在第56届国际艺术展览会（la Biennale di Venezia）中，麻省理工学院名单视觉艺术中心委托视频和行为艺术的先驱人物琼·乔纳斯（Joan Jonas）创建了一个新的多媒体装置，该装置占据了美国馆五个画廊的全部。
该装置融合了乔纳斯（Jonas）的标志性表演，影像艺术，素描和雕塑作品，创造了一个沉浸式的，多部分的旅程，以应对自然世界的脆弱性。
五十年来，乔纳斯（Jonas）一直处于跨学科艺术形式的先锋。她在视频，雕塑和表演方面的开创性融合创造了广阔的环境，从而改变了传统的图像制作和叙事模型。在1960年代后期出现的最具影响力的视频和表演艺术家中，乔纳斯（Jonas）继续创造新的作品，这些作品考虑了景观中的人物，仪式性使用的物体和手势以及自然环境的脆弱性等主题。人类世的年龄。她的作品最近在泰特现代美术馆（Tate Modern）进行了大型回顾展，并且获得了2018年京都奖（Kyoto Prize）的奖项，该奖项旨在表彰全球成就和对人类的贡献。
受到乔纳斯（Jonas）对HalldόrLaxness的奇幻小说《冰川下》，她在新斯科舍省的夏天以及自然奇观的早期考察的启发，《无言而来的他们来到我们》整合了视频，绘画，声音，物体和表现，建造了五个沉浸式画廊，每个画廊都组织得井井有条围绕中心图像（蜜蜂，鱼，镜子，风和居室）。从新斯科舍省布雷顿角（Cape Breton）口头传承而来的鬼故事片段，形成了一种非线性的叙述，将每个画廊与下一个画廊联系起来。通过不同媒介之间的相互作用，《无言而来的它们来到我们》反映了人类对自然生态系统的干扰，创造了一种体验，每个艺术元素的影响都在整个房间中回荡。这些元素合在一起构成了高度复杂的作品，描绘了断裂但相互依存的生命链。
传记
琼·乔纳斯（Joan Jonas，1936年7月13日出生）是美国视觉艺术家，还是录像和表演艺术的先驱，他是1960年代末和1970年代初崭露头角的最重要的女性艺术家之一。乔纳斯（Jonas）的项目和实验为许多视频表演艺术奠定了基础。她的影响力还扩展到概念艺术，剧院，表演艺术和其他视觉媒体。她在纽约和加拿大新斯科舍省生活和工作。
乔纳斯（Jonas）于1936年出生于纽约。电子艺术混音，于2014年8月13日检索。 ref> 1958年，她从马萨诸塞州南哈德利的霍利奥克学院获得艺术史学士学位。后来，她在波士顿美术博物馆学院学习雕塑和素描，并于1965年从哥伦比亚大学获得雕塑艺术硕士学位。沉浸于1960年代纽约市区艺术风光的乔纳斯在编舞家Trisha Brown的陪伴下学习了两年。乔纳斯还与编舞家伊冯娜·雷纳（Yvonne Rainer）和史蒂夫·帕克斯顿（Steve Paxton）合作。
尽管乔纳斯（Jonas）最初是雕塑家，但到了1968年，她进入了当时的前沿领域：将表演与道具和媒介图像混合在一起，并放置在户外的城市或乡村景观和/或工业环境中。 1968年至1971年之间，乔纳斯（Jonas）表演了《镜子碎片》，该作品以镜子为中心图案或道具。在这些早期的表演中，镜子成为（自我）肖像，表现形式，身体以及真实与虚构的象征，同时有时还添加了危险元素，并且与观众之间的联系成为作品不可或缺的一部分。在《风（1968）》中，乔纳斯（Jonas）拍摄了表演者在风中僵硬地穿过视野，这使编排成为一种心理神秘感。
1970年，乔纳斯（Jonas）与日本雕塑家理查德·塞拉（Richard Serra）一起去了日本，在那里她买了第一台摄像机，并看到了能，文乐和歌舞uki剧院。她在1972年至1976年之间的录像表演将演员演员缩减为艺术家本人，并在纽约的阁楼中以有机蜂蜜的身份表演，她的开创性自我意识被发明为“电子色情的诱惑者”，看到的像洋娃娃般的脸庞反映了镜头上的镜头探索了破碎的女性形象和女性角色的转变。绘画，服装，面具以及与记录的图像的交互是与感知和意义加倍相关的效果。在《有机蜂蜜》的《视觉心灵感应》（1972）一书中，乔纳斯将自己的碎片图像扫描到了视频屏幕上。在《骚动》（1973）中，一个女人在另一个女人的倒影下默默地游泳。 Songdelay（1973）用远摄镜头和广角镜头拍摄（在景深方面产生了相反的极端），拍摄了Jonas在日本的旅行，在那里她看到一群能乐表演者拍手敲木块并作角运动。在对MoMA的视频采访中，乔纳斯（Jonas）将她的作品描述为雌雄同体。她解释说，较早的作品更多地参与了女性白话艺术的寻找，而且与雕塑和绘画不同，视频更加开放，更少受到男性的控制。
1975年，乔纳斯（Jonas）由摄影师罗伯特·弗兰克（Robert Frank）和小说家，编剧，剧作家鲁迪·沃里策（Rudy Wurlitzer）出演电影《忙碌》（Keep Busy）。 1976年，乔纳斯（Jonas）与《杜松树》（Juniper Tree）形成了一种叙事结构，其来源来自童话，神话，诗歌和民间歌曲等多种文学来源，从而形成了一种高度复杂的非线性呈现方式。瞻博树使用丰富多彩的舞台布景和录制的声音，讲述了格林兄弟的一个原型邪恶继母及其家人的故事。
在1990年代，乔纳斯的《我的新剧院》系列不再依赖于她的身体状态。依次调查了三部分：布雷顿角舞者和他的当地文化；乔纳斯（Jonas）画风景时，一只狗跳过铁环；最后，使用石头，服饰，载满记忆的物品和她的狗，拍摄有关表演行为的视频。她还创作了《被已知地方的思想反抗……》（1992年）和《井中的女人》（1996/2000年）。
乔纳斯（Jonas）在为第11届文献展（Documenta 11）安排的装置/表演中，以作家HD（希尔达·杜利特尔（Hilda Doolittle）的史诗《埃及的海伦》（Hilda Doolittle） 1951–55年），它重塑了特洛伊海伦的神话。乔纳斯（Jonas）在《厨房》中有许多早期表演，包括《漏斗》（Funnel，1972）和《垂直辊》（Vertical Roll）（1972）的放映。乔纳斯（Jonas）在2004年由文艺复兴协会（The Renaissance Society）制作的《形状，气味，事物的感觉》中借鉴了阿比·沃伯格（Aby Warburg）在霍皮影像上的作品。
自1970年以来，乔纳斯（Jonas）每年夏天都在新斯科舍省布雷顿角（Cape Breton）度过。她曾在希腊，摩洛哥，印度，德国，荷兰，冰岛，波兰，匈牙利和爱尔兰工作和生活。
乔纳斯的作品于1960年代和70年代首次为她那代最有影响力的艺术家演出，包括理查德·塞拉（Richard Serra），罗伯特·史密森（Robert Smithson），丹·格雷厄姆（Dan Graham）和劳里·安德森（Laurie Anderson）。尽管她在欧洲广为人知，但她的开创性表演在美国却鲜为人知，正如评论家道格拉斯·克里普（Douglas Crimp）在1983年对她的作品所说的那样，“现代主义实践中的破裂后来被压制，消除了。”然而，在重新整理早期和近期作品的过程中，乔纳斯（Jonas）继续在主题以及性别和身份问题中寻找新的意义层，这已经推动了她的艺术发展了三十多年。
Jonas的表演受到德国人类学家Aby Warburg，The Shape，The Scent和The Feel of Things著作的启发，并由Dia Beacon委托创作，并于2005年至2006年两次演出。该项目与钢琴家Jason建立了持续不断的合作关系。莫兰
在2014/2015年度，维也纳国家歌剧院的琼·乔纳斯（Joan Jonas）设计了一张大型图片（176平方米），作为展览系列“安全幕”的一部分，由博物馆进行构思。
乔纳斯（Jonas）还在2003年为罗伯特·阿什利（Robert Ashley）的歌剧《天体游览》担任编舞
教学
从1993年开始，总部位于纽约的乔纳斯（Jonas）每年在洛杉矶度过一部分时光，在UCLA艺术学院教授新流派的课程。 1994年，她成为德国斯图加特州立美术学院的正式教授。自1998年以来，她一直担任麻省理工学院（MIT）视觉艺术教授，目前是建筑与规划学院艺术，文化和技术领域的Emerita教授。
承认
乔纳斯（Jonas）获得了国家艺术基金会的舞蹈，视频和视觉艺术奖学金和助学金；洛克菲勒基金会；当代艺术电视（CAT）基金；纽约WNET / 13电视实验室；纽约罗彻斯特WXXI-TV的艺术家电视工作坊；和Deutscher Akademischer Austausch Dienst（DAAD）。乔纳斯（Jonas）在东京国际影像艺术节上获得了兵库县现代艺术博物馆奖，影像宝丽来奖和美国电影学院玛雅狄仁影像奖。
2009年，乔纳斯（Jonas）被所罗门·R·古根海姆博物馆（Solomon R. Guggenheim Museum）授予终身成就奖。
2012年，乔纳斯（Jonas）在“厨房之春”联欢晚会之际获此殊荣。
乔纳斯（Jonas）被任命为2016年Whitechapel画廊艺术偶像。2018年，乔纳斯（Jonas）获得了京都艺术奖。
乔纳斯（Jonas）获得了《匿名女人》（1998年）的奖项；洛克菲勒基金会（1990）；美国电影学会的玛雅Deren影片奖（1989）；古根海姆基金会（1976）;和国家艺术基金会（1974）。
公共收藏
琼·乔纳斯（Joan Jonas）由加文·布朗（Gavin Brown）的企业在纽约市代表，罗萨蒙德·费尔森画廊（Rosamund Felsen Gallery）在洛杉矶代表。除了从事艺术创作外，乔纳斯（Jonas）自2018年以来一直担任豪瑟沃斯研究所（Hauser＆Wirth Institute）的顾问委员会成员。
乔纳斯的工作可以在许多公共机构中找到，包括：
纽约现代艺术博物馆
纽约所罗门·R·古根海姆博物馆
泰特现代美术馆，伦敦
展览
琼·乔纳斯（Joan Jonas）构想出一种新的作品组合，创造了多层的氛围，融合了视频，绘画，物体和声音。文学一直是乔纳斯（Jonas）的灵感和来源，威尼斯的项目将把她的研究范围扩展到哈尔多·松驰（HalldórLaxness）的工作以及他对自然精神方面的写作，但还将侧重于其他文学资源。
乔纳斯（Jonas）在她的整个职业生涯中继续致力于多媒体方法的研究，她是最早探索摄像机作为图像制作工具以及将电视监视器作为雕塑对象潜力的艺术家之一。同时，乔纳斯（Jonas）在她的表演中进行了尝试，将身体融入了视野。她的装置和表演通过绘画，道具和物体将这些组件整合在一起，创作出反映她对空间，叙事或故事讲述以及材料的研究作品，这些材料是通过各种技术（例如镜子，视频和距离）进行更改的。在威尼斯，她将结合自己实践中的这些不同方面，创建五个不同的房间，其主题在整个空间中统一并引起共鸣，与诗意的世界现状相关。
乔纳斯（Jonas）的工作源于她的艺术史研究和雕塑实践，并通过参与纽约前卫场景在1960年代扩展到表演和电影。迄今为止，她的作品对当代艺术产生了重大影响，因为在过去的五十年里，她一直是表演和录像艺术领域的主要人物。
名单将与她在美国馆展出的新作品同时呈现，琼·乔纳斯（Joan Jonas）：1972-2005年精选电影和录像带。由Henriette Huldisch策划，此次展览将从2015年4月7日至7月5日在List的Bakalar画廊展出乔纳斯40年来职业生涯中精选的七个最重要的单频道视频作品。这场亲密的展览将提供重要背景以及乔纳斯在威尼斯同时展出的新作品的背景，并将与当地观众分享重要的录像带和表演，从而使该艺术家被选为2015年威尼斯双年展的美国代表。展览的作品包括：
有机蜂蜜的视觉心灵感应（1972）
宋德莱（1973）
晚安，早安（1976）
幻影（1976）
双月狗（1984）
佐贺火山（1989）
沙行（2002-2005）
主题
它们不带任何文字来到我们身边，其中包括视频，绘画，雕塑和表演元素，在瞬息万变的情况下唤起了自然的脆弱性。展馆的每个房间代表一个特定的生物（蜜蜂，鱼），物体（镜子），力量（风）或地方（居室）。从一个新斯科舍省布雷顿角的口头传统中获得的幽灵故事的片段，是将一个房间与另一个房间联系起来的连续叙事的一部分。这些口语片段部分地用作对剩余内容的参考。乔纳斯（Jonas）说：“我们被困扰，房间被困扰。”亭子院子里的一块室外物件由用电线固定在一起的枯树树干组成，呼应了装置的主题。
其中四个房间均设有两个视频，一个代表房间的主要主题，另一个代表鬼魂的叙述。乔纳斯（Jonas）于2015年在纽约与五岁至十六岁的儿童一起制作了这些视频。孩子们在视频背景前表演，其中包括乔纳斯早期作品的摘录以及艺术家在加拿大新斯科舍省和纽约布鲁克林拍摄的风景。
在每个房间中，与乔纳斯（Jonas）极具特色的绘画一道放置了一些用作道具的物体。装置由乔纳斯（Jonas）设计的配乐制作动画，使用了爵士钢琴家，作曲家杰森·莫兰（Jason Moran）的音乐摘录以及挪威萨米族歌手安德·索姆比（ÁndeSomby）的歌曲。定制的照明是由设计师Jan Kroeze设计的。
展馆圆形大厅的镶板墙壁上都装有镜子，乔纳斯（Jonas）在那里的天花板上悬挂了一个水晶珠子状的枝形吊灯结构。波纹状的镜子是乔纳斯（Jonas）构思并在穆拉诺（Murano）手工制作的。
琼·乔纳斯（Joan Jonas）凭借其令人回味的视频和声音装置获得了国际评审团颁发的第56届威尼斯双年展特别奖。乔纳斯（Jonas）的装置，视频作品和表演将这些组成部分与绘画，道具，物体和语言结合在一起，反映了她对如何通过镜子，距离，视频和叙事媒介改变图像的研究。
表演艺术
在展览的同时，乔纳斯（Jonas）展示了《移离陆地》的表演，这是对海洋力量的令人敬佩的赞美和诗意的回应。多层表演汇集了阅读，舞蹈，现场绘画和投影，以描绘海洋的生物多样性居民和濒临灭绝的海洋文化。
琼·乔纳斯（Joan Jonas）的多媒体装置《他们无言以对，我们来了》于2015年7月在威尼斯短笛剧院（Teatro Piccolo Arsenale）上重新制作并作为一系列表演呈现。媒体之间的翻译过程是乔纳斯（Jonas）作品中的一种持续实践。为了表演，艺术家重新编辑了专门为美国馆创建的录像。琼·乔纳斯（Joan Jonas）凭借《他们不带任何言语来到我们身边》，继续研究与声音和投影图像有关的运动，空间和时间。乔纳斯（Jonas）在这部作品中提到人类继续无视环境的情况下，自然界中通过阴影或幽灵消失的各个方面。
由乔纳斯（Jonas）构思和导演，《无言而来的我们来吧II》（Jones）是乔纳斯长期合作者，美国爵士钢琴家和作曲家杰森·莫兰（Jason Moran）创作的新音乐。
“琼·乔纳斯（Joan Jonas）通过声音，绘画，动作和其他刺激表现出来的这些自然现象，本身就是自己呈现的，并向观众传达了它们的本质和作用，艺术家是指挥者或他们的存在的使者。”（Marina Warner）
乔纳斯说：“尽管我的工作理念涉及世界如何快速，根本变化的问题，但我并没有直接或从教学上解决这个问题。” “相反，这些想法是通过声音，灯光以及儿童，动物和风景的图像的并置而在诗意上暗示的。”
琼·乔纳斯（Joan Jonas）继续在蒂科·皮克洛·阿森纳剧院（Teatro Piccolo Arsenale）上全球首演，研究与声音和投影图像有关的运动，空间和时间。为了表演，Jonas重新编辑了专门为美国馆创建的视频片段。最初视频中精选的一些孩子还在短笛阿森纳剧院现场表演。
美国馆
美国馆是威尼斯双年展的国家馆。它容纳了双年展期间美国的官方代表。美国馆是第九座在贾尔迪尼岛上建造的馆子，但与其他由政府建造的馆子不同，美国馆子是私有的。这座拥有三间房间的帕拉第奥式建筑于1930年为纽约大中央美术馆而建。所有权于1954年转移至现代艺术博物馆，并于1986年转移至古根海姆基金会。
对于美国的国家代表，专家委员会从机构撰写的提案中进行选择。国际展览咨询委员会由美国国家艺术基金会和国务院组成。长达数月的过程涉及将近100页的申请和宣布之前的最终禁运。
威尼斯双年展的美国馆建于1930年，由中央艺术画廊（Grand Central Art Gallerys）建立，该画廊是沃尔特·莱顿·克拉克（Walter Leighton Clark）与约翰·辛格·萨金特，约翰·辛格·萨金特，埃德蒙·格雷森等人于1922年建立的非营利性艺术家合作社。正如Galleries 1934年目录中所述，该组织的目标是“为美国艺术提供更广阔的领域；以更大的方式向更多观众展示，而不仅仅是在纽约，而是在整个美国，从而向全世界展示我们的艺术无疑具有的内在价值。”
1930年，沃尔特·莱顿·克拉克（Walter Leighton Clark）和中央大画廊率先在威尼斯双年展上创建了美国馆。展馆的建筑师是威廉·亚当斯·德拉诺（William Adams Delano）和切斯特·福尔摩斯·奥尔德里奇（Chester Holmes Aldrich），他还设计了中央美术馆。土地，设计和建筑的购买由画廊支付，并由克拉克亲自监督。正如他在1934年的目录中所写的那样：
“为了追求把美国艺术放在世界前列的目的，几年前，导演们拨出了25,000美元，用于在国际双年展的基础上在威尼斯建造一座展览馆。德拉诺先生和奥尔德里奇先生慷慨地捐赠了这些计划。这座由伊斯特拉人的大理石和粉红色砖砌而成的建筑，与欧洲各国政府拥有的公园中的其他25座建筑相比，拥有的更多。”
展馆由画廊所有和运营，于1930年5月4日开放。克拉克为开幕展览选择了大约90幅绘画和12幅雕塑。展出的艺术家包括Max Boehm，Hector Caser，Lillian Westcott Hale，Edward Hopper，Abraham Poole，Julius Rolshoven，Joseph Pollet，Eugene Savage，Elmer Shofeld，Ofelia Keelan和非洲裔美国艺术家Henry Tanner。美国大使约翰·加勒特（John W.
大中央美术馆一直经营着美国馆，直到1954年才卖给了现代艺术博物馆（MOMA）。在整个1950年代和1960年代，展览由MOMA，芝加哥艺术学院和巴尔的摩艺术博物馆组织。现代博物馆于1964年退出了双年展，而美国新闻社经营着这个展馆，直到它被佩吉·古根海姆收藏馆提供的资金出售给古根海姆基金会。
菲利普·莫里斯（Philip Morris）的财政支持和委员会在1986年威尼斯双年展上为1986年美国馆筹集的私人资金使在美国馆进行展览成为可能。自1986年以来，佩吉·古根海姆博物馆（Peggy Guggenheim Collection）与美国新闻署，美国国务院和国际节日和展览中的艺术家基金会合作，在美国馆举办了视觉艺术展览，而所罗门·R·古根海姆基金会在建筑双年展上组织了类似的展览。来自美国各地的博物馆策展人每两年都会在提案中详细说明他们对美国馆的愿景，这些提案将由NEA联邦国际展览咨询委员会（FACIE）进行审查，该委员会由策展人，博物馆馆长和艺术家组成，然后向博物馆提出建议。美国国际节日和展览艺术家公私基金。
传统上，捐赠s选委员会选择博物馆或策展人提交的提案，但是在2004年，基金会只选择了一位艺术家，而后者又提名了一位策展人，后来得到了国务院的批准。
威尼斯双年展2015
2015年艺术双年展结束了三部曲，始于2011年由比斯·库里格（Bice Curiger）策展的展览《照明》，以及马西米利亚诺·朱尼百科全书宫（2013年）。 La Biennale凭借《世界未来》，继续研究有用的参考资料，以对当代艺术做出美学判断，这是先锋艺术和“非艺术”艺术终结之后的“关键”问题。
通过由Okwui Enwezor策划的展览，双年展La Laennare再次观察艺术与人类，社会和政治现实发展之间的关系，即通过外在力量和现象来施加压力：外在紧张的方式世界征求艺术家的敏感性，活力和表现力，他们的欲望，灵魂的动作（他们内心的歌声）。
威尼斯双年展（La Biennale di Venezia）成立于1895年。保罗·巴拉塔（Paolo Baratta）自2008年起担任总统，在1998年至2001年之前担任总统。双年展（La Biennale）站在研究和促进当代新艺术潮流的最前沿，组织展览，节日和研究在所有特定领域：艺术（1895），建筑（1980），电影（1932），舞蹈（1999），音乐（1930）和戏剧（1934）。它的活动记录在最近已完全翻新的当代艺术历史档案馆（ASAC）中。
威尼托地区及其他地区越来越多的学校参加了教育活动和引导性访问，从而加强了与当地社区的关系。这将创造力传播给新一代（2014年有3,000名教师和30,000名学生参与）。这些活动得到了威尼斯商会的支持。还与大学和研究机构建立了合作关系，进行特别的参观和展览。从2012年到2014年的三年中，有227所大学（79所意大利大学和148所国际大学）加入了双年展会议项目。
在各个领域，与知名老师直接接触的年轻一代艺术家都有更多的研究和制作机会；通过国际项目双年展学院，这一点变得更加系统和连续，现在在舞蹈，戏剧，音乐和电影领域运行。