第59届威尼斯双年展国际艺术展，主题名为“梦想的牛奶”，由Cecilia Alemani策展，于2022年4月23日星期六至 11 月27日星期日向公众开放。展览在中央馆 (Giardini) 和军械库举行，主题展包括来自58个国家的213位艺术家；其中180家是首次参加国际展览。展出的1433件作品和物品，80 个新项目是专门为双年展设计的。
展览还将包括80个国家和地区参与，分布在 Giardini、Arsenale 和威尼斯市中心历史悠久的展馆。5个国家将首次参加双年展：喀麦隆共和国、纳米比亚、尼泊尔、阿曼苏丹国和乌干达。哈萨克斯坦共和国、吉尔吉斯斯坦共和国和乌兹别克斯坦共和国首次以自己的展馆参展。
展览“梦之乳”将 Leonora Carrington 的超凡脱俗的生物，以及其他变形人物作为同伴，一起踏上一段穿越身体变形和人类定义的想象之旅。The Milk of Dreams 的名称取自 Leonora Carrington（1917-2011 年）的一本书，其中这位超现实主义艺术家描述了一个神奇的世界，通过想象的棱镜不断地重新构想生活。这是一个每个人都可以改变、被改造、成为某物或其他人的世界；一个自由的世界，充满了可能性。
但这也是一个世纪的寓言，对自我的定义施加了无法忍受的压力，迫使卡林顿过着流放的生活：被关在精神病院，一个永恒的魅力和欲望的对象，但也是一个惊人的力量人物和神秘，总是逃离固定的、连贯的身份的束缚。本次展览的基础是与过去几年举行的艺术家的多次对话。从这些对话中不断出现的问题似乎捕捉到了这个物种生存受到威胁的历史时刻，但也总结了我们这个时代遍布科学、艺术和神话的许多其他问题。
人类的定义如何变化？什么构成了生命，以及植物和动物、人类和非人类的区别是什么？我们对地球、其他人和其他生命形式的责任是什么？没有我们，生活会是什么样子？这些是本届艺术双年展的一些指导性问题，特别关注三个主题领域：身体的表现及其变形；个人与技术之间的关系；物体与地球之间的联系。
许多当代艺术家正在想象一种后人类状态，它挑战现代西方对人类的看法——尤其是假定的白人男性“理性人”的普遍理想——作为宇宙的固定中心和万物的尺度。取而代之的是，艺术家们提出了物种之间的新联盟，以及与卡林顿的非凡生物无异的多孔、混合、多样的生物所居住的世界。在技术日益侵入的压力下，身体和物体之间的界限已经彻底改变，带来了重新映射主体性、等级和解剖结构的深刻变化。
今天，世界似乎在技术乐观主义（承诺人体可以通过科学不断完善）和对机器通过自动化和人工智能完全接管的恐惧之间发生了巨大的分歧。在 Covid-19 大流行期间，这种裂痕已经扩大，这迫使我们更加疏远，并将许多人际互动关在电子设备的屏幕后面。
科技的压力、社会紧张局势的加剧、流行病的爆发以及迫在眉睫的环境灾难威胁每天都在提醒我们，作为凡人，我们既不是不可战胜的，也不是自给自足的，而是一个共生网络的一部分。将我们彼此、其他物种以及整个地球联系在一起的相互依存关系。
在这种气候下，许多艺术家设想人类中心主义的终结，庆祝与非人类、动物世界和地球的新交流；他们培养了物种之间以及有机与无机、有生命与无生命之间的亲缘关系。其他人则对所谓的普遍系统的解体做出反应，重新发现知识的本地化形式和新的身份政治。还有一些人实践女权主义理论家和活动家西尔维娅·费德里奇（Silvia Federici）所说的“世界的重新魅力”，以与莱昂诺拉·卡林顿（Leonora Carrington）大致相同的方式将土著传统与个人神话混合在一起。
梦之乳是在一个极度不稳定和不确定的时期构思和组织的，因为它的发展恰逢 Covid-19 大流行的爆发和蔓延。La Biennale di Venezia 被迫将这一届推迟了一年，这是自 1895 年以来的两次世界大战期间才发生的事件。所以这个展览能够开幕的事实有点非同寻常：它的开幕并不完全是一个象征回归正常生活，而是集体努力的结果，这似乎是奇迹。第一次，也许是在战后时期，艺术总监无法亲眼看到许多艺术品，或与大多数参展艺术家见面。
在银幕前这无尽的几个月里，策展人一直在思考国际艺术展在这个历史关头应该扮演什么样的角色，而策展人能找到的最简单、最真诚的答案就是双年展总结了一切。在过去的两年里，我们非常想念：结识来自世界各地的人的自由、旅行的可能性、共度时光的快乐、差异的实践、翻译、理解和交流。
The Milk of Dreams 不是一场关于大流行的展览，但它不可避免地记录了我们这个时代的剧变。在这样的时代，正如威尼斯双年展的历史清楚地表明，艺术和艺术家可以帮助我们想象新的共存模式和无限的新转变可能性。
国家与地区展馆
威尼斯双年展是在意大利威尼斯举办的国际艺术双年展。通常被描述为“艺术界的奥运会”，参加双年展是当代艺术家享有盛誉的盛会。这个节日已经成为一个展览的星座：由当年的艺术总监策划的中央展览，由各个国家主办的国家馆，以及整个威尼斯的独立展览。双年展的母组织还定期举办其他艺术节：建筑、舞蹈、电影、音乐和戏剧。
在中央国际展览之外，各个国家制作自己的展览，称为展馆，作为其国家代表。拥有自己展馆建筑的国家，例如位于 Giardini 的 30 座展馆，也要负责自己的维护和建设成本。没有专门建筑的国家在威尼斯军械库和整个城市的宫殿中建造了展馆。
自 1895 年首届双年展以来，贾尔迪尼 (Giardini) 一直是双年展艺术展的传统举办地。贾尔迪尼 (Giardini) 现在拥有 29 个外国展馆，其中一些由著名建筑师设计，如约瑟夫·霍夫曼的奥地利馆、格里特·托马斯·里特维尔德的荷兰馆或芬兰馆，由阿尔瓦·阿尔托设计的带有梯形平面的预制件。
军械库是前工业时代威尼斯最大的生产中心，是该市经济、政治和军事力量的象征。自 1980 年以来，军械库在第一届国际建筑展之际成为了双年展的展览场地。后来，在开放部分的艺术展览中使用了相同的空间。
随着规模的逐渐扩大，威尼斯双年展的范围已经扩大到覆盖整个城市。除了主要的展览场馆，它还包括许多散布在城镇街道甚至离岛的展馆。
附带事件
由策展人认可并由非营利性国家和国际机构和机构推动的附属活动将在威尼斯市周围的多个地点举行。他们提供了广泛的贡献和参与，丰富了展览所特有的声音的多样性。
Elisa Giardina Papa 是参加国际展览（竞赛）的艺术家之一，受 Cecilia Alemani 的邀请，在 Forte Marghera 的名为 Polveriera austriaca 的建筑中创作了一件特别的作品。艺术家 Sophia Al-Maria 被选中在军械库 Sale d’Armi 的应用艺术馆展示一件作品。这是威尼斯双年展与伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆 (V&A) 合作的第六届。
第一届双年展学院艺术 2021/2022 的选定项目由 Simnikiwe Buhlungu、Ambra Castagnetti、Andro Eradze 和 Kudzanai-Violet Hwami 设计。4 位艺术家将获得 25,000 欧元的资助，用于完成最终作品。这些作品将作为第 59 届国际艺术展“梦之乳”的一部分，作为非竞赛作品展出。
连续第十一年，双年展将双年展项目专门用于在建筑、艺术和相关领域开发研究和培训项目的机构，以及大学和美术学院。其目的是为至少 50 名学生和教师的团体自组织三天参观提供便利，并有可能在展览场地免费举办研讨会，并协助协调旅行和住宿。
Alberta Whittle：深潜（暂停）展开记忆
深潜（暂停）展开记忆是屡获殊荣的艺术家阿尔伯塔·惠特尔（Alberta Whittle）的新作品装置。阿尔伯塔省的作品跨越前造船厂的两个房间，是一个包含挂毯、电影和雕塑作品的环境，这些作品通过共同的主题和思想词汇连接起来。通过她丰富的象征意义，艾伯塔鼓励我们放慢脚步，以便我们可以集体考虑种族主义、殖民主义和移民的历史遗产和当代表现，并开始在这些破坏性框架之外思考。
苏安琪：威尼斯在中国香港
在《崛起》中，安吉拉·苏通过相互关联的虚构视角传达了一种投机性的叙事。悬浮的行为作为一种组织隐喻，在苏的绘画、动态图像、刺绣和装置中重新出现。艺术家以虚构的另一个自我为幌子，探索空中升起的无数文化和政治价值。展览的核心是一部新的视频作品，劳伦·奥的宏伟悬浮法。这部伪纪录片讲述了劳伦·奥的故事，一个相信自己可以悬浮的虚构人物，以及她与拉登乌鸦的关系，一个激进组织催化了由 1960 年代的美国反战运动。
天使倾听
在 Rachel Lee Hovnanian 的沉浸式装置 Angels Listening 中，七个大型天使以青铜铸成，嘴巴被“封住”，环绕着镀金的忏悔室。这个互动展览邀请观众将他们内心深处的想法，无论是由于害怕判断还是纯粹的无能而压抑，都在丝带上。一旦在现场被丢弃，观众的声音就加入了忏悔的合唱——展示了与宣泄相关的解放和在共同孤立的时刻冥想环境的神圣性。Rachel Lee Hovnanian 是一位居住在迈阿密的艺术家，他的多学科实践探索了现代女权主义的复杂性和技术的心理影响。
博斯科索迪宫文德拉明格里马尼。善有善报恶有恶报
Bosco Sodi 以在大型雕塑和绘画中使用天然原料而闻名，他已被 Fondazione dell’Albero d’Oro 选为 Palazzo Vendramin Grimani 的艺术家驻留项目。索迪从世界各地寻求的材料的基本简单性和强烈的颜料构成了他创作过程的基础，艺术家将其描述为“受控的混乱”，产生“完全不可重复的东西”。这些作品将由艺术家在俯瞰大运河的宫殿的独立大厅或底层大厅创作，并构成由 Daniela Ferretti 和 Dakin Hart 策划的展览的核心。
威尼斯的加泰罗尼亚_Llim
Llim（淤泥）附着在运河和玻璃管上，将它们连接起来，并逐渐吸收构成威尼斯的各层。一个被水包围的城市成为西方世界的玻璃制造中心是由于粘性：玻璃和水在物质状态之间发生变异的能力促进了合作和共存。水具有肥沃的力量，因为它与地球接触时会变成淤泥。从尼罗河的黑泥中出现了阿拉伯语单词khemia，炼金术，它在玻璃中找到了灵感来源。Llim 既不渴望获得黄金，也不渴望获得精华：它以同样平静的方式移动威尼斯的基础，就像它代谢并将材料恢复到它们的原点一样。
全光荣：重新想象的时代
Times Reimagined 是艺术家 Chun Kwang Young 的一个美学实验室，他已经工作了大约 30 年，其主题是生物之间的相互联系及其关系的社会生态价值。他的韩纸（韩国桑树纸）浮雕、雕塑、装置，以及与建筑师斯特凡诺·博埃里（Stefano Boeri）对话的现场特定建筑结构，都在展览期间上演。曾经作为书籍存在的纸张，作为象征性的生物重生，重新构想了判断和决定我们时代的知识、信息和价值观。通过这些，鼓励观众重新考虑现有的非生态实践并寻求新的出口。
Claire Tabouret：我很宽敞，在歌唱肉体
Claire Tabouret：在 Kathryn Weir 策划的一个非凡的调查展览中，我很宽敞，歌唱的肉体对艺术家作品的关键维度进行了新的批判性解读，该展览探索了多种转变：自我、他人、集体身份、斗争、释放和避难所。一个强大而出人意料的对话也创造了几个来自意大利背景的虔诚对象，在 Tabouret 的实践中调用了一个矛盾的阈值，一个进入多个时间性和主体性的门户，通过它来考虑人类之间以及人类与其环境之间的替代关系，在面对生态和社会危机时与超自然的沟通。
Eugen Raportoru：后宫的绑架
一个多面的、千变万化的时间胶囊，一系列特定地点的装置，遍布罗马的家庭空间。该系列的基础是理解这些物品所体现的叙事的重要性，以及它们告知和反映罗姆文化、罗姆人生活和罗姆人知识传播的能力。东方地毯在东欧家庭中越来越多的故事被追溯，引发对身份和历史概念的特定时空配置的思考，以及创伤、希望、身体和情感。一系列干预进一步反映了罗姆妇女的双重少数地位，创造了一个共鸣室，让我们能够倾听和学习她们的声音。
伊娃·库里鲁克
Ewa Kuryluk 的展览是与艺术家和知识分子的一次会面，也是一次追寻对她来说很重要的地方的足迹之旅：科林斯、战后华沙的“小意大利”、伦敦的“小威尼斯”和纽约。然而，这位艺术史学家博学的后现代散文和散文在这里让位于敏感的女儿、姐妹和情人，她的故事漂浮在由时间、空气和织物制成的短暂和个人装置中。波兰艺术家 Ewa Kuryluk 因在欧洲、美国、南美、加拿大和日本举办了 50 多次个展而闻名于世。她是短暂的纺织装置、画家、摄影师、艺术史学家、小说家和诗人的先驱。她的作品可以在欧洲和美国的公共和私人收藏中找到。
来自巴勒斯坦的艺术
该展览由美国巴勒斯坦博物馆推动，展示了巴勒斯坦和侨民创作的当代艺术的丰富性。艺术家将现代主义语言语境化，将代码和符号解读为艺术家，展现巴勒斯坦土地和人民的美丽。这棵深受人民喜爱的橄榄树矗立在展览的中心，矗立在巴勒斯坦历史地图上，周围环绕着刺绣连衣裙和画作。From Palestine With Art 创造了一个强有力的声明，符合巴勒斯坦人拥抱土地和遗产的决心。
河宗铉
Ha Chong-Hyun 以单色画艺术家而闻名，但这一称号仅适用于五十多年来致力于探索材料及其特性的各种实践的一个方面。朝鲜战争结束后，哈利用现成的物品创作了抽象和立体的作品，这些物品反映了战争的持久创伤。1974 年，他开始了广受好评的 Conjunction 系列，该系列采用了 bae-ap-bub，这是艺术家将油画颜料从帆布编织的背面推到前面的创新方法。这种方法体现了哈致力于挑战现状和发展独特艺术词汇的承诺。本次回顾展旨在全面展示他的材料、方法和创造性实验，并突出他在“
Heinz Mack – 光的振动
1970 年，曾代表德国参加第 35 届国际艺术展的 ZERO 创始人和动态艺术家海因茨·麦克在一场规模庞大的个展中，在威尼斯最具标志性的场所之一展示了他令人印象深刻的作品横截面。以壮观的空间装置形式，麦克的不朽画作和轻石碑与提香、丁托列托和委罗内塞的杰作在这里相遇。通过光镜石碑，带有文艺复兴时期绘画的大气场地被占据和反射。光在麦克的全部作品和本次展览中起着核心作用，也决定了他的沉思色场画作，超越了历史空间，进入了一个临时的冥想场所。
不可能的梦想
档案展览和活动旨在被视为互动平台，彼此交谈并由彼此的材料推动。它们不是单独的策展计划，而是解决记忆（档案）和存在（事件）的集会，两者都维持着对未来的信念。档案变成了审美事件，而事件变成了审慎的档案。该活动是一场生动的表演手势研讨会，档案包括神秘的物品。Impossible Dreams 承认当前危机的限制，同时努力实现一种可能性。Impossible 的意思是“还没有可能”，是对一种情况的描述以及对未来更好的事物、人物和世界的希望。
卡塔琳娜·格罗斯
在黑色的 Apollo 环境中，Apollo 将 Katharina Grosse 的手印在金属网眼织物上的综合图像，描绘了艺术家身体和彩色材料之间的界限在创作过程中模糊的时刻。凭借其金属流动性和色调强度，在威尼斯语境中产生特殊的共鸣，这件作品将透明与不透明融合在一起，让光线透过，创造出通往梦幻世界的门户，游客在其中质疑现实与想象之间的界限。
Spazio Louis Vuitton, San Marco 1353, Calle del Ridotto
Kehinde Wiley：沉默的考古学
Kehinde Wiley: An Archeology of Silence 是对美国和全球殖民历史残暴行为的反思。展览包括一系列新的纪念性绘画和雕塑，这些绘画和雕塑思考了世界各地黑人的死亡，以及全球媒体如何揭露这些曾经被压制的暴行。“这就是我正在发掘的考古学”，威利说。“警察暴力的幽灵和国家对全世界年轻黑人和棕色人的尸体的控制”。新的肖像讲述了一个关于生存和恢复的故事，作为面对野蛮的耐力和毅力的纪念碑。
丽塔阿尔伯克基：液态光
Lita Albuquerque 的电影中 25 世纪的女宇航员在天体和地球的位面通勤着超凡脱俗的知识。就像抵达古代威尼斯的商人或今天下船的游客一样，她与地球的相遇是一种惊奇和忧虑——想知道什么在时间的腐败中幸存下来，并对其继续生存的忧虑。Liquid Light 融合了图像、个人历史和情感景观，体现了艺术家的神话，以胰蛋白酶视频装置的形式展出，与威尼斯工匠合作在当地采购和创作的装置组件协同工作。
路易丝·内维尔森。持久性
为纪念 1962 年路易丝·奈维尔森 (Louise Nevelson) 为第 31 届威尼斯双年展美国馆举办的展览 60 周年而举办的展览，此次展览的重点是被证明是奈维尔森对 20 世纪艺术最明确的贡献的流派：组合。该展览由 Julia Bryan-Wilson 策划，汇集了跨越 30 年生产的 60 多件作品，突显了 Nevelson 非凡的创造性材料组合，包括著名的巨大黑色网格墙和较小的、鲜为人知的具有多种颜色的拼贴画是用日常用品制成的，如新闻纸、扁平的金属片、纸板、箔、砂纸和织物。这些作品不按时间顺序排列，展示了 Nevelson 非凡的坚持：
卢西奥·丰塔纳 / 安东尼·葛姆雷
Lucio Fontana / Antony Gormley 是一个展览，它建立在艺术作品之间简洁、有选择性的对话之上，这些对话着眼于光、空间和缺席的含义。卢西奥·丰塔纳在 1946 年至 1968 年间创作的一系列绘画作品以及一系列涵盖安东尼·葛姆雷研究多个方面的纸上作品，都与这些艺术家的雕塑相结合。无论是二维还是三维，艺术家的作品都“栖息”在空间中，观众的注意力从空间中的物体转移到空间本身。每件作品都带有那一刻的真实痕迹，在这一刻，无论是雕塑的还是图形的姿态，都释放了其执行过程中所包含的能量张力。因此，符号也成为时间的记录。
佩拉 + 植物群 + 动物群
关于土着性和自然的话语在很大程度上受到工业化国家主流文化态度的影响，这些国家正是造成现有环境问题的国家。这就引出了一些问题，例如，审美思维能否导致对自然或土著性的保护和恢复？全球土著居民能否挑战由非土著人书写的主流文献（艺术）历史？土著居民能否获得集体主张“他们自己的历史和叙述”的自由，对抗主流话语？Pera + Flora + Fauna 旨在探究土著、主流文化和自然之间的相互关系。
信仰之路
信仰之路展现了人类按照自己的直觉来对抗其思想和神性的混乱的觉醒过程。展览由海洋绽放、洛水仙女颂、绝对不变三个部分组成。中国古典词赋《洛神赋》文学作品以彩墨和VR技术呈现。在这个二维到三个维度的传播中，以包含中西戏音素的原创音乐为导向，观众可以看到轮回循环中人类一贯的对抗与挣扎，以及自身的贪婪。
Rony Plesl：树从天而降
捷克艺术家 Rony Plesl 的展览项目解决了人类存在的本质和人类定义的问题。它还触及了人类与自然的关系，提供了对多层意义的直接反映。独特的玻璃艺术品的整体概念和特定地点的装置的叙述围绕着一段旅程，围绕着我们在当今世界中寻找的道路。威尼斯项目的实现是玻璃铸造独特技术在全球范围内的全球首演，允许无限制地创作玻璃雕塑。
斯坦利·惠特尼：意大利绘画
精湛的抽象画家斯坦利·惠特尼（Stanley Whitney）于 1946 年出生于费城，自 1970 年代中期以来，他一直在探索色彩在不断变化的多色块和遍布姿态场的网格中的形式可能性。1990 年代初期，惠特尼在意大利度过了一段成长时期，在那里，惠特尼被该国的艺术和建筑所吸引，永远地改变了他的画作。本次展览由 Cathleen Chaffee 和 Vincenzo de Bellis 共同策划，首次汇集了惠特尼从 1990 年代至今在意大利创作的作品，并考虑了意大利艺术和建筑对他的绘画的影响。
弗朗西斯卡·莱昂内
艺术家将目光转向了时间的概念：是锈迹在金属上氧化、划伤、伤痕的时间；正是在这张皮肤上，艺术家介入并巧妙地暗示了色彩，覆盖了伤口。正是在这种记忆的对话中，莱昂内建立了她自己的幻想叙事，痛苦的大自然需要暂停，因为这些作品低语，邀请我们停下来，给自己的想法时间，让梦想浮出水面。花时间意味着让自己有瞥一眼的特权，给艺术时间来写自己的故事。一种叛逆的姿态，带来了一种新的乌托邦思想，一种新的魅力。
周二格林福特：美杜莎海藻拉古纳
丹麦概念艺术家 Tue Greenfort 的装置 Medusa Alga Laguna 专注于威尼斯泻湖中不同物种的生命，并带来了人类和非人类的关系。雕塑表现形式——有时在玻璃中作为对 19 世纪中期现实自然表现的参考——将我们带入威尼斯水域的生物多样性世界。它揭示了藻类和水母等海洋生物的迷人复杂性。此次个展由慕尼黑 ERES 基金会主办，该基金会致力于促进科学与美术之间的对话。该节目延续了 Greenfort 在慕尼黑的 Alga 项目（2021 年）。
未梳理的、不可预见的、不受约束的
伦敦阳伞单元介绍了由 11 位国际当代艺术家组成的群展，他们的展示与熵现象或某种无序程度相一致。根据策展人 Ziba Ardalan 的说法，艺术家 Darren Almond、Oliver Beer、Rana Begum with Hyetal、Julian Charri re、David Claerbout、Bharti Kher、Arghavan Khosravi、Teresa Margolles、Si On、Martin Puryear 和 Rayyane Tabet 已独立确定并尖锐回应在过去的几十年中，许多不利现象在我们的日常生活和环境以及我们的社会和集体历史中越来越具有一定程度的重要性，从而威胁到地球上的生命。
维拉·莫纳尔：Icône 2020
Vera Molnár：Icône 2020 是一个以新委托 Icône 2020 为中心的展览，由 Francesca Franco 创立、制作和策展。这是 Vera Molnár 在八十多年的职业生涯中的第一个玻璃雕塑。本次展览以新委托为中心，探讨了使这件雕塑成为可能的过程，汇集了预备草图、原始绘图图纸和文件材料，揭示了 Icône 2020 制作背后的复杂性，鼓励人们对雕塑和计算艺术的难以想象的后果。
用手迹象成长
Odalys 基金会和 Signum 基金会在 Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira (Ministerio de Cultura y Deporte, Spain) 的支持下，在 Signum 基金会意大利总部 Palazzo Donà 开展了一项干预项目，其中包括几个站点-为Palazzo的不同房间设想的具体项目。四位年轻艺术家（Ruth Gómez、Nuria Mora、Daniel Muñoz 和 Sixe Paredes）通过具有共同特征的创作过程参与了这一倡议：希望通过艺术分享他们对世界的看法。以这样一种方式，现在在宫殿空间中的这些干预可以被定义为来自每个艺术家个人领域的一系列微观叙事，这是一个公共的领域 – 现在但也没有受到挑战，因为它的历史包袱。在这个地方工作过的艺术家，将他们每个人的墙壁/地板或Palazzo Donà的房间联系起来。
没有女人
Zinaida 的作品没有女人是关于养羊者在大自然中生活的纯洁和男性能量的转变。从孩提时代到太老，喀尔巴阡山脉村庄的男人离开他们的住所去山上呆了五个月。在众多的绵羊和奶牛中，它们将牛奶加工成黄油和奶酪。在这种完全揭示男性角色的升华行为中，男性气质被更新到纯洁的程度。在孤独的环境中，男人可以充分、生动地表达和更新自己的男性本性。就像僧侣一样，这些男人独自生活在大自然的怀抱中，没有女人。这件艺术品由三个视频和一个装置“生命之乳”组成。
“一马”艺术团：梦的寓言
Allegory of Dreams 是一个综合性的当代艺术展览，展示了行为艺术、摄影、视频以及室内和室外雕塑的文献。展览由国际策展人若昂·米格尔·巴罗斯（João Miguel Barros）策展，展出由翁维明和陈显耀在中国澳门成立的艺术团体“YiiMa”的作品。与梦的牛奶相呼应，展览被构思和发展为梦的寓言。此次活动通过录制两位艺术家的现场表演，旨在向游客展示澳门独特的文化环境，充满回忆和历史，让他们有机会体验其梦幻而寓言的日常生活场景。