罗马式和哥特式教堂和大教堂的内部，还注意私人住宅。修道院和世俗的室内装饰（罗马式和哥特式）在禁欲主义和最低限度的家具上有所不同。但即使如此，还是有一个预约的重新分配 – 厨房，大厅，餐厅，业主卧室，客房和卧室，仆人，武库，监护人的住处。早期荷兰绘画作品中的中世纪室内设计或其角落的数量有限，这些作品在早期荷属安的列斯的绘画中反映在当代缩影中，后者长期依赖于中世纪的经验。内部的图像从原理图像慢慢演变而来
荷兰早期绘画的杰作是新婚夫妇阿诺菲尼的作品扬·范艾克（Jan van Eyck，1434年，伦敦国家美术馆）的肖像。这位艺术家在这座古老的房子的内部宣布了一个结婚誓言，在那里他和一个早已定居在荷兰的意大利商人结了婚。杨·凡·艾克（Jan van Eyk）也敢于在不掩饰新婚夫妇的年龄和性格差异的情况下，扩大通常肖像的界限，现在正是重现了不寻常的衣服。新婚夫妇在房间里，窗外的柔和闪烁的光芒照亮。 Jan van Eyk在中世纪的传统之后，在房间里摆放了许多具有实际意义和象征意义的东西：一支点燃的蜡烛，一抹婚礼，一个橙色的窗户，一点点的快乐，一个房间的小狗，忠诚的寓言，讽刺或harness – – 虔诚等等。但是，家居事物形象的特殊性，使观者回到了日常生活中的现实与事物的关系，统治者对纯洁，方便，幸福和舒适的渴望，这种固有的，愉快的对于那些喧闹的游牧的意大利人来说，这种情况并不常见，他们甚至可以在游牧广场上转换甚至是宫殿。意大利内饰的不便和不协调随后向荷兰和德国旅客抱怨。
德国图形大师创造了众多的室内图像。其中，作为宗教场景（“报喜”，“拉伸”），以及创始人的形象（“在细胞中的圣杰罗姆”）。细胞中的圣哲罗尼姆的形象实际上是封闭的，从中世纪的主人转变为再生和矫饰时代的主人，他们每个人都对神学家的细胞进行了自己的解释。
在世俗的故事中，人们在闲暇时间（Izrod van Mekenem Jr.（1440-1503），雕刻“回旋处的舞蹈”）或在自己的工作室中刻有工匠的图像（雕刻家约斯特·安曼，“布鲁尔”，“Tkach Kilimar”，“印刷厂”，“药房”，“美发沙龙”，“工作室彩绘玻璃”）内部不与人或国内的情况分开 – 分离了很长一段时间，但是主人们自由地复制了当代家具，家居用品，机床，仪器和服装的特点，在与工匠的雕刻周期中，正是这些工艺品的特点是技术功能，特点，甚至技术特点。
17世纪室内肖像
这种场景首先出现在17世纪末。那个时候，意图完全是描述性的。他们通常是专门来展示一个艺术画廊，个人图书馆或好奇内阁的内容。最早的例子之一是描绘了伦敦的塞缪尔·佩皮斯（Samuel Pepys）图书馆，该图书馆的历史可追溯到1693年。他们今天仍然受到研究人员和装饰者的重视。就佩皮斯而言，可以直接看出当时的一位学者是如何把他的书放在一个书柜里的（当时的一种创新），使用讲台，为他的舒适放置垫子，挂图等等。
荷兰的艺术在十五和十六世纪所有属于荷兰历史区域的地区的艺术中都是合乎逻辑的，这些地区与佛兰德一起是一个单一的政治组织。从十七世纪开始，就形成了一个国家与艺术的分野，形成了两个起源独特，性格不同的民族艺术流派。忏悔的差异也促成了艺术的区别。荷兰南部和法兰德斯仍然在天主教的怀抱里，那里的宗教艺术在17世纪有了新的开花。在巴洛克风格。荷兰已经成为一个新教国家，文化的现实指导和巴洛克风格的有限使用。
在17世纪初，荷兰经历了多年的自我肯定和活跃。因为独立于西班牙强大帝国的斗争成功结束了。刚刚出现在西欧政治版图上的这个年轻国家的确认工作很长。居民的行为和国家艺术都自生自灭，乐于主义，而意大利天主教徒的宗教限制也被剥夺了。新教的统治，没有承认天主教模式的宗教画，并通过禁忌偶像阶段，导致宗教画订单大幅减少。相反，它会导致流派的世俗主题爆炸性的传播。在荷兰艺术中，非凡的力量和发展获得了意大利或法国着名的当代艺术中心甚至不为人知的肖像，风景，日常风格，静物，室内风格。
荷兰艺术家很高兴绘制自己的和外国的住宅的内饰。几乎所有着名的扬·维尔默（Jan Wermer）的作品都是在舒适的，较为古老的内饰中展现的。与数字不同寻常的室内主人是Jan Stan，Peter de Hooh，Gerard Terborh。在圣彼得圣安德烈，安东尼·德·洛梅画的教堂的禁欲室内，经过多年的禁锢之后，被抛弃了。温暖的情怀是Emmanuel de Witte画中神圣的内饰，被太阳照亮，并没有细节的混乱。 Peter Codde，Cornelis Beag，Michiel vanMücher，Adrian van Gasbeck，Cornelis Belt记录了贫穷的编织者，艺术家，barrites，公证人，小工匠，锻造铁匠的半农户。作品的份额是与内部的义务角落 – 这是“在他自己的办公室的科学家”。伦勃朗，所罗门Konink，Bartolomeus Maton，君士坦丁Nettsher，多米尼克面包车Tol创造了他们自己变形与一个成人或灰色字符，无论是作为神学家，或作为一个占星家（与书，地球仪）。荷兰大师画的内饰伴随着一个从出生到死亡的人，或者是一个17世纪荷兰艺术的特殊类型的“解剖学课程”（所有人都会参观）。
17世纪的荷兰艺术成为17世纪欧洲艺术形态的一个奇特现象。由荷兰艺术家创办的艺术家来自欧洲其他欧洲艺术学校。
直到十八世纪的最后一个季度，才有了一种不同意图的新型内饰。这种类型首先出现在建筑公司，是为了他们的客户的利益。苏格兰的James Adam和他的兄弟Robert Adam以及François-JosephBélanger等伟大的建筑师将执行他们以前项目的水彩画，以吸引潜在客户。这在富人和贵族中间创造了一个时代，委托自己的房间绘画，炫耀和保存后代。这些画往往被编辑成专辑。这种狂热在英格兰特别流行。从那里，它遍布整个欧洲。
比德迈的一个特点是向简单和谦虚的发展 – 不是作为一种道德的态度，而是作为一种风格的问题。而不是充满形式和丰富的黄金应用，简单，正式减少的对象和简单但精心制作的材料被认为是美学质量的证明。这种谦虚的谦虚是昂贵的。贵族和富裕的资产阶级越来越负担得起 – 他们在图片上记录了成就。
十八世纪的分流
一段时间的18世纪的艺术。在法国，分为两个主要时期 – 洛可可式和古典主义（或18世纪后期的新古典主义）或是非生产性的国王。这种在法国艺术中盛行的简单化的方法是相当简单的，不依赖历史模式及其在现实中的印记。简单化的方法忽视了真正的变化，强调其他事件，推动了反封建斗争的热潮和革命古典主义这个西欧艺术独特现象的时代的重要性。
想法和风格的变化的真实情况变得更加复杂，讨厌，多阶段。
十八世纪的头十年。 – 这是学术古典主义，非常奇特，更像“巴洛克”的古典主义。
文体方向之前是一段时期的可可，其弱小的萌芽突破了几个不同的大师的作品，不一定是法国人（荷兰人尼古拉斯·贝尔凯姆，威尼斯的意大利罗萨尔巴生涯）
洛可可（17世纪学术古典主义与本世纪末的新古典主义之间的联系）。
启蒙运动与洛可可并行同步发展，切实准备了1789-1793两年度的反封建革命。
18世纪后期的古典主义。与感伤主义，短期革命古典主义并存，强加于法国（拿破仑及其元帅支持者）帝国的艺术。
古典主义（和帝国）一直持续到19世纪30年代和1850年代，与浪漫主义并存。
几乎在所有时期，宣称为总统制的历史绘画失去了领导地位，屈服于肖像流派。对于几乎所有本世纪已知的艺术家来说，法国和意大利的洛可可支持者都是肖像画家，画像处于思想斗争的中心，实际上是为了艺术的追求。 。
洛可可式室内画像
十八世纪初在巴黎的洛可可风格诞生了。为了形成一种新的绘画风格，艺术家法国人安托万·沃托（Antoine Watteau）和意大利人威尼斯·罗萨尔巴（Venice Rosalba），积极支持富人和赞助人佩德罗·克罗兹（Pedro Croz）。圣日耳曼博弗兰成为第一个在众多酒店（法国贵族私人城市庄园）宫殿装饰中发起洛可可的室内设计师的重要人物。 Hotel Subiz的椭圆形大厅已经成为一种新风格的典范，它拒绝了经典的构造和柱式壁柱，拱形的窗户，蔬菜装饰，插在插图上，传到了天花板上。普通的建筑被木板取代，绘画和镜子被编织成奇怪的曲折装饰，轻盈而又反复无常。内饰的一个重要特点是轻便舒适的家具，取代了郁郁葱葱的巴洛克式家具。
艺术本身就是贵族，服务于社会特权国家的需要。洛可可艺术（轻浮，崇拜，调情）似乎取悦贵族，轻松娱乐。如果不是由一些极具天赋的艺术家，包括Germain Boffran来处理洛可可风格，那么这本书仍然是时尚网页之一。自哥特时代以来，内饰首次拒绝了这个命令，用植物或波浪装饰取而代之。时尚，修理和重建其他风格的场所的变化并没有对保存洛可可式的内饰作出贡献。他们重要的艺术价值的概念将在晚些时候出现。那是在十九世纪，在二十世纪的照片和照片中，他们将被记录在一系列的水彩画中（由美国着名画家霍德·爱德华·彼得罗维奇绘画，大庭园的内部）。在英国岩石上的洛可可式的艺术价值，使得历史学家转向在维多利亚和阿尔伯特博物馆（诺福克纳瓦斯音乐厅）诺福克努斯宫的独特装饰，在那里它将成为过去的重要展览。
在十九世纪的室内画像
室内肖像的第一个历史重要的例子是1812年在马尔迈松（Malmaison）的约瑟芬皇后（Josephine）设立的一个小型艺术画廊。在奥古斯特 – 西蒙·加内雷（Auguste-SiméonGarneray）的这幅水彩画中，我们可以看到她的竖琴，艺术收藏和披肩留在扶手椅上。因此，出现了一个新的元素：装饰的心理元素和可触知的人的存在。人们可以感受到主人的情绪和想法。从这个意义上讲，这些画真正成了“肖像画”。
十九世纪将经历这些绘画作品的流行，这是由许多因素解释。在高级社会阶层，这种现象恰恰与家庭作为安慰，亲密，家庭的重要性越来越重要。硬币功能正在变得越来越专业化：例如，餐厅的概念现在是标准6。另一方面，新兴的中产阶级的发展，急于仿效贵族的口味，增加了运动的速度：随着世纪的发展，家具变得更加经济实惠，得益于工业技术的连续制造，各种各样的选择。最后，装饰模式得到了迅速更新，以前的风格被重新审视：新哥特式，新古典主义，新路易十五等等。因此，屋主常常要求他们的内部观点来记忆，提供或遗赠他们。
内部作为俄罗斯绘画流派的出现与阿列克谢·维涅涅诺夫的工作有关。在参观帝国冬宫，他看到大弗朗索瓦教堂唱诗班嘉布遣会修道院巴贝里尼广场在罗马的照片“。图片法国同胞袭击祷告天主教僧侣和严格的禁欲主义的现实主义，neparadnoho内部Venetsianov浓度。他计划创造类似的东西，但在俄罗斯的材料。去了村庄，点了一个建筑的木墙，写了一张“幽默”的照片。一系列农村题材的Venetsanova同时代积极的评价作为国家，非学术和nechuzhynsku情节。而“Gumno”这幅画却引起了一些内部画作的出现。尤其是著名的为他们所谓的venetsianovska是农奴艺术家学校的学生。
豪华的内饰皇家住宅记录路易吉Prematstsy爱德华口，埃弗格拉夫·费多罗维奇·克里多瓦斯基，Mokritskiy A.，K.乌赫托姆斯基，A Zaryanko小心保存和现有的。更有趣的将是家庭和povintsiynyh穷人的内饰地主土地，漫不经心地草草销毁记录业余业主或轻微的和业余的艺术家。
内饰的风格是不是死了，新的舞台风格吸引了才华横溢的职业艺术家（瓦西里·波列诺夫，Somov康斯坦丁·安德烈耶维奇）和艺术家，布景师，谁在影院心甘情愿工作（康斯坦丁·科罗文，亚历山大·戈洛文，亚历山大BENOIS N.）。
这些绘画在十九世纪的广泛流行可以由许多因素来解释。在新贵和资产阶级中，家庭作为安慰，亲密和家庭的地方是非常重要的。这个时期也出现了一些专门化（例如独立的餐厅），这些专门化过去一度只为富人所知。这些新的“中产阶级”也渴望复制贵族的口味和工业化，使得家具更容易承受得多。最后，装饰风格不断被改变和复活，所以内部肖像是一种保留自己的记忆，并传递给下一代的方式。
维多利亚女王非常喜欢这些肖像，因为他们允许她以高雅的方式向公众展示她的家庭生活和家庭的舒适。这种热潮因此传遍了整个欧洲王室。由于拥有华丽宫殿（冬宫，普式金，宫廷，彼得夏宫，巴甫洛夫斯克宫…）的数量，沙皇是最热烈的室内肖像专员之一。几乎所有的房间（除了最私密的房间）都至少被渲染过一次。几次。这些水彩画被认为是他们的流派中最好的。
在接下来的历史部分，这些形象保留了一段时间的私人记忆价值，但是通过审美观点和个人习惯的转变而失去了意义。以这种特殊的方式记录自己的四面墙的愿望不再像以前那样普遍。任何人仍然希望使用“现代”摄影媒介。然而，在距离他们创作的距离更远的时候，比德迈画室又成为文化史上特殊信息的重要来源。
二十世纪的复苏
在二十世纪和今天，一些艺术家使这一传统延续下去。艺术家今天延续了室内肖像的艺术，在水彩或油画的秩序上工作。房主们可以把他们的家园看成是记住他们，把他们提供给他们，或者把他们遗赠给他们的孩子，作为生活幸福或者生活在爱人的地方的证明。装饰者也使用这种艺术，他们想要给一个特殊的氛围。
专业艺术家
当每个有文化的年轻女子学会画水彩画的时候，许多人都画自己的房间，或者给他们上课。大多数幸存下来的例子都是匿名的，而且很少有高质量的，但是它们常常具有弥补技术专长缺乏的魅力。
然而，贵族的一些成员具有真正的才能，接近专业。例如，波兰人伯爵（Artur Potocki）从罗马到伦敦，广泛地旅行，把旅馆房间和他住的地方的水彩画画上。
尽管如此，几乎所有最高质量的作品都是由水彩画精湛的专业人士制作的，并且具有透彻的视觉效果……特别是圆锥形的视角，有两到三个消失点，为现代人的眼睛带来了令人毛骨悚然的摄影效果。
除了少数例外，如法国的Jean-Baptiste Isabey和EugèneLami，建筑师John Nash和家具制造商Thomas Sheraton（英格兰），很少有专门处理这些肖像的艺术家今天仍然很熟悉。在一些着名的艺术家谁制作他们，没有提到过：
在英格兰：威廉亨利亨特，玛丽埃伦最佳，威廉亨利比恩。
在法国：Charles Percier，Adrien Dauzats。
在德国：Ferdinand Rothbart，Rudolf von Alt，Eduard Gaertner。
在俄罗斯：Eduard Hau，Vasily Sadovnikov，Konstantin Ukhtomsky，Grigory Chernetsov，Nikanor Chernetsov（他的兄弟），Alexander Brullov，Karl Brullov（他的兄弟），Pyotr Sokolov，Orest Kiprensky，Alexey Venetsianov。
在波兰，Aleksander Gryglewski。