公共艺术（Public art）是任何已经计划和执行的媒体中的艺术，其目的是在实体公共领域中进行，通常在所有人之外并且可以访问。公共艺术在艺术界是重要的，在策展人，委托机构和公共艺术的实践者中，它代表了地点特性，社区参与和协作的工作实践。公共艺术可以包括在公共场所展出的任何艺术品，包括可公开访问的建筑物，但通常不是那么简单。相反，内容和观众之间的关系，艺术所说的和对谁来说，即使不比其实际位置更重要，也同样重要。
定义
根据制度定义，公共艺术指的是艺术家的一般常年成就 – 雕塑，可能是纪念性建筑，绘画 – 计划和执行，以便在公共空间呈现：主要是在户外，所有人都可以访问，但有时也可以在建筑物内部向公众公开的。纪念碑和雕像也许是官方认可的公共艺术中最古老的形式和最明显的形式，但这个术语可以涵盖城市家具和旨在装饰城市空间的所有举措。
从制度的角度来看，有必要区分持久的成就和短暂的行动。前者的资金是投资，而后者的资金是经营费用; 在法国，公共艺术的概念在法律中不存在，用于短暂的公共资金被归类为文化行为标题。在魁北克，公共艺术在法律上意味着物质成就，常年与否。
用于公共空间的作品通常由耐用且易于维护的材料构成，以避免元素和故意破坏的影响; 一些临时的作品可能包含更多短暂的材料。多年期工程有时被整合到建筑物和场地的创建和翻新中，更普遍地用于城市规划过程。
机构公共艺术是在邻近地区的所有者和公共管理者的许可或协作下建立的。
范围
Cher Krause Knight表示，“艺术的公共性取决于其与观众交流的质量和影响……在最公开的时候，艺术扩展了社区参与的机会，但不能要求特别的结论”，它引入了社会观念，但为公众留下了空间。得出自己的结论。近年来，公共艺术的范围和应用越来越多 – 无论是在更广泛和更具挑战性的艺术形式领域，还是在更广泛的可能被称为“公共领域”的范围内。这种文化干预往往是通过创造性地吸引社区对社会的“地方”或“幸福感”的反应来实现的。
纪念碑，纪念馆和市政雕像也许是官方认可的公共艺术中最古老，最明显的形式，尽管可以说建筑雕塑甚至建筑本身更为广泛并且符合公共艺术的定义。在没有得到官方认可的情况下创作和安装的独立艺术作品几乎遍布每个城市。它也安装在自然环境中，可以包括诸如雕塑之类的作品，或者可能是短暂的，例如不稳定的岩石平衡或短暂的彩色烟雾。有些已安装在水下。
永久性工程有时与建筑和景观在建筑物和场地的创建或翻新中相结合，这是在英国米尔顿凯恩斯新城开发的一个特别重要的例子。公共艺术不仅限于物体; 舞蹈，街头戏剧甚至诗歌都有专门从事公共艺术的支持者。
一些在这个学科工作的艺术家利用户外地点提供的自由来创作非常大的作品，这些作品在画廊中是不可行的，例如Richard Long的三周漫步，名为“The Path is the Line in the Line”。在一个类似的例子中，雕塑家加尔沃特曼（Gar Waterman）在康涅狄格州纽黑文（New Haven）的一条城市街道上创造了一座巨大的拱门。在过去三十年中获得最大批评和广受好评的作品包括Christo，Robert Smithson，Dennis Oppenheim，Andy Goldsworthy，James Turrell和Antony Gormley的作品，他们的作品对其环境作出反应或融入其中。
制作公共艺术的艺术家包括米开朗基罗，毕加索和琼·米罗等最伟大的大师，以及专门从事公共艺术如克莱斯·奥尔登堡和皮埃尔·格兰奇的人，以及那些进行秘密干预的匿名艺术家。
在南非开普敦，非洲中心呈现了感染城市公共艺术节。它的策展任务是创建一个为期一周的公共艺术平台 – 无论是视觉艺术或表演艺术品，还是艺术干预 – 改变城市空间，让城市的用户以新的和难忘的方式观看城市景观。感染城市节认为，公共艺术应该是公共场所的每个人都可以自由使用的。
公共艺术史
在20世纪30年代，19世纪纪念碑所隐含的国家象征主义的产生开始受到具有宣传目标的长期国家计划的制约（联邦艺术项目，美国;文化办公室，苏联）。像罗斯福总统的新政这样的计划促进了大萧条时期公共艺术的发展，但却以宣传目标为基础。新政艺术支持计划旨在发展民族对美国文化的自豪感，同时避免解决文化所依赖的摇摇欲坠的经济问题。尽管存在问题，但FAP等新政计划通过让所有人都可以访问艺术来改变艺术家与社会之间的关系。新政计划艺术建筑（AiA）为艺术项目开发了百分比，这是一种资助公共艺术的结构，至今仍在使用。该计划为所有政府建筑的总建筑成本的一半提供了购买该结构的当代美国艺术品。AiA帮助巩固了美国公共艺术应该由公众真正拥有的原则。他们还确立了对特定场所公共艺术的渴望的合法性。虽然有时会出现问题，但早期的公共艺术项目为当前的公共艺术发展奠定了基础。
20世纪70年代，随着民权运动对公共空间的要求，城市更新计划与20世纪60年代末的艺术干预之间的联盟以及雕塑概念的修订，这种公共艺术观念发生了根本性的变化。在这种背景下，公共艺术获得的地位不仅仅是公共空间中官方国家历史的装饰和可视化，因此获得了作为一种场地建设和干预公共利益领域的自主权。公共艺术变得更加关注公众。这些观点的变化也出现在同一年间加强城市文化政策，例如总部设在纽约的公共艺术基金（1977年）和美国和欧洲的几个城市或地区艺术项目百分比。此外，公共艺术话语从国家层面到地方层面的重新定位，与20世纪60年代以来当代艺术实践中出现的反对制度性展览空间的场地特定转向和关键立场是一致的。在艺术品的制作和可见的地点之间创建最深刻和更相关的联系的意愿促使不同的方向。1969年，Wolf Vostells在科隆制造了固定交通。
土地艺术家选择在偏远的景观环境中进行大规模，以流程为导向的干预措施; 斯波莱托音乐节（1962年）在中世纪城市斯波莱托创建了一个露天的雕塑博物馆，德国城市明斯特于1977年开始举办策划活动，每10年在公共城市举办一次艺术活动（SkulpturProjekteMünster）。在集体展示当姿态成为形式时，Michael Heizer和Daniel Buren的干预在公共空间展开了展览的情况; 建筑规模出现在唐纳德·贾德（Donald Judd）等艺术家的作品中，以及戈登·马塔 – 克拉克（Gordon Matta-Clark）对被拆除的城市建筑物的临时干预中。
环境公共艺术
在20世纪70年代和80年代之间，高档化和生态问题在公共艺术实践中体现出作为委托动机和艺术家带来的关键焦点。土地艺术的概念结构中隐含的个人浪漫撤退元素及其将城市环境与自然重新连接的意愿，在美国艺术家艾格尼丝·迪恩斯（Agnes Denes）的“Wheatfield – A Confrontation”（1982）等项目中变成了政治主张。以及Joseph Beuys的7000 Oaks（1982）。这两个项目都侧重于通过绿色城市设计过程提高生态意识，让Denes在曼哈顿市中心种植占地2英亩的小麦，Beuys在德国卡塞尔的游击队或社区花园种植7000棵橡树和玄武岩块时尚。最近几年，旨在将废弃地段转变为绿色地区的绿色城市再生计划包括公共艺术计划。高线艺术，2009年是High Line的一个案例，来自纽约市一部分铁路的转换; 和Gleisdreieck，2012年，一个城市公园，源自柏林火车站的部分改造，自2012年以来，这是一个露天的当代艺术展览。
20世纪80年代也见证了雕塑公园作为策划项目的制度化。第一次公共和私人露天雕塑展览和收藏可追溯到20世纪30年代，旨在为博物馆画廊难以展现的大型雕塑形式创造一个合适的环境，体验如纽约皇后区Noguchi的花园（1985）陈述艺术品与其地点之间永久关系的必要性。
这条路线也在唐纳德·贾德（Donald Judd）在德克萨斯州的Chinati基金会（1986年）的项目中得到发展，该项目主张大规模设施的永久性，在重新定位工作时可能会破坏脆弱性。1985年法官Edward D. Re指示重新定位美国艺术家Richard Serra的Tilted Arc，这是一项由“建筑艺术”计划委托曼哈顿联邦广场进行的纪念性干预，也有助于关于公共艺术地点的辩论 – 特异性。在他的审判防线中，理查德塞拉声称：“Tilted Arc是为一个特定的地点委托设计的：联邦广场。这是一个特定于站点的工作，因此不能重新定位。删除工作就是破坏工作“。围绕Tilted Arc的试验显示了场地特异性在公共艺术中所起的重要作用。此外，法官爱德华·D·雷（Edward D. Re）在审判中提出的一个论点是，联邦广场的用户群体对塞拉的介入和艺术界的支持不容忍，艺术评论家道格拉斯·克里普（Douglas Crimp）的证词代表了这一点。在这两种情况下，观众都将自己定位为公共空间艺术干预的主要因素。在此背景下，公共艺术的定义包括侧重于公共问题（民主，公民身份，融合）的艺术项目; 涉及社区的参与性艺术行动; 由公共机构，艺术计划百分比或社区委托和/或资助的艺术项目。
20世纪90年代新的公共艺术：反纪念碑和纪念活动
在20世纪90年代，这些新实践与公共空间中先前形式的艺术存在的明显区别需要替代定义，其中一些更具体（背景艺术，关系艺术，参与艺术，对话艺术，社区艺术，活动家）艺术），其他更全面，如“新流派公共艺术”。
通过这种方式，公共艺术起着社会干预的作用。20世纪70年代，艺术家们充分参与了公民活动，许多人采用了多元化的公共艺术方法。这种方法最终发展成为“新型公共艺术”，苏珊娜拉齐将其定义为“与身份政治和社会活动有关的不同受众的社交互动艺术”。与以前的公共艺术一样，隐喻性地讨论社会问题，而不是“新类型”的实践者想要明确赋予边缘化群体权力，同时保持美学吸引力。“雕塑芝加哥”的策展人玛丽·简·雅各布于1993年夏季开发了一个节目“行动中的文化”，遵循新体裁公共艺术的原则。该节目旨在通过观众参与艺术调查社会系统，特别吸引那些通常没有参加传统艺术博物馆的观众。虽然存在争议，但“行动中的文化”引入了社区参与和干预主义公共艺术的新模式，超越了“新体裁”。
早期的团体也将公共艺术作为社会干预的途径。在20世纪60年代和70年代，艺术家集体情境国际组织通过物理干预创造了“挑战日常生活及其制度的假设”的作品。另一位对社会干预感兴趣的艺术家，Guerrilla Girls，始于20世纪80年代，至今仍然存在。他们的公共艺术暴露了潜在的性别歧视，并致力于解构艺术界的男权力结构。目前，他们还处理艺术界的种族主义，无家可归，艾滋病和强奸文化，以及更大的世界经历的所有社会文化问题。
在艺术家Suzanne Lacy的话中，“新类型公共艺术”是“视觉艺术，它使用传统和非传统媒体在广泛和多样化的观众中就与他们的生活直接相关的问题进行交流和互动”。她的立场意味着思考委托公共艺术的条件，与用户的关系，以及在更大程度上对观众角色的不同解释。在Hans Haacke（自20世纪70年代以来）和Fred Wilson（自20世纪80年代）以来的艺术家的制度批评实践中，作品的公共性对应于使公众舆论和公共领域中有争议的公共问题，如歧视性的博物馆政策或非法公司行为。
在公共领域引起公众关注的明显问题也是反纪念碑哲学的基础，其目标是挖掘官方历史的意识形态。一方面，在公共空间中引入通常致力于制度叙事的亲密元素，例如在Jenny Holzer的作品中，Alfredo Jaar的项目Es usted feliz？/ 你快乐吗？和Felix Gonzales-Torres的广告牌图片。另一方面，通过指出现有公共雕塑和纪念馆的不协调性，例如Krzysztof Wodiczko的视频投影到城市纪念碑，或建造反纪念碑（1980年代）和Claes Oldenburg的唇膏（Ascending）在Caterpillar Tracks（1969年） -1974），一个巨大的混合流行物体 – 一个口红 – 基地是一条履带。由耶鲁大学建筑系学生协会委托，后者是位于第一次世界大战纪念馆前的校园内的大型雕塑。1982年，Maya Lin，耶鲁大学建筑系高级学生，完成了越战纪念碑的建设，列出了越南战争中死亡的59,000名美国公民的名字。Lin选择这项工作来列出死者的名字，而不会产生任何图像来说明损失，如果不是因为存在切割 – 如伤害 – 在安装现场的地板上。自20世纪90年代以来，剪辑和场地/非场地逻辑将作为当代纪念馆中的经常性形象。当时耶鲁大学建筑系的一名高年级学生完成了越战纪念碑的建设，列出了59,000名在越南战争中丧生的美国公民的名字。Lin选择这项工作来列出死者的名字，而不会产生任何图像来说明损失，如果不是因为存在切割 – 如伤害 – 在安装现场的地板上。
另一个纪念战略是关注造成伤亡的冲突的起源：在这一行中，Robert Filliou在他的Commemor（1970）中建议让欧洲国家交换他们的纪念碑; Esther Shalev-Gerz和Jochem Gertz在德国汉堡市建立了反法西斯纪念碑（1983）。其他人，如Thomas Hirschhorn，与当地社区合作，建立了专门针对思想家的不稳定的反纪念碑，如Spinoza（1999），Gilles Deleuze（2000）和Georges Bataille（2002）。
策划的公共艺术项目
在这一行中，1990年艺术家Francois Hers和调解员Xavier Douroux根据委员是用户社区的原则开创了“Nouveaux指令”协议，该委员会与策展人 – 调解员合作，在项目的背景下工作与艺术家。Nouveaux指挥系统项目将公共艺术中的场地特定性概念扩展到以社区为基础的概念，因此暗示了在产生社区空间的实践与艺术干预之间建立“策划”联系的必要性。这是Douala（喀麦隆，1991）doual’art项目经验的背景，该项目基于一个委托系统，该系统将社区，艺术家和委托机构聚集在一起，实现项目。
另一方面，在20世纪90年代，根据双年展和其他文化活动所附的策展公共艺术节目的传播，重新审视了“特定地点”的概念。特别是两个事件确定了后续公共艺术项目的背景和理论背景：过去的地方; 关于正常情境并将其重新翻译成过去和现在的重叠和多重读数。第一个是“过去的地方”，试图在面向项目的策展环境中测试“城市遗址和雕塑”的并置。同样，On Taking on …在场地特异性和面向项目的文化之间建立了联系，但同时它以编程方式将已经在标题中的不同的城市和历史现实和叙事与新的艺术干预模式联系起来。On On Taking …同时在艺术介入和展览的场地特殊性上行动，“过去的地方”重新审视并更新了博物馆中没有围墙时尚的公共艺术收藏的趋势。后一点将在20世纪90年代和21世纪期间发展，与双年展和文化活动的传播同时发生，并且在开幕式后出现的“毕尔巴鄂效应”和“目的地文化”背景下的城市营销策略的结果在毕尔巴鄂的古根海姆博物馆。
城市公共艺术收藏的一个特定趋势与公共照明的新政策有关。亚洲和世界上最高的壁画由德国艺术家亨德里克·贝克里奇（Hendrik Beikirch）展示，展示了一位代表韩国人口很大一部分的渔民的单色调。它由Public Delivery组织，并于2013年在韩国釜山绘制。
在线文档
随着基于网络的数据的发展，在20世纪90年代和21世纪初出现了地方和区域公共艺术的在线数据库。在线公共艺术数据库可以是区域性的，也可以是国家性的，或者是选择性的（仅限于雕塑或壁画）。一些国家在线数据库，如史密森尼美国艺术博物馆的美国艺术档案馆，可能在其数据库中包含公共艺术品，但不对其进行分类。
在线公共艺术数据库
2006年，公共场所公共艺术项目是首批为大型地理区域 – 洛杉矶，南加州和夏威夷地区创建广泛的公共艺术在线数据库的非政府组织之一。该项目活跃，数据库包括所有形式的永久性（非临时性）公共艺术（包括雕塑，壁画，雕像，中转站艺术，以及包含公共艺术特征或组件的纪念碑，纪念碑，地标和旅游景点）
不活跃的在线项目
从1992年至1994年，Heritage Preservation资助了Save Outdoor Sculpture！的调查项目，其首字母缩略词SOS！引用国际摩尔斯电码遇险信号“SOS”。该项目记录了美国30,000多件雕塑，这些雕塑在SIRIS数据库中提供。该项目不再有效。
从2009年开始，WikiProject公共艺术致力于记录全球的公共艺术。虽然这个项目得到了学术界的初步关注，但它主要依赖于学生的贡献。它的状态目前未知。
2012年，Alfie Dennen重新启动了Big Art Mob项目，重点从绘制英国的公共艺术到绘制整个世界。在发布时，该地点有超过12,000件公共艺术品，其中包括截至2012年9月9日的600多件新作品。此数据库地点不再有效。
互动公共艺术
某些形式的公共艺术旨在鼓励观众以实践的方式参与。例如安装在动手科学博物馆的公共艺术，例如安大略省科学中心前面的主要建筑中心。这种永久性安装的艺术品是一种喷泉，也是一种乐器（液压旋风），公众可以随时玩。公众通过阻止水射流来强迫水通过雕塑内部的各种发声机制与工作相互作用。墨尔本Birrarung Marr的联邦钟楼也是一个公共艺术创作，作为一种乐器。1980年，密歇根州底特律的艺术家Jim Pallas创作了第一部永久性大型互动公共艺术作品，名为Century of Light，
Rebecca Krinke的喜悦和痛苦地图以及需要说些什么可以邀请公众参与。在地图中，游客可以在双子城的地图上画出金色和蓝色的愉悦和痛苦的地方; 在需要说什么时，他们会写下文字并将它们放在墙上。Krinke出席并观察了相互作用的本质。荷兰艺术家Daan Roosegaarde探索了公众的本质。他在埃因霍温的互动艺术品Crystal可以被分享或被盗。水晶存在于数百个单独的盐晶体中，当它们与它们相互作用时会发光。
从更广泛的艺术框架及其与电影的关系，以及电影史; 其他类型的“公共艺术”值得考虑的是数字艺术领域的媒体和电影作品。根据Ginette Vincendeau和Susay Hayward的说法，他们在伦敦大学和欧洲高等教育的电影导论中讲授法国电影：文本和背景，电影确实是一种艺术形式，并继续争辩说电影也是高雅的艺术。此外，市区和纪念碑历史上的电影和公共空间的背景可以追溯到电影之父GeorgesMéliès，以及发明了运动图像的Lumière兄弟，更常见的是1896年的电影。 ，
数字公共艺术
数字公共艺术和传统公共艺术在其创作和展示中利用新技术。数字公共艺术与众不同的是它与观众明确互动的技术能力。这些公共艺术方法与数字社区艺术作品（也被称为社交参与新媒体艺术，或“SENMA”）在如何与受众，场所和结果建立关系方面有所不同。在基于社区的数字艺术作品中，这些问题通过对话过程演变而不是作为明确的行动方式，工作或一组关系。
艺术百分比
公共艺术通常是在拥有或管理该空间的政府或公司的授权和合作下委托或获得的。一些政府积极鼓励创作公共艺术，例如，通过实施艺术百分比政策，为新建筑中的艺术品编制预算。通常，城市改善项目总成本的1％到2％用于艺术品，但数量因地而异。在为艺术品（例如洛杉矶市）分配资金之前，有时会取消管理和维护费用。许多地方都有“普通基金”，为临时项目和文化表演提供资金，而不是坚持与项目有关的佣金。大多数欧洲国家，澳大利亚，非洲的几个国家（其中包括南非和塞内加尔）以及美国的许多城市和州都拥有艺术项目的百分比。艺术百分比不适用于市政当局的每个资本改善项目，艺术政策的百分比。
1959年在费城通过了第一项百分之百的立法。这项要求以各种方式实施。魁北克政府坚持艺术和建筑一体化政策，要求所有新的公共资助建筑的预算为艺术品预留约1％。纽约市有一项法律要求不低于前二千万美元的1％，加上不少于超过二千万美元的1％的一半用于任何公共建筑的艺术作品。城市。纽约任何佣金的最高拨款是。
相比之下，多伦多市要求所有建筑成本的1％用于公共艺术，没有设定上限（尽管在某些情况下，市政当局和开发商可能会谈判最高金额）。在英国，艺术的百分比是地方当局的自由裁量权，地方当局在第106条协议的更广泛条款下实施它，否则称为“计划收益”，在实践中它是可以谈判的，并且很少达到完整的1％，在那里它实施完毕。艺术计划的百分比存在于爱尔兰，并且被许多地方当局广泛实施。
澳大利亚昆士兰艺术学院支持州政府和策展顾问委员会提供的预算“艺术+地方”的新政策（2008年）。它取代了之前的’艺术内置’2005-2007。2007年至2009年，澳大利亚堪培拉承诺将其公共艺术品的1％的基本工程计划（包括多年）用于公共艺术，最终金额为778,000美元。
公共艺术与政治
公共艺术经常被用于政治目的。最极端和广泛讨论的表现仍然是艺术作为极权主义政权内部的宣传，同时同时抑制异议。在约瑟夫斯大林的苏联和毛泽东在中国的文化大革命中看到的艺术方法具有代表性。
罗马的会说话的雕像开始于16世纪的政治表达传统，这种传统仍在继续。公共艺术也经常被用来反驳那些政治政权的宣传欲望。艺术家使用文化干扰技术，利用大众媒体并以游击式改编重新解释，以评论与公众相关的社会和政治问题。艺术家利用文化干扰促进围绕政治问题的社会互动，希望通过操纵现有文化来改变人们与世界的联系方式。Adbusters杂志通过操纵流行的设计活动，通过文化干扰探索当代社会和政治问题。
在更开放的社会中，艺术家经常发现公共艺术有助于促进他们的想法或建立一种与观众无法接触的审查手段。艺术品可能是有意短暂的，如临时装置和表演件的情况。这种艺术具有自发的品质。它在未经当局同意的情况下在城市环境中展示。然而，随着时间的推移，这种艺术获得了官方的认可。例子包括涂鸦和“游击队”公共艺术之间界限模糊的情况，例如Keith Haring早期作品的艺术（未经纽约市地铁广告海报持有人许可执行）和Banksy的作品。北爱尔兰的壁画和洛杉矶的壁画经常回应冲突时期。
融资
对于一些作者来说，公共艺术是由国家或当地社区的资金来定义的。
对于认为公共艺术是安装在公共场所的作者，在赞助或公开订阅的情况下，资金可以是公开的，私人的，如安装纪念馆所发生的那样。公司可以为公共艺术提供资金，引发新的争议，例如围绕华尔街对抗公牛的无畏女孩的安装。在这个示范性和复杂的案例中，市政当局只有监管角色，而当事方要求法院进行仲裁。
一些政府积极鼓励创作艺术，没有这种鼓励必然会以一种或另一种意义上的方式导致公共艺术。将艺术作为新建筑建筑成本的一定百分比投入艺术的义务并不要求发起人为公共艺术提供资金。这些资金是私人的，工程可以在建筑物的集体而非公共部分展出。这同样适用于专门用于艺术的预算规定。
在某些国家，将1％的建筑成本分配给艺术品是一项规则，但数量可能因地点而异。在法国，1951年制定了1％的艺术作品，以资助与公共建筑创作相关的作品。在魁北克省，自20世纪60年代以来，所有公共资助建筑的预算必须为艺术预留1％。在纽约，首批2000万美元中的至少1％（超过半数）应分配到任何工作中。城市拥有的公共建筑。在多伦多，法律要求至少1％的建筑预算专门用于公共艺术。在英国，这笔款项由地方当局自行决定。
美学
寻求民众支持的政府利用传统的艺术惯例和流程，在没有任何特殊教育的情况下，促进了公共场所的纪念性作品的制作：墨西哥革命导致墨西哥的壁画发展; 东方集团政府将公共艺术的社会主义现实主义强加于人。
对艺术领域的制度提出质疑的运动也对其产生的美学提出了挑战，这种美学有利于破裂和新奇。寻求不寻求艺术的观众的欣赏，他们最常使用更容易获得和更传统的形式，一般地公开漫画，新闻绘画和插图。
相反，政府机构可以通过其购买政策和介绍来寻求将当代艺术的趋势带给公众。但总的来说，授予公共秩序的过程解决了一些问题，并涉及多个行政服务。美学标准根据工作目的地，安装在公共道路上或在博物馆展出而不同。
一些艺术家利用公共空间的演示来制作大型作品，对于古典展览来说太大了。例如，The Path is the Line in the Line是Richard Long的作品，包括为期三周的徒步旅行。加尔沃特曼创造了一个巨大的拱门，高10米，横跨纽黑文的一条街道。像Christo和Jeanne-Claude，Robert Smithson，Andy Goldsworthy，James Turrell和Antony Gormley这样的艺术家会对他们的环境作出反应或融入其中。
争议
公共艺术有时会引起争议。造成这种情况的因素很多：艺术家的挑衅欲望，公众的多样性，公共资金，空间和资源的适当使用问题以及公共安全问题。
底特律的海德堡项目因其自1986年成立以来数十年的精美外观而备受争议。
1989年，理查德塞拉的极简主义作品Tilted Arc从纽约福莱广场被拆除，因为办公室工作人员抱怨他们的工作惯例被这件作品打断了。公开法庭的听证会裁定不得继续展示作品。
维克多·帕斯莫尔（Peter Pasmore）在彼得利英格兰新城的阿波罗馆（Apollo Pavilion）一直是当地政治家和其他团体的焦点，他们抱怨镇的治理和资源分配。艺术家和文化领导人开展了一场运动，旨在恢复波罗的海当代艺术中心的工作声誉，委托艺术家Jane和Louise Wilson在2003年制作有关该作品的视频装置。
众议院是伦敦东部雷切尔怀特雷德（Rachel Whiteread）1993年至1994年的一部大作，几个月后被地方议会摧毁。艺术家和她的经纪人只获得了临时工作许可。
皮埃尔·维万特（Pierre Vivant）位于伦敦东部金丝雀码头（Canary Wharf）附近的交通灯树在1998年建造时引起了驾驶者的一些混乱，其中一些人认为它们是真正的交通信号。然而，一旦这件作品变得更有名，它就被英国的驾驶者调查成为该国最受欢迎的回旋处。
Maurice Agis的Dreamspace V是一个巨大的充气迷宫，位于达勒姆郡切斯特勒街，于2006年造成两名妇女死亡，一名三岁女孩严重受伤，当时一股强风破坏了它的系泊并将其抬进了30英尺。空气中，有三十人被困在里面。
16吨，Seth Wulsin 2006年的大量工作包括拆除与之合作的原材料，这是布宜诺斯艾利斯的一所前监狱。为了获得执行该项目的授权，Wulsin必须聘请地方，城市和国家政府机构以及前监狱囚犯，人权团体和军队。
可持续发展
公共艺术本质上面临着设计挑战：如何最好地激活周围环境中的图像。“可持续性”概念的出现是为了应对城市的环境缺陷。自1980年代以来联合国推动的可持续发展包括经济，社会和生态方面。可持续的公共艺术作品将包括城市更新和拆卸计划。可持续性已被许多环境规划和工程项目广泛采用。可持续艺术是应对公众开放空间需求的挑战。