欧洲音乐具有历史意义的巴洛克风格是从1600年左右到1750年左右的时期。从早期开始，巴洛克风格的音乐就转向了文艺复兴时期的音乐。 通过在同音（主要声乐）歌曲中同时替换复音（多首旋律），让文本占据主导地位，创作歌剧，演播室，音乐和声音，声乐发展迅速。 在巴洛克式早期，模态音阶主要与与音调音乐交换的教堂音乐相关联。 这在声音和构成更高级作品的能力方面都有很大的不同。
后期酒吧的音乐（1700-1750）
即使从中间过渡到后期酒吧的几代人也不是同样的变化，就像浪漫一样，直到1700年，两个时期之间的区别才有了良好的音乐理由。器乐，在整个十六世纪发展起来的，在世纪之交非常复杂，它对音乐的未来有着重大的影响。 Albinoni和Vivaldi开发了这场音乐会，尤其是独奏音乐会，如此强大，以至于它成为了主流音乐风格。 在世纪之交之前，奏鸣曲被介绍给讲德语的国家。 在此期间，德国声乐教堂音乐开始与歌剧变得越来越相似，因为它早在意大利就已经迁移了很多年。
歌剧走向更严重，往往是悲剧性的主题，跳舞少。 这一行动出现在歌剧中心。 虽然英国的歌剧观众主要是在意大利人写的歌剧中生活，但法国歌剧仍然最关心卢利和他的一些继承人，大部分是那些模仿他的风格的人。 1711年，英格兰在汉德尔创作的第一部英国戏剧歌剧中继续占据主导地位。 法国在十九世纪三十年代接受了拉莫的下一个主要歌剧作曲家。
意大利以音乐会和奏鸣曲开始，法国一直在套房内占主导地位，但在此期间，德国和英国的德国音乐在大多数器乐音乐中占据主导地位。 德国音乐主宰后期酒吧的原因之一是它有着从其邻国获得灵感的悠久传统，并且正在发展一种在意大利，英国，法国和荷兰闻名的风格。 此外，德国音乐也通过创建荷兰和英国主要音乐，佛兰德复调音乐，意大利协奏曲，歌剧和牧歌和法国歌剧，塞姆巴伦音乐，motette和乐团套房的新版本而发展。 尤其影响和后来影响邻国音乐的作曲家是Georg Philipp Telemann，Georg FriedrichHändel和Johann Sebastian Bach。
与此同时，Händel和巴赫完成的音乐也是结束的开始。 随着公共音乐会和资产阶级墨盒的出现，复杂的复音被简单的谐音所取代。 兼顾其他文化和当代音乐风格的最佳选择是Georg Philipp Telemann，他喜欢比Bach更简单的音乐，也是帮助开始向加兰特风格和古典主义过渡的作曲家之一。
仪器
后期酒吧的音乐发展仍在继续，特别是在三吹家庭中。 这段时间看到了两个新的文书。 Chalmeauen被单簧管取代。 单簧管的许多优点是喷嘴的可能性，这有助于声音，精确度和音量控制。 在20世纪20年代，不断变化的tenorobo（后来的“英国号角”）获得了更多的最终形式。 然而，这只是在巴洛克式的末尾，泰诺罗波在管弦乐队举行。 在现有的工具中，也发生了变化。 双簧管获得扩大的声音和登记，这可能导致在此期间更频繁地使用它作为独奏乐器。 这一时期的开始，吞噬者也在扩大其登记册。 十字路口也有从1660年到1720年的重大发展。
关键乐器也有所发展，钢琴的前身是在1700年前后创作的，但这种作品太贵且未完成投入生产。 喇叭是一个没有孔和襟翼的天然喇叭，但是在1700年代早期它被扩大了更多的光束，所以声音变化更大。 这也意味着喇叭更常用于音乐，包括Händel和巴赫。
史赛克家族正处于过渡阶段，游戏开始失去活力。 当gambe和大提琴仍然同时生活时，1710年的大提琴被Stradivarius定义为大小，不久之后，其他乐器设计师也紧随其后。 这导致电池越来越受欢迎。 在世纪之交的乐团中，幸存下来的唯一乐器是低音提琴。 小提琴的部分只有微小的调整，特别是在Guarnieri的小提琴上，这在持续音调上很好。
歌剧
由于Purcell和Lully去世后，英法两国歌剧都停滞不前，意大利歌剧再次占据主导地位。 然而，意大利歌剧不断发展，例如，角色的动作，角色和冲突在更大程度上得到了强调，这使得意大利戏剧有更大的空间。 18世纪歌剧发展的另一个方面是乐器发挥着越来越重要的作用。 虽然他们以前有过在喧嚣与喧闹之间演奏的功能，但他们现在也参与了这两种演奏，通常是对独奏者的演奏。 有时会导致一场竞争，因为它落在了阉割者法里内利和一个小号演奏家之间，这是一场观众投入的比赛。
在德国也有以意大利歌剧为基础的发展。 特别是汉堡和莱比锡的作曲家积极创作歌剧，其中更多的可能是受意大利歌剧的启发，他们早已将自己的感受放在了这个流派上。 有些人，特别是Telemann的人，有着幽默感，其中有些人是用德语唱歌的，受到歌唱游戏的启发。
意大利歌剧
意大利歌剧不仅在意大利，而且在许多其他国家占主导地位。 意大利歌剧尤其是那不勒斯的维也纳和伦敦都受到了强烈的启发。
那不勒斯学派接管后，那不勒斯也在歌剧制作中占据主导地位。 这座城市也有明确的阶级剧。 对于贵族来说，歌剧与庆祝活动有关，如名字日，婚礼或其他情况。 这部歌剧经常被威尼斯人的剧本使用。 过去的剧本往往混合了浪漫，戏剧和喜剧，但到本世纪初，喜剧部分被删除，并被置于更悲剧剧集的行为之间。 那不勒斯歌剧系列由Apostolo Zeno和Pietro Metastasio（参见维也纳）定义，强调戏剧叙事变得更加重要。 在音乐方面，乐器的种类有很大的变化，除了cembalo之外，一般的低音可以由erkelutt，lutt，低音提琴和gambe演奏。 有时候，像喇叭，笛子和喇叭等管乐器，通常每个都有两根，用弦连在一起。 此外，音乐风格也不同于传统的巴洛克音乐，而不是重复小动机，那不勒斯音乐热衷于不重复它们，而是反复强调频闪的动机。 将休息片段用作戏剧效果有助于创作出更轻松，更动人的旋律。 另外，经常有很多演奏声音的部分。
更流行的歌剧已经抓住了漫画歌剧减少到暂停在贵族音乐，并专注于它。 那不勒斯在音乐中有着悠久的传统幽默，并且有几首歌剧都以那不勒斯方言和幽默方式列出。 在那些严肃的歌剧选择了超自然和复杂的世界的地方，漫画歌剧通常被添加到日常主题和历史相关的事件中，并以牺牲严重歌剧为代价开玩笑。 从1710年开始，严肃的作曲家更热衷于提供优秀的漫画歌剧，部分原因是艺术自由。 漫画歌剧是为大多数人制作的，也是为贵族而设的。 除了使用日常主题之外，拉丁喜剧还被以下相关可预测的数字和矛盾所取代：与年轻人到老年人，男性与女性，财富与贫穷以及同性恋到悟性。 受欢迎程度增加，并于1733年，乔瓦尼巴蒂斯塔Pergolesis拉塞尔瓦帕德罗纳达到国际关注。
在那不勒斯之后，维也纳可能是意大利最大的歌剧中心之一。 许多歌剧由教堂主Antonio Caldara和Pietro Metastasio的歌词组成，虽然都与其他人合作。 在维也纳，图书馆工作者Metastasio和他的前任Apostolo Zeno负责改革歌剧，以使故事，情节和人物更加锐利。 因此，戏剧获得了更好的效果，此外，咏叹调变成了情感焦点，而喧闹的人告诉了这个动作。 维也纳歌剧的另一个特点是重点放在器乐上，特别是声音上，这意味着器乐独奏是用翻转，芭蕾和偶尔在咏叹调中写成的。 所有这些在其他地方的歌剧中都很常见，特别是在旋律歌曲中使用对位，符合奥地利皇帝的品味，并且因为他们受到了Händel的强烈启发。
在罗马，由于坐在亭子和奇思妙想中，歌剧传统被歪曲了。 此外，诸如西班牙传统战争等冲突对歌剧设置了限制，使罗马在1698年至1711年之间没有歌剧。反过来，亚历山德罗·斯卡拉蒂，安东尼奥·卡尔达拉和安东尼奥·维瓦尔第的歌剧等等。 也是在这里，Metastasio的图书馆在1724年首次亮相。这是Scarlatti去世前的一年，最初意味着达芬奇与Metastasio合作，直到1730年Vinci去世.Vinci来自那不勒斯，那不勒斯学校也很受欢迎在罗马歌剧 – 当它被允许。 在Venicethere期间，本地创新较少。 首先是成立的歌剧作曲家如弗朗西斯科·加斯帕里尼和卡洛·弗朗切斯科·波拉洛洛，后来还有像莱昂纳多·芬奇这样的新政治作曲家。 这个规则的例外是Antonio Vivaldi，他写了几个歌剧和实验室，可能是该市最受欢迎的歌剧作曲家。
德国歌剧
歌剧已经袭击德国，在巴洛克式的最后部分，更多的歌剧在全国各地的歌剧院进行。 在莱比锡，已经有一个成立的歌剧院，并且有更多的贡献。 德国歌剧经常有漫画动作，所以也在这里。 除了泰勒曼共同编写和发送了20部歌剧外，没有一个作曲家成立了以后人闻名的作曲家。
在汉堡还有一部歌剧，主要由皇帝组成。 皇帝能够写出优美的旋律，理解声音及其能力，这是哈登德的直接灵感。 在他那个时代，皇帝也被认为是本世纪初的主要作曲家。 Händel于1704年来到这个城市，甚至在那里呆了一小会儿，学习了更多关于城市中的歌剧构成的东西。 直到1721年，当Telemann来到这个城镇时，皇帝一直占统治地位。 他的歌剧仍然是漫画和严肃。 泰勒曼的漫画歌剧因此写了多年，然后才通过La Serva Padrona歌剧的高潮。
法国歌剧
法国歌剧无法摆脱卢利的阴影。 第一个主要的候选人 – 帕斯卡尔·科拉塞斯（Pascal Collasse）写了类似于卢利斯的歌剧，并且在写出不完整的，经常被拒绝的作品时获得了最大的成功。 卢利家族起诉了他，他的声誉在本世纪之交已经被削弱。 Henri Desmarets与反向丑闻有关，他写了由合唱团Nicolas Goupillet的明星发布的一系列电机。 然后他和一名年轻女子逃往布鲁塞尔，并被缺席判处死刑。 然后他去了西班牙，但在死刑被解除时返回。 他的歌剧只有轻微的成功。 AndréCardinal Destouches在歌剧方面取得了一些成功，但是在他获得最近名为“音乐皇家学院总检查员”的冠军后，它变得过于温和。
法国歌剧的伟大革命只是在巴洛克式的末端，与Jean-Philippe Rameau一起。 尽管拉莫是一位非常有才华的风琴演奏家，但他在39岁时就被称为音乐理论家。他关于音乐的想法包括声学和和弦，他更喜欢高音和和弦，介绍了基石，并关注不和谐传播音乐和和弦的效果。 Rameau还定义了补品（基调），主导（语气和弦 – 补品五重奏）和次要（语气和弦 – 补品中的五重奏）这两个词。
作为一名作曲家，拉莫在20世纪30年代首次在五十年代发现。 他的第一部歌剧“Hippolyte et Aricie”在他五十岁时录制于1733年。 拉莫在Lully的tragédies之间移动了一个musique歌剧到Opéra芭蕾舞团，例如Les Indes galantes，她的形式更加自由。 然后他转向更传统的歌剧，并与Castor et Pollux取得了特别的成功，后者远离Lully的风格。 拉莫以他的音乐理论为基础的新音乐风格激发了卢利的追随者，以至于它成为巴黎智力与鲁米斯之间的一场战斗。 无论拉莫的音乐困难，怪诞，机械和不自然的斗争和指责，拉莫都变得流行起来，并再次获得法国歌剧。 他也是第一位在歌剧中取得更大成功的法国出生作曲家。
英格兰和汉德尔
由于赛尔塞去世后没有自己的歌剧作曲家，英格兰成为最关心意大利歌剧的人。 歌剧在很大程度上是公开的，并且在1705年已经是意大利歌剧的第一个例子，虽然是英语。 Arsinoe，塞浦路斯女王，是意大利年纪较大的作品的更新。 只是意大利歌剧倾向于借助亚历山德罗·斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti）欣然翻译成英语，并创作了数部不同质量的歌剧。 那时也是为英国观众推出了阉割者。 当观众厌倦了解只有一半的歌剧时，用英语和部分意大利语进行的短暂实验终止了，而且大部分时间都是用意大利语唱的。 特别是，Hydaspes在1710年成为法国人曼奇尼的一个相对大的成功。
1710年也是Händel在哈勒开始他的音乐生涯的时候，但在德语，意大利语和英语城市移居，并从不同的文化中汲取了很多。 他的第一部歌剧“阿尔米拉”，柯尼金·冯·卡斯蒂利亚于1705年来到汉堡时，受到了莱因哈德皇帝的启发，以法国礼仪之后的舞曲旋律，意大利和德国的对立面和编排之后的阿里安人。 他的第六位阿格里皮娜从1709年开始受到亚历山德罗·斯卡拉蒂的启发，并表现出具有优雅旋律与长时间无呼吸中断和旋律节奏变化的能力。 他在伦敦上市的第一部歌剧里纳尔多取得了巨大的成功，他几乎将这十年的每一场戏都列入了名单。
Händel获得永久性职位和资金以寻找像Faustina Bordoni这样有才华的歌手后，他的歌剧变得更加英雄，更具挑战性。 特别是Giulio Cesare在Egitto（1724年），而且Tamerlano（同年）和Rodelinda（1725年）都是新歌剧的好例子。 例如，亨德尔利用转移的重要性，他创造了潜行和狩猎的感觉，以强调托勒密的背叛。 目前，通常有两种主要类型的喧哗：“干”几乎只有一般的低音和会话歌曲，而“陪伴”的嗓音与更多的乐器。 汉德尔利用后者。 咏叹调也是Händel特别的。 他把它们写给了个人歌手，因此一些白羊可以是观赏性的，高的，而其他的则可能很慢并且强调感情。 与此同时，Händel热衷于使用咏叹调的程度比以前传达给该行为的程度更大，因此与那不勒斯学派发生了某些分歧。 对比点和雄伟的音乐可以用简单的田园赞美诗来衡量。 Händel使用了更多的管弦乐队，并且他还更积极地使用管乐器，而不是他更多的当代乐器。
宗教声乐
大约在世纪之交，路德教会的声乐教堂音乐变得越来越像歌剧。 其中部分原因是Erdmann Neumeister，一位诗歌和神学家，他将歌剧和路德教会的音乐结合在一起。 受他的启发，巴赫也开始使用歌剧的技巧，比如说声调和阿里安，还有合唱团，珊瑚音乐和管弦乐伴奏。 从他的任命到托马斯坎托尔，或多或少对所有教堂负有音乐的责任，直到他对教堂音乐失去兴趣，巴赫极大地发展了教堂音乐。 他在两个派别中特别提到了这一点。 巴赫除了每音乐剧的几部咖啡馆戏剧之外没有任何经验，没有任何明显的成功，但特别是约翰内斯堡式的歌剧，包括Pontus Pilate和合唱团之间的戏剧性特征，坚持认为耶稣应该被钉十字架。 此外，巴赫还使用合唱团作为对希腊戏剧表演的评论。 马修路径更完整，和弦在表演中扮演更重要的角色。
巴赫在1730年左右失去了对教堂音乐的兴趣，但在去年他完成了H-Moll的Messe，这是关于教堂音乐发展的文集。 作品已超过20年，并假定过去作品或不完整作品被重复使用（称为模仿作品）。 混合使得公平从旧棒到正在进行的加兰特变化。 巴赫从歌剧中借来的，但他们之间也有很大的差异。 如同马修一样，这些颂歌是反思性的，完整的，因此在没有任何戏剧发生的情况下用声音表演，也可以理解为音乐布道。 这些乐曲也传播到1730年以后，但是急剧下降。
在巴赫周围留下了声乐教堂音乐，Händel真的开始关心他们。 1730年左右他也开始写作实验室。 然而，他改变了传统的意大利实验室，参加了由德国和英国合唱团音乐启发的大型合唱团。 他给了他们不同的角色，从讲故事到评论，也受到希腊戏剧的启发。 此外，德国教皇和英国面具在Händel新的实验室中发挥了作用。 这支持教会是一种共同的经历，而不是个人的经历。 Händel被操作技术高度利用，因此可以从歌剧中借用叙述技巧并跟随它们，而不是通过arie，而是通过合唱团。 尽管如此，在这些实验室里也出现了咏叹调和戏剧性的场面。 此外，Händel还创建了非基督徒的实验室，但属于希腊神话，包括塞默勒和赫拉克勒斯。
协奏曲和套房
这场音乐会在本世纪之前是意大利真正的事情，并持续了一段时间。 Tomaso Albinoni在1700年已经发布了他的第一场音乐会。由于Albinoni是一名调解人，他不受倡导者的支持。 他很快就把他的协奏曲定义为三套，他努力地对准了。 此外，他还尝试了慢速第二种形式。 也是Albinoni将奥博作为独奏乐器介绍给意大利观众。
1702年，阿尔比诺尼发布第一场音乐会两年后，安东尼奥维瓦尔第成为了定义的协奏曲。 他曾是孤儿基督教学校，热门儿童和难以置信的女儿的老师，并且以极大的成功教给他们音乐游戏。 他和女孩的比赛都受到足够的关注，成为威尼斯的一个景点。 在Vivaldi的500首协奏曲中，幸存下来的是350首，约四分之三是独奏乐器，其中230首是小提琴。 小提琴不仅是维瓦尔第的乐器，也是大多数女学生学习的乐器。 另外，他为巴松管，长笛，笛子，编曲，中提琴，大提琴和曼陀林写了37首。
维瓦尔第音乐会的音乐会响起了新的旋律，活泼的节奏，精湛的独奏护理和形式。 此外，维瓦尔第在学校中有天才的音乐家，他有机会尝试音乐会。 仅仅因为他有一个简单的基本配方，他可以灵活运用，他在协奏曲的发展中取得了巨大的成功。 除此之外，维瓦尔第的作品中有几位独奏家与乐团其他乐手相遇，但与科雷利的协奏曲不同，大乐团没有复制小乐队，而是像在独奏音乐会上一样对他们进行演奏。 维瓦尔第也故意使用比萨和斯托尔效果。 Vivaldi以Tomaso Albononi快速推出的形式使用了几乎一致的三流音乐会。 其中最有名的是你四季。 在这里，和其他大多数协奏曲一样，维瓦尔第选择了一种更加同性恋的风格，即带有领先的旋律声音，而其他声音则支持这一点。
他还使用了几乎一致的ritornello，也就是一个refreng，并且还设计了自己的ritornello形式。 精制已经开始，部分是为了确认音色结构，使用哪种音色。 包括整个管弦乐队和独奏乐器的配件。 这通常由重复或变化的小部分组成。 当重复时，通常只是部分。 reengengene是由独奏片段，主要是艺术家和特征。 部分乐曲可以重复使用，但Vivaldi使用更多的音阶，琶音和其他音乐表达。 音调可以通过调制交换。 这创造了ritornello形式，与标准ritornello非常不同。 此外，维瓦尔第在缓慢的部分与最快的部分一样重要，包括通过表现力和可唱的旋律（听力的例子），这是至关重要的。此外，艺术家还希望增加一些额外的饰物。 维瓦尔第赋予独唱者自己的声音和自己的个性的能力对音乐会来说至关重要。
巴赫在协奏曲和钢琴音乐中受到维瓦尔第的启发。 他从使主题和调和计划更清晰，并根据ritornello效应研究正式结构而学会。 在演唱会上，巴赫和其他所有音乐一样，受到其他音乐的影响。 这在布兰登堡音乐会中可见一斑，从协奏曲（1，2，4）到音乐会之旅（3,6）和5，这些音乐会差别很大，让人想起了为cembalo和管弦乐队举办的独奏音乐会。 可能受维瓦尔第的启发，他在协奏曲中有几首独奏乐器。 他还为小提琴写了两首纯粹的独奏协奏曲，一首和四首重要乐器共13首 – 现在大部分是cembalo。 巴赫经常把关节放在协奏曲中。 Händel还撰写了巡回演唱会，但数量远远不够。 除了14场风琴音乐会之外，他还创作了敖包音乐会和十二场音乐会。
自17世纪中期以来，管弦乐队的套装越来越受欢迎。 然而，从1690年到1740年，德国的手提箱与传统的法国手提箱不同，部分原因是因为他们打破了固定订单的想法，因此当它适合作曲家时，舞会就会出现。 Händel的两件最着名的作品 – 水上音乐和皇家烟花音乐 – 都是德国乐队的西装，相隔约30年。 FrançoisCouperin也编写了管弦乐队的套装 – 他称之为royaux royaux，但它看起来更像是一个由相对较小的乐团演奏的可溶性保税舞蹈的集合。 他的西装也深受意大利音乐的启发。
钢琴音乐和奏鸣曲
钢琴音乐，大部分是管风琴或西班牙音乐，主要由套房组成，可以是流行音乐，也可以是流行音乐或超级大提琴。 Toccata或Preludium与后来的战士被几个作曲家使用，但约翰塞巴斯蒂安巴赫占据了这个范畴。 在奏鸣曲中，键盘既可以作为独奏乐器的主角，也可以作为一般的低音乐器收录。 那些遵循Corelli风格，特别是以小提琴奏鸣曲为特征的人，主要是将钢琴音乐当作一般的低音乐器使用，而那些自我分离的人 – 特别是约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach） – 则将键盘置于更为主导的地位。
除了管弦乐队的西装外，还有几位作曲家为更加谦虚的作曲家编写了套曲，然后将其与奏鸣曲放在一起。 其中，尤其是西班牙香料很受欢迎。 弗朗索瓦库珀林写了特别的cembalosuites打算为贵族他是老师。 这些是法国的建筑，因此他们更多地关注传统的歌曲分类。 巴赫的cembalosuiter不仅受意大利的启发，还受到法国和德国音乐的启发。 巴赫选择遵循allemande，courante，sarabande和gigue的传统，并以前奏将意大利乐团安排到cembalo。 反过来，Händel对他的cembalosuites使用了更直接的意大利影响力。
更宽松的钢琴作品通常是典型的preluder或twoccata，其次是关节。 这尤其是巴赫的地区。 巴赫变化的一个例子是Toccata＆Fuge d-Moll BWV 565，这两只猫开始和结束并结束并出现。 汉斯Preludium和弗格在A摩尔BWV 543有各种各样的音乐风格，序列，占主导地位的进步，一个清晰的音调结构和一种形式的ritornello，都让人想起维瓦尔第的协奏曲想法。 这两个例子都是典型的，因为他们是演奏家，而且速度是协奏曲中速度最快的部分 – 即第一或第三个赌注。 巴赫最着名的收藏品之一是Das Wohltemperierte Klavier，这是一系列适合儿童或初学者使用的键盘前调和接头。 其中一个目的是展示与演奏新音符（即大小）和旧模式音阶有关的cembalo范围。 第一卷于1724年出版，20年后出版。
意大利的奏鸣曲一直以科雷利为特征。 第一位突破科雷利风格的作曲家是托马索阿尔比诺尼，他自己有足够的资金可以四处旅行，其中包括那不勒斯，使用半音阶和大跳跃以及非常具有装饰性的风格。 与阿尔比诺尼的巡回演唱比较进步不同，他的巡回演唱会更保守，尽管科雷利遭到了腐败。 维瓦尔第写了73首奏鸣曲，其中近四分之三是独唱，大多数是三曲调，一对是太多声音。 维瓦尔蒂摆脱了科雷利和阿尔比诺尼对小提琴和弦乐的关注，例如，还为长笛和其他管乐器写作。 在阿尔比诺尼比较传统的地方，维瓦尔第在音乐会上和在音乐会上一样进行了试验，包括节奏的驱动和形状的统一，以及他的商标的优美旋律。 维瓦尔第在他的同胞多梅尼科斯卡拉蒂，亚历山德罗的儿子中也有类似的想法。 斯卡拉蒂的大提琴主要是为了塞巴洛，很少如此相似，以至于它看起来完全可能是一个“典型的”斯卡拉蒂索纳特。 他演奏的是音调，节奏的变化，各种琶音，半音缩放，困难的手部动作，同步，不和谐以及丰富多样的音乐。 然而，斯卡拉蒂大部分在马德里，并且在巴洛克式风格结束后大部分被发现。
在讲德语的国家中，首先是Johann Joseph Fux，他在世纪之交介绍了奏鸣曲，然后是维也纳。 作为Stephansdom的礼拜堂大师，Fux活跃于各种流派，包括sonates。 然而，他的颂歌比典型的意大利颂歌更具复调性，但作为回报，这种富有形式的代表性很好。 还有其他几位德国作曲家采用了这种形式。 然而，Sonatians并没有代表Händel或Bach的大量作品。 从科雷利的时代到巴赫和汉德尔开始写奏奏鸣曲，钢琴奏鸣曲除了独奏和三奏曲之外还以第三种形式出现。 这也表明小提琴在奏鸣曲中不再具有相同的优势。
就像阿尔比诺尼一样，巴赫的颂歌主要是教会的儿子，而且和阿尔比诺尼一样，在这些数字中，巴赫在音乐发展上相对保守。 他安排了什么，只有三个长笛儿子和三个gambesonates除了声纳钢琴或小提琴，后者非常高的难度。 然而，事件的呐喊声非常多变和创造性，以至于他们经常远离传统的颂歌发展，包括试验顺序和内容。 Georg Philipp Telemann还撰写了许多奏鸣曲和一些乐器。 他的作品与巴赫和科雷利的距离更近，因为他基本上遵循了无须重新命名这一事件的声纳规则，但是，在奏鸣曲中尤其明显的是，泰勒曼在创作吸引人的旋律和表演优秀的原创作品方面的技巧。
过渡到加兰特风格
巴洛克风格并没有突然被新风格所取代，因为它本身已经比较快地取代了文艺复兴时期的音乐。 人们可以将18世纪看作是关于音乐风格和音乐风格的长期辩论。
为什么加兰特风格和后来的古典主义接管巴洛克风格主要有两个原因。 首先，观众和场所都改变了。 早在1720年代，公共音乐会场地就越来越多地建在伦敦和巴黎，并在1700年代遍布欧洲。 因此，音乐越来越容易被资产阶级所接受。 这已经发生在歌剧院，并且在1700年代初期已经有了很大的发展。 尤其是，在歌剧系列中撕裂双腿的是漫画式的，并且经常是讽刺性的歌剧。 在亨德森和伦敦的情况下，尤其是啤酒歌剧是对精制歌剧的攻击，并帮助汉德尔进入了实验室。
不幸的是，他和巴赫写了大量的教堂音乐，18世纪中期新兴的中产阶级占据了主导地位。 他们的视觉以启蒙为特征，挑战了教会的政治和文化权力地位。 这有助于在更大程度上“弥补音乐”。 在这种情况下，教堂音乐变得保守和落后。 与此同时，由于人类智力可以掌握所有挑战，所以乐观情绪很高。
另一个问题是，一些已故的作曲家在18世纪中期死亡。 库尔皮因于1733年去世，1736年佩尔戈莱西，1741年维瓦尔第和福克斯，1750年巴赫，1751年阿尔比诺尼，1757年多梅尼科斯卡拉蒂和1759年赫尔德尔。其中Scarlatti，Couperin和Pergolesi已经将音乐严格按照巴洛克风格转移。 虽然巴赫在他生命的尽头仍然是一个边缘人物，但特曼更好地管理了这一转变。 他相对较早地离开了对位和复调风格，并且变得越来越谐谐和加兰。 古典主义通常被认为是与更重和更复杂的巴洛克音乐的对应，简化了音乐表达的接管。新作曲家清楚地将巴洛克式的复调风格与对位和加兰特更可唱的谐音风格区分开来。一般的低音被其他解决方案取代，如alberti低音。
即使是加兰特风格比即将到来的作曲家更受欢迎，写作的艺术远没有被遗忘，这在海顿，莫扎特和贝多芬的后期作品中都变得清晰起来。