极简主义音乐（Minimal music）是一种艺术音乐形式，采用有限或极少的音乐材料。 在西方艺术音乐传统中，美国作曲家La Monte Young，Terry Riley，Steve Reich和Philip Glass被认为是最早开发采用最小方法的构图技术的人之一。 它起源于20世纪60年代的纽约市中心场景，最初被视为一种称为纽约催眠学校的实验音乐。 作为一种审美，它以非叙事性，非目的性和非代表性的正在进行的工作概念为标志，并通过关注音乐的内部过程代表了一种听音乐活动的新方法，这些目标缺乏目标或动作。 该技术的突出特点包括辅音和声，稳定脉冲（如果不是固定的无人机），停滞或逐渐转换，并经常重复音乐短语或较小的单位，如人物，图案和细胞。 它可能包括添加过程和相移等功能，这些功能可以产生所谓的相位音乐。 通常使用术语过程音乐来描述严重依赖于遵循严格规则的过程技术的最小组合。
该运动最初涉及数十位作曲家，尽管只有五位（Young，Riley，Reich，Glass和后来的John Adams）与美国最小音乐公开联系。 在欧洲，Louis Andriessen，Karel Goeyvaerts，Michael Nyman，Howard Skempton，Gavin Bryars，Steve Martland，HenrykGórecki，ArvoPärt和John Tavener的音乐表现出极简主义特质。
目前还不清楚最小音乐这个术语的来源。 史蒂夫·赖克（Steve Reich）认为这可归因于迈克尔·尼曼（Michael Nyman），这是一个两位学者乔纳森·伯纳德（Jonathan Bernard）和丹·沃伯顿（Dan Warburton）也以书面形式提出的断言。 菲利普·格拉斯认为汤姆约翰逊创造了这句话
描述
这种音乐风格的精确表征与后极简主义的划分一样困难，因为它具有极佳的风格。 有许多风格特征：
重复结构，除其他外，通过并置和不断重复最小的动机（旋律，节奏或谐波）细胞或“模式”
稳定的和谐，音调的语言与许多和睦相处
加法和减法过程：通过添加或删除动机细胞的个别音符，它们的节奏结构会发生变化。
相移，叠加，不同声音中的动机细胞的重点转移创造了一个完美的地毯
连续性和避免压力积累。
色调和密度几乎没有变化。
它给人留下永久音乐连续体听觉片段的印象。
扩展的时间概念：片段持续时间的新维度 – 从几秒钟或几分钟到几小时，几天，几周
遗忘的积极作用
与艺术音乐相比，Minimal Music具有相当低的谐波复杂度：Minimal Music通常在模态音调的上下文中移动，并且仅非常谨慎地使用不和谐。 在极简音乐中强烈强调节奏元素（通常是多节奏的），它是高度重复的：一个简单的基本模式（模式）在较长的时间段内重复，只有轻微的，通常几乎不可察觉的变化，然后由简单的并置产生变化。 如果同时以略微不同的速度播放模式，则发生相移（定相）的影响。
作为流行音乐之外的当代音乐（有一些互动），Minimal Music已经获得了相当大的声望，尽管不一定是传统古典音乐的观众。
历史简介
迈克尔·尼曼（Michael Nyman）在1968年首次使用了“minimal”这个词，“他演绎了由Charlotte Moorman和Nam June Paik在ICA演奏的娱乐节目中成功的’极小音乐’的配方”，其中包括亨宁克里斯蒂安森的Springen表演和一些不明身份的表演艺术作品。 尼曼后来在1974年出版的“实验音乐：笼子与超越”一书中扩展了他对极简音乐的定义。 汤姆约翰逊是少数几个自我认同极简主义的作曲家之一，他也声称自己首先使用这个词作为乡村之声的新音乐评论家。 他描述了“极简主义”：
极简主义的想法比许多人意识到的要大得多。 根据定义，它包括任何使用有限或最少材料的音乐：仅使用少量音符的乐曲，仅使用几个文字的乐曲，或者用于非常有限的乐器的乐曲，如古董钹，自行车轮，或威士忌酒杯。 它包括长时间维持一个基本电子隆隆声的碎片。 它包括完全由河流和溪流录制的作品。 它包括无限循环的碎片。 它包括设置一个不动的萨克斯管声音的片断。 它包括需要很长时间才能从一种音乐逐渐转向另一种音乐的作品。 它包括允许所有可能音高的乐曲，只要它们介于C和D之间。它包括将速度减慢到每分钟两到三个音符的乐曲。
早在1965年，艺术史学家芭芭拉·罗斯就已经将La Monte Young的梦幻音乐命名为莫顿·费尔德曼的特征性柔和动力，以及各种未具名的作曲家“尽可能地或多或少地感谢John Cage”作为“极简艺术”的例子，但是并没有特别使用“最小音乐”这个词。
最着名的极简主义作曲家是John Adams，Louis Andriessen，Philip Glass，Steve Reich，Terry Riley和La Monte Young。 其他与这种构图方法有关的人包括Michael Nyman，Howard Skempton，John White，Dave Smith和Michael Parsons。 在非洲裔美国作曲家中，极简主义美学被爵士音乐家约翰·刘易斯和多学科艺术家朱利叶斯·伊斯曼等人物所接受。
玻璃和帝国的早期构图有点严峻，主题上几乎没有点缀。 这些作品适用于小型乐器合奏，作曲家通常是其中的成员。 在Glass的案例中，这些合奏包括器官，风 – 特别是萨克斯管 – 和歌唱家，而Reich的作品更多地强调木槌和打击乐器。 大多数亚当斯的作品都是为更传统的古典乐器而写的，包括完整的管弦乐队，弦乐四重奏和独奏钢琴。
帝国和玻璃的音乐吸引了艺术画廊和博物馆的早期赞助，与罗伯特莫里斯（在玻璃的案例中）和理查德塞拉，布鲁斯瑙曼以及电影制片人迈克尔斯诺（作为表演者，在帝国的视觉艺术极简主义者）一起展出。案件）。
早期发展
20世纪40年代和20世纪50年代的Moondog的音乐，基于对立点在稳定的脉冲上静态发展，经常是不寻常的时间签名，影响了Philip Glass和Steve Reich。 格拉斯写道，他和Reich对Moondog的作品“非常认真，理解和欣赏它比我们在Juilliard所接触到的要多得多”。
最早的极简主义作品之一是1959年由Dennis Johnson创作的11月。一部钢琴作品持续了大约6个小时，它展示了许多与极简主义相关的特征，如全音调，短语重复，添加过程和持续时间。 La Monte Young将这件作品作为他自己的巨着“The Well-Tuned Piano”的灵感来源。
1960年，Terry Riley用纯粹的，未经反思的C大调写了一个弦乐四重奏。[需要澄清] 1963年，Riley使用磁带延迟制作了两部电子作品，Mescalin Mix和The Gift，将重复的想法注入极简主义。 1964年，Riley的In C通过重复旋律短语的分层表演，令人信服地引人注目。 这项工作是针对任何一组乐器和/或声音进行评分的。 在1965年和1966年，史蒂夫·瑞奇制作了三部作品 – “胶原雨”和“现场表演者的钢琴相” – 介绍了相移的想法，或者允许两个相同的短语或声音样本以略微不同的速度播放，以重复和慢慢地彼此不同步。 从1968年开始，1 + 1，菲利普玻璃写了一系列的作品，将添加过程（基于序列，如1,1,2 1,2 3,1 2 3 4）纳入极简主义技术的曲目; 这些作品包括Two Pages，Fifths中的Music，Contrary Motion中的Music等。 玻璃受到Ravi Shankar和印度音乐的影响，从他被Ravi Shankar分配到西方乐谱的电影乐谱。 他意识到在西方时间像一片面包一样分裂; 印度和其他文化采用小单位并将它们串在一起。
样式
根据Richard E. Rodda的说法，“极简主义”的音乐是基于慢慢变化的常见和弦的重复[和弦不仅仅是一个键的和弦，或者三和弦，无论是主要的，还是主要的和次要的 – 见：普通音调在稳定的节奏中，通常用长长的拱形短语覆盖抒情旋律……利用重复的旋律模式，辅音和声，运动节奏，以及刻意争取听觉美。“ 蒂莫西·约翰逊认为，作为一种风格，极简主义音乐主要是连续的形式，没有分离的部分。 其直接结果是由互锁的节奏模式和脉冲组成的不间断纹理。 此外，还有明亮的音色和充满活力的方式。 它的谐波声音非常简单，通常为全音阶，通常由熟悉的三和弦和七和弦组成，并以缓慢的谐波节奏呈现。 然而约翰逊不同意罗德达，他发现最小音乐最显着的特征是完全没有延伸的旋律线。 相反，只有短暂的旋律片段，将短的，重复的节奏模式的组织，组合和个体特征推向前景。
在流行音乐中
极简主义音乐对流行音乐的发展产生了一些影响。 实验摇滚乐“The Velvet Underground”与纽约市中心的场景有关，从中出现了极少的音乐，根植于John Cale和La Monte Young的紧密合作关系，后者影响了Cale与乐队的合作。 Terry Riley的专辑“弯曲空中的彩虹”（1969年）在迷幻和花的力量时代发行，成为第一部取得跨界成功的极简主义作品，吸引摇滚和爵士观众。 音乐理论家丹尼尔·哈里森（Daniel Harrison）创造了海滩男孩的笑脸笑脸（1967），这是一部“原始摇滚”的实验作品，详细阐述：“[专辑]几乎可以被认为是西方古典传统中的艺术作品，其创新在摇滚的音乐语言可以与那些将无调性和其他非传统技术引入古典传统的那些语言进行比较。“ krautrock，太空摇滚（20世纪80年代），噪音摇滚和后摇滚等特定实验摇滚类型的发展受到极小音乐的影响。
Sherburne（2006）认为，最小形式的电子舞曲和美国极简音乐之间的明显相似之处很容易是偶然的。 传统上，舞蹈音乐中使用的大部分音乐技术都是为了适应基于循环的构图方法而设计的，这可以解释为什么某些风格的风格特征，例如最小的技术声音类似于最小的艺术音乐。 显然确实意识到美国最小传统的一个群体是英国环境法案The Orb。 他们1990年制作的“Little Fluffy Clouds”收录了Steve Reich的作品Electric Counterpoint（1987）。 随着1999年发行的Reich Remixed致敬专辑，DJ Spooky，Mantronik，Ken Ishii和Coldcut等艺术家的重新诠释，进一步肯定了Steve Reich对电子舞曲可能产生的影响。
序列音乐
令人惊讶的是，Arnold Schoenberg的学生，第二维也纳学校的成员Anton Webern也影响了极简主义运动。 特别是La Monte Young，他引用了弦乐四重奏的Six Bagatelles（1913年）和Symphony的静态部分。 （1928）因为作品有力地帮助从序列主义和极简主义过渡。 Webern在欧洲同时发展的后序列主义中也具有重要影响，但音乐概念却截然不同，有时被音乐学家认为是“矛盾的”。
美国前卫
约翰凯奇在极简主义的诞生年代有很大的影响力。 作为美国前卫和实验音乐最重要的作曲家，他的观点直接或间接地影响了极简主义者的作品。 有些Cage可能看起来与极简主义相关，包括他的第一部作品，或者着名的4’33“约会，从1952年开始，这是最小的构图，因为只有沉默。但是，Cage对极简主义非常挑剔，而且他首选技术是不确定性（或非意向性），即随机性的使用。在作品或作品本身的过程中，将被极简主义者强烈拒绝。
非西方音乐
在20世纪50年代和60年代，西欧和美国发现了非西方音乐。 这些通常基于模式的音乐将对所有极简主义作曲家产生影响。
La Monte Young住在西海岸，于1957年在加州大学洛杉矶分校的校园里发现了印度音乐。 他引用Ali Akbar Khan（sarod）和Chatur Lal（tabla）特别出色。 印度音乐将对Young产生决定性的影响，尤其是他与PanditPrânNath学习的tampoura的发现。 Tampoura bumblebee的作用令Young着迷，并将他的兴趣推向持久的声音。 杨还认识到日本音乐的影响，尤其是雅古乐。 这种影响在戏剧被视为极简主义的出生证书，Trio for Strings（1958）。
Terry Riley通过La Monte Young在欧洲逗留期间发现了非西方音乐，特别是摩洛哥音乐和印度音乐。 他还与PrânNath合作制作专辑Music from Mills（1986）。
爵士乐
爵士乐对极简主义非常重要。 所有人都认识到影响，特别是约翰科尔特兰的模态爵士乐，自由爵士乐和Ornette Coleman。
与La Monte Young一样，即兴创作对Terry Riley至关重要。 后者是萨克斯管吹奏者，有爵士乐作为乐器演奏者的经验，主要在高中和大学期间练习。 在洛杉矶，他曾在大乐队和小团体中演出，尤其是Eric Dolphy，Don Cherry，Billy Higgins，并计划投入爵士乐。 爵士乐的影响在他的作品中清晰可见，特别是他的女高音萨克斯演奏或他对即兴创作形式的兴趣。 Riley是一名钢琴家，曾与Wally Rose一起学习拉格泰姆，并在大学学习期间和在法国逗留期间以谋生为生。 莱利也给约翰·科尔特兰留下了深刻的印象，他鼓励其他人学习女高音萨克斯管。
对于史蒂夫·赖克来说，爵士乐也是一个重要的影响力。 Reich是一名鼓手，曾在高中和康奈尔大学的爵士乐团演奏过。 它受到约翰·科尔特兰（John Coltrane）的极大影响，经常会在音乐会上看到，并引用专辑“我喜欢的事物”和“非洲/黄铜”特别重要。 对于帝国而言，他的音乐在没有爵士乐的情况下是可能的，尤其是爵士乐的节奏，灵活性和旋律感，这似乎是基本的影响，这是不可想象的。
与他的同事不同，菲利普·格拉斯（Philip Glass）更为独特的是古典音乐训练，并没有将爵士乐视为他的影响之一，尽管他承认自己对Ornette Coleman和John Coltrane的自由爵士乐非着迷。
新音乐的影响与地位
Minimal Music融合了亚洲（特别是印度和印度尼西亚，特别是Gamelan）和非洲音乐（特别是他们的多节奏），12世纪/ 13世纪的Notre Dame学校的影响。 世纪，（免费）爵士乐和某些形式的摇滚（迷幻摇滚）。 它在很大程度上忽略了作品的惯例，因为它们在迄今为止的西方（即基本上是欧洲）文化中，特别是20世纪50年代和60年代早期的先锋派，特别是当时主流的连续音乐的惯例。 因此，它通常被理解为序列主义的对立面。 这个方向的代表经常强烈反对，但是，例如，La Monte Young理论上指的是ArnoldSchönberg和Anton Webern。 它通常也被称为后现代音乐。 从最小音乐开始，后极简主义在20世纪70年代发展起来。
对流行音乐的影响
今天许多最小技术的制作者也是最小音乐的传统。
吉他手Dylan Carlson在摇滚乐队的背景下转移了地球上最小音乐的想法，从而创立了Drone Doom。
极简主义运动
极简主义运动出现在20世纪60年代，其中La Monte Young和Terry Riley的作品被认为是前体。 Steve Reich和Philip Glass将扩展他们的想法并提出将证明非常成功的构图过程。
然而，极简主义仅涉及这些作曲家的部分作品，我们认为一般定义的极简主义在20世纪70年代中期结束。 从这一天开始，作曲家整合了更丰富的音乐元素，更多的旋律与和谐，甚至是对位。 添加这些元素，而不决定他们以前的工作，带来了明显的演变。 有时我们谈论后极简主义，特别是约翰亚当斯。 菲利普·格拉斯明确表示，对他来说，极简主义在1974年结束，因为它从那时起就完全参与了“音乐剧”。
人物，有时被称为“极简主义神秘主义者”，如20世纪70年代后期出现的ArvoPärt，不是美国重复的直接继承人，但也包括在后极简主义的旗帜下，或更普遍的后现代主义。
后极简主义和后现代主义
音乐后现代主义是一种反对孤立和密封后序论的态度，后现代作曲家声称混淆，混合形成拼贴技巧，借用和引用。 后现代主义用皮埃尔·布勒兹（Pierre Boulez）的话来说是一个“过去的清白”，后现代主义把它作为参考。 因此，约翰亚当斯认为他的音乐不是以“……不仅极简主义，而是阿尔班伯格，斯特拉文斯基，摇滚乐，阿拉伯音乐，犹太人等”为依据。 通过回归旋律和音调形式，使用重复性语言，求助于拼贴和引用，在所有这些特征中，极简主义是后现代主义在与后序列主义决裂中最激进的潮流。
后极简主义也关注第一个小时的极简主义作曲家。 Drumming（1971）之后，Reich增加了他的作品的乐器，并将其节奏和和声方法发展到更复杂。 以同样的方式，菲利普·格拉斯从1974年开始为“音乐剧”和歌剧创作，关注的是偏离极简主义，特别是对于歌剧爱因斯坦在海滩上的和谐使用（1976），标志着这种演变。 后极简主义的极简主义通过不那么激进和实验而脱颖而出。
“神秘的极简主义”
这些作曲家有时被分组并与极简主义运动联系在一起，因为他们使用了这种风格的组合原则（重复，长久保持的声音，沉默，某种简单）以及在他们的生活和公开场合声称的基督教或精神宗教影响。他们的作品。 Alan Hovhaness有时被视为这种趋势的先驱，但主要是爱沙尼亚人ArvoPärt，波兰人HenrykGórecki和英国人John Tavener，他们通常与“神秘的极简主义者”联系在一起。 更广泛地说，Giya Kancheli和SofiaGoubaïdoulina有时也会保留在极简主义的这一分支中。
Pärt和Górecki的作品的特点是色调的使用，一种经常以重复方式使用的简单音乐材料，以及受中世纪作曲家和格列高利教徒影响的作品。 两者都受到共产党统治下的国家政治和精神压制的严重影响，在20世纪60年代开始以新古典主义的方式创作，然后转向连续主义导致他们对当局的审查。 然后Pärt通过撰写FürAlina（1976），Fratres（1977）和Spiegel im Spiegel（1978），这种内部极简主义运动的创始作品，转向沉默和沉思的音乐，这将为特定风格奠定基础。他称之为tintinnabulum。 这种风格的特点是同时使用两种声音，一种是在称为“tintinnabulante”的滋补三合一上使用琶音，另一种是以全音阶演变的低音为基础。 他的作品转向几乎独家写的神圣音乐，通常是合唱，发展出“歌曲的亮度”。 Górecki在1976年将他的连续音乐和神圣极简主义之间的过渡，尤其是他的第三交响曲的写作，这将在几年后在西欧和美国以及其国际声誉中占有很高的地位。
音乐描述
被归类为极简主义音乐的作品集远非具有风格的统一或具有完全相同的音乐特征。 虽然分类总是还原，但人们普遍认为极简主义音乐的美学基于三个特征：
回归“辅音”的和谐（甚至是某些作品中的色调或模态）;
重复句子，数字或音乐细胞，有或没有小的渐变;
经常的心跳。
然而，这包括具有非常不同的轮廓的作品，以及不同音乐技术的使用。 同样，所谓极简主义作曲家的作品也不能被视为极简主义，特别是史蒂夫·赖希和菲利普·格拉斯的最新作品，或早期（通常是非音乐剧）的La Monte Young作品。
在理论和直觉之间
极简主义的先驱Monte Young和Terry Riley尝试了各种组合技术。 Monte Young特别制作了各种各样的作品：受序列主义和Webern启发的作品，接近John Cage的概念作品，受印度音乐和爵士乐启发的即兴创作团体，基于他对自然范围的正式研究。 Terry Riley更具经验性，他用磁带进行实验，并且经常使用即兴创作。
音乐特征
韵律
极简主义者最关心的是节奏。 大多数组合物具有规则的脉动，并且通过基本节律单元的缠结来构建。 这些有节奏的考虑因素在Steve Reich中尤为突出，并通过相移技术实现。 Drumming（1971）标志着Reich对节奏的迷恋的高潮，通过分阶段表达。 在菲利普·格拉斯（Philip Glass），节奏的作品来自于他的第一个极简主义作品，使用他的添加成分，特别是在1 + 1（1968年）。
在未来重新融合和声与旋律之前，节奏是极简主义者系统分析的第一个元素。
和谐
第一部极简主义作品是atonal，Young’s Trio for Strings（1958），Riley的弦乐四重奏（1960），虽然极其缓慢的演变和低密度的音符给出了一种语调的幻觉，几乎抑制了任何运动。 即使在C中，通常被认为是回归音调的作品，也不是严格的音调，而是没有指示盔甲的无调式构图，即使构图主要是全音阶的。
逐渐放弃磁带有利于声学乐器有利于和谐的发展。 在钢琴阶段的史蒂夫·赖希（Steve Reich）中，在作品开始时就建立了音调或模态，但仍然含糊不清。 由此产生的过程全音阶定相不是先验选择，而是经验所要求的。
注册表和动态
在Young和Riley中，贝司扮演无人机的角色，受到印度音乐的启发。 在Steve Reich，没有低音，高度通常属于中间音域（钢琴阶段的评级不低于Mi 4，相位模式低于C 4）。 缺乏低产品歧义Reich寻求维持，而不知道精确定义。 同样，极简主义者根本不使用广泛的游戏玩法，这在其他当代音乐风格中非常普遍。
如果有的话，阴影通常变化很小。 声级通常很高，例如La Monte Young和Glass的一些部分，我们在那里感受到岩石的影响。
执行
经济实惠的聆听，重复的音乐似乎很容易表现。 Reich的失相过程需要工具主义者的高度集中。 同样，Glass报道说，几位指挥未经准备的排练实现了他的分数难度太晚51.在没有作曲家的情况下，口译员的分数并不总是很容易破译，需要缺乏信息的创造性或他们的清晰度。
与视觉艺术的联系
舞蹈
舞蹈本质上一直与当时的音乐创作紧密相连，并不能摆脱极简主义音乐的影响，特别是围绕重复的概念和使用。 在某种程度上，极简主义音乐对舞蹈影响的起源可以追溯到20世纪50年代早期现代舞开始时John Cage与美国编舞家Merce Cunningham的合作。 通过他，坎宁安还遇到了Morton Feldman，他为他的创作舞蹈创作了音乐，Melodie于1968年为Merce Cunningham创作。此外，包括舞蹈家Simone Forti，Yvonne Rainer，Trisha Brown和作曲家Terry Riley和La Monte Young组成的乐队成立1960年至1962年间，安娜·哈普林周围的表演包括纽约的贾德森教堂。 然而，这是Trisha Brown在现代舞蹈时期进一步探索重复和连续积累舞蹈动作的原则。 Meredith Monk也是一名舞蹈演员，后来加入了这个小组，在那里她可以将她的音乐研究和她的舞蹈创作结合起来，演绎出更精致的动作和某种精神恍惚。
造型艺术
极简主义作曲家与艺术家保持着密切的关系，尤其是当前极简主义和概念艺术的艺术家。 Steve Reich和Philip Glass与Richard Serra，Sol Le Witt，Bruce Nauman，Michael Snow或Nancy Graves有着非常友好的友谊。 Reich写了他的论文音乐作为一个渐进过程（1968年），将与他的塑料朋友在1969年惠特尼博物馆一起参加一个关于极简主义的大型展览的目录，并在此期间与Glass一起举办音乐会。 此外，作为执行者，Serra，Nauman和Snow参与的Reich’s Pendulum Music等作品更多的是表现而不是音乐。 史蒂夫·赖希认识到艺术家和他们创作之间的“共同立场”，其特点是他们作品的外观“几何和隐喻”，但没有直接的互惠影响。 他说，“我们只是在同一个汤里游泳。” 1977年，一些艺术家参与了他们的作品的销售，以拯救在玻璃海滩上安装爱因斯坦所产生的债务。 最后，格拉斯是理查德塞拉在1969年的全职私人助理。格拉斯并没有将他作为音乐家的作品与他的朋友艺术家的作品直接联系起来。
认可和普及
极简主义作为一种实验流而诞生，并在传统的古典音乐世界之外发展。 第一场音乐会主要在艺术画廊或博物馆举办，必须由作曲家自己组织。 特别是录音将允许极简主义音乐的广泛传播，包括欧洲，接待相当不错。 此外，欧洲将提供极简主义的第一个重要的认可标志，由法国政府指挥菲利普玻璃，以及为当代音乐爱好者提供无限制听力的唱片成功，以及Steve Reich为德国标签版本当代音乐。
批评与分析
极其强烈的批评者表达了极简主义，主要来自与前卫或哲学家关系密切的作曲家或音乐学家。 美国作曲家艾略特·卡特一再表达了对极简主义的强烈反对，更普遍的是对音乐的重复，被认为是作曲家的死亡。 这特别是与广告，未经请求，侵入性和反复广告恶心的类比。 法西斯限定词甚至被明确地使用，以及比较使用重复作为广告中的洗脑方法或希特勒的演讲。
对极简主义的批评有时与后现代主义的批评相混淆。 前卫作曲家Brian Ferneyhough反对后现代主义，特别是约翰亚当斯，他谴责缺乏与不包含音乐文化相关的道德规范。