装置艺术（Installation art）是一种三维作品的艺术流派，通常是特定地点，旨在改变对空间的感知。一般来说，这个术语适用于内部空间，而外部干预通常被称为公共艺术，地面艺术或干预艺术;然而，这些术语之间的界限重叠。

装置艺术是20世纪70年代以来在绘画，雕塑，图像，照片等方面普遍化的当代艺术表现手法和体裁之一。把物体和设备放在某些室内或室外的艺术品，根据艺术家的意图创造一个空间，改变和分解，让整个空间和空间体验一个作品。有时可以通过筛选视频图像（视频设备）来构建空间，或者使用声音等（声音设备）来构建空间。

因为整个空间是作品，观众要“体验”整个作品所包围的整个空间，而不是“欣赏”每一件作品。这是一种艺术手法，其重点在于如何改变观看者体验（看，听，感，思）空间的方式。本来主要是从雕塑作品的展示方式，土地艺术•环境艺术的生产和表演艺术的制作等方面的反复试验出发，逐渐脱离了雕塑等的框架，变得独立自主，成为了独立。视为一种表达技术。

装置通常以三维框架来表达：艺术家包括环境或其他因素，将他的作品与简单的作品区分开来。这个作品被置于一种场景之中，并将场外视为一个不能立即被观看者看到的维度：仅仅把它作为一个“旁观者”的事实召唤出参与，沉浸和戏剧性的概念。

装置艺术特征：
装置通常由在不同的环境中汇集的异构对象组成。这些对象并不是密不可分的，是可以组装或拆卸的。

自六十年代以来，装置的概念一直被用在视觉艺术中，当时，诸如建筑，雕塑和绘画等各种学科的古典艺术分类被艾伦·卡普罗（Allan Kaprow）等艺术家视为阻碍。

这个装置基本上是暂时的，只有在展览会之后才能拆除，只留在人们的记忆里。以后只有照片和录像才是后续跟进的方法，但不能简单地说，人们只是通过观看照片来体验工作。不过，这些照片本身可能是对安装工作表现出不同吸引力的作品。

另外，安装是特定于站点的（特定站点）。现代以来的西洋美术作品在教堂等的建筑物中，变成独立于基座上的前额绘画，雕塑等的风格，可以认为，无论放置在哪里，都以同样的方式建立世界变成了。另一方面，从安装位置的形状，与周围的墙壁的关系，建筑，地形，历史和关于地方的记忆的启发，安装工程与这些紧密相关。所以搬迁到别的地方是很难的，因为它不会成为一种工作。

这是暂时的，特定的地点，所以在展览后它将会消失，除非它是一个永久安装的工作。另外，交易基本上是困难的。在出售或购买时，美术馆等要求作者出示作品，支付生产成本，采用永久性设置或临时安装方法，或者收藏家和博物馆将所有部分与详细设计图一起购买，作者根据地点采取监督和改变显示方法的方法。有时候艺术家和艺术品经销商在安装创作之后出售绘图，原型模型和记录的照片，在安装创作之前作为研究画出来。

装置通常由雕塑家制作，但也可以由画家或其他艺术家制作。可以在墙上，地面和天花板上进行安装。组成部分可以放置在陈列柜或空间布置，使观众可以在设施的部分之间移动。装置的特点是它们所处空间的重要性和（临时的）相互连贯性。它为艺术家提供了结合不同的材料，技术和物理现象，如投影，音频，视频，绘画，雕塑和建筑的机会。

与埃德·基恩霍尔茨（Ed Kienholz）所说的那样，与五六十年代的环境不同的是，装置不那么具有叙述性，它们的多样性来自精神或概念上的冲动。在威尼斯双年展等博物馆展览和卡塞尔文献展上，装置通常都可以看到。

安装可以是：
移动（或可重新安装）;
永久（或固定）;
短暂的（或临时的）。
这个装置最常被比作雕塑，但不能简化。我们正在谈论杂交和突变。
它也允许打破体积的概念：安装可以被理解为尺寸减小到非常大的空间的对象（参见例如Monumenta）。
特殊性：一些设施是为（并取决于）特定展览位置而设计的。
互动：在某些情况下，公众被带来与装置甚至艺术家自己互动。公众与工作之间的距离或多或少地被取消;在某些情况下，有参与，公众进入工作的周界，产生创造者和观察者之间的新型关系。
舞台布景：有些作品邀请一条路，一条路，提出不同的舞台或感官序列。

历史：
安装艺术可以是临时的或永久的。在博物馆，美术馆等展览空间以及公共和私人空间建造装置作品。该类型融合了广泛的日常和天然材料，通常选择它们的“令人回味”的品质，以及视频，声音，表演，沉浸式虚拟现实和互联网等新媒体。许多装置都是特定于场地的，因为它们被设计成仅存在于其所创建的空间中，这对于在三维沉浸式介质中显而易见的质量是有吸引力的。像纽约美国自然历史博物馆展览实验室这样的艺术集体创造了一个环境，以尽可能现实地展示自然世界。同样，迪士尼幻想工程在1955年为迪斯尼乐园设计了多个沉浸式空间时也采用了类似的理念。自从被接受为一门独立的学科以来，已经有许多专注于安装艺术的机构。其中包括床垫工厂，匹兹堡，伦敦安装博物馆，以及密歇根州安娜堡的童话门等。

装置艺术在二十世纪七十年代引人注目，但它的根源可以在早期的艺术家如马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）以及他使用现成品和库尔特·施威特（Kurt Schwitters）的梅尔兹艺术品中找到，而不是更传统的工艺雕塑。艺术家的“意图”在后来的装置艺术中是最重要的，其根源在于20世纪60年代的概念艺术。这又是与传统的雕塑重点放在形式上的背离。早期的非西方装置艺术包括1954年在日本的古台集团举办的活动，这影响了像艾伦·卡普罗（Allan Kaprow）这样的美国安装先锋。 Wolf Vostell于1963年在纽约的斯莫林画廊展出他的装置6电视Dé-coll /年龄。

安装：
安装作为一种特定形式的艺术的命名最近才被使用; “牛津英语词典”第一次使用是在1969年。它是在这种情况下创造的，是指一种自史前时期以来可以被证明存在的艺术形式，但直到二十世纪中叶才被认为是一个独立的类别。艾伦·卡普罗于1958年使用“环境”（Kaprow 6）来形容他的室内空间;后来又加入了“项目艺术”和“临时艺术”等术语。
装置是指“展览”“安装”的含义，即博物馆等墙壁上的工作展览也被称为“装置”，但是墙壁和地板在绘画和雕塑装饰在一边的时候，安装（展览）没有太多的质疑。

罗丹的一些雕塑家开创性地开展工作，认识到如何通过展览方法的独创性向观众展示，但最终它被公认为一种艺术技术，空间本身通过展览方式被制作成一件作品，独立于雕塑和绘画。

实质上，安装/环境艺术考虑到更广泛的感官体验，而不是将焦点悬置在“中性”墙上或在基座上显示孤立物体（字面意思）。这可能会留下空间和时间作为唯一的尺寸常数，意味着“艺术”和“生活”之间的界限将被解体。卡普罗指出：“如果我们绕过”艺术“，把自然本身作为一种模式或出发点，那么我们或许能够从平常生活的感官材料中设计出一种不同的艺术形式。

在创建一个安装，你需要知道什么媒体使用，如视频，雕塑，绘画，日常现成，废物，声音，幻灯片，表演艺术，电脑，画廊如博物馆和画廊没有特别的限制，如空间，住房等的私人空间，广场/建筑物等的公共空间，没有人在自然界中使用什么样的地方等的空间。

总体艺术作品：
1849年理查德·瓦格纳（Richard Wagner）设想了一个Gesamtkunstwerk，或者是一个舞台的歌剧作品，从古希腊戏剧中吸取了灵感，将所有的主要事物艺术形式：绘画，写作，音乐等（大不列颠）。在设计歌剧作品以征服观众的感官时，瓦格纳并没有任何不可察觉的东西：建筑，氛围，甚至观众本身都被考虑和操纵，以达到完全艺术的沉浸状态。在“当代艺术中的主题”一书中，有人提出，“在20世纪80年代和90年代的装置越来越多地以复杂的建筑环境，环境场所和日常物品在普通环境中的广泛使用之间的相互作用为特征。在1965年出现的视频，通过使用新的和不断变化的技术演变而成的并发链，以及简单的视频安装扩展到复杂的交互式，多媒体和虚拟现实环境。

艺术与对象：
在“艺术与对象”中，迈克尔·弗雷德（Michael Fried）嘲讽地讽刺艺术，认为观众是“戏剧”（Fried 45）。安装和戏剧之间有一个很强的平行关系：既可以播放给观众，也可以让观众沉浸在围绕他的感官/叙事体验中，并保持一定程度的观众自我认同。传统的戏剧者不会忘记他从外面进来坐下来创造一个创造的经验，装置艺术的商标一直是好奇和渴望的观众，仍然意识到他正在展览设置和初步探索装置的新颖的宇宙。

体验装置艺术时主观视角的核心重要性在于忽视了传统的柏拉图形象理论。实际上，整个装置采用了仿像或有缺陷的雕像：它忽视了任何理想的形式，有利于优化观察者的直观表现。装置艺术完全在感官知觉的范围内运作，在某种意义上将观众“安装”到一个人造系统中，以吸引他的主观感受作为其最终目标。

交互式安装：
交互式安装是安装艺术的一个子类别。交互式安装经常涉及观众对艺术作品或对用户活动作出响应的作品。艺术家有几种交互式安装方式，其中包括基于网络的安装（例如，Telegarden），基于图库的安装，基于数字的安装，基于电子的安装，基于移动的安装等等。交互式安装主要出现在（Jeffrey Shaw的“Legible City”，Edmond Couchot的La plume，Michel Bret ……），并在20世纪90年代成为一种流派，当时艺术家们特别感兴趣的是利用观众的参与来激活和揭示安装。

沉浸式的虚拟现实：
随着多年来科技的进步，艺术家们越来越能够超越以往艺术家无法探索的界限。所使用的媒体更具实验性和大胆性。他们通常也是跨媒体，可能会涉及传感器，这些传感器在观看设备时会对观众的运动产生反应。以虚拟现实为媒介，身临其境的虚拟现实艺术可能是最具交互性的艺术形式。通过让观众“参观”表演，艺术家创造“生存的情境”vs“观看的景观”。在新的世纪之交，数字，录像，电影，声音和雕塑的互动装置呈现出一种趋势。