在音乐方面，现代主义是一种哲学和审美的立场，是在20世纪之交发生的音乐语言变革和发展时期，在挑战和重新诠释旧类音乐的过程中产生了各种各样的反应，创新导致了新的方式组织和接近音乐的和声，旋律，声音和节奏方面，以及审美世界观的变化与当代艺术中现代主义的更大可识别时期密切相关。 与其最相关的操作词是“创新”。 它的主要特征是“语言多元化”，也就是说没有任何一种音乐类型占据主导地位。
现代主义音乐指的是欧洲传统（或古典音乐）的音乐，大约在1910年至1975年之间绘制。它之前是浪漫主义和后浪漫主义的音乐，并由当代古典音乐所取代。 现代主义结束和当代音乐开始的确切时刻仍然是专家们争论的问题。 有时，现代主义音乐等同于二十世纪的音乐，尽管后者涵盖了时间顺序而不是审美时期。 现代主义音乐以现代主义的哲学和美学价值为基础，其主要原则是打破传统和永久创新。 因此，它与先锋派紧密相连。 与之前的时期不同，几乎所有这一时期的作曲家都同时或分阶段参加了几种不同的音乐运动。
例如，阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）在色调后音调和十二音调作品中拒绝色调，以及伊戈尔斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）远离韵律节奏。
定义
音乐学家Carl Dahlhaus将现代主义描述为：
历史不连续的明显点……马勒，施特劳斯和德彪西的“突破”意味着深刻的历史转型……如果我们要寻找一个名字来传达19世纪90年代的分离情绪（一种情感象征的音乐施特劳斯的唐璜的开场酒吧）但是没有对这个时代强加一种虚构的风格统一，我们可以做得更糟，而不是回归到赫尔曼·巴尔的术语“现代主义”，并谈到一种风格开放的“现代主义音乐”延伸（有一些纬度） ）从1890年到1910年我们自己的二十世纪现代音乐的开始。
Eero Tarasti直接将音乐现代主义定义为“传统音调的消解和音调语言基础的转换，寻找无调性的新模式，多元主义或其他形式的改变音调”，这种情况发生在转折点附近。世纪。
丹尼尔·奥尔布赖特（Daniel Albright）提出将音乐现代主义定义为“对美学建构极限的检验”，并提出以下现代主义技巧或风格：
表现主义
新客观性
写实主义
抽象派
新古典主义
Neobarbarism
未来主义
神话方法
原则
现代主义的名称是基于这样一个概念的一系列运动，即20世纪是一个基本的社会和技术变革时期，艺术应该采用和发展这些原则作为美学基础。 现代主义采取了十九世纪晚期的进步精神及其对技术进步严谨性的依附，因此它将时间和传统艺术的规范和形式化。 这样，现代主义的主要特征是多种语言，理解没有特定的音乐语言占据主导地位。
从技术上讲，音乐现代主义有三个主要特征，可以区别于以前的时期：
扩张或放弃音调。
使用扩展技术。
在组合物中加入声音和新颖的声音。
主要技术，风格和动作
未来主义
未来主义是二十世纪欧洲早期的前卫运动之一。 意大利诗人菲利波·托马索·马里内蒂（Filippo Tommaso Marinetti）在意大利创立了这一艺术运动，他撰写了未来主义宣言，并于1909年2月20日在巴黎的Le Figaro报上发表。
这一运动试图打破过去的艺术传统和艺术史的传统标志。 他试图通过两个主题：机器和运动来赞美当代生活。 未来主义采取任何表达方式; 造型艺术，建筑，诗歌，广告，时尚，电影和音乐; 为了再次建立世界的形象。
音乐领域的第一部未来主义作品始于1910年，也就是未来主义音乐家宣言签署的同一年。 主要的未来主义作曲家是意大利人Francesco Balilla Pratella和Luigi Russolo。 由于先前由Pratella进行的研究，Russolo在这个宣言中构想了1913年的噪音艺术。 “噪音音乐”后来被纳入演出，作为背景音乐或作为表演者运动的一种得分或指导，还发明了一种叫做Intonarumorior“噪音碳粉”的噪音机，这在他那个时代受到了严厉的批评。 他最重要的作品中有一部分是LosLedámpagosde1910。
Russolo是具体音乐的先行者，是一种使用任何声音的铿锵语言，无论是通过自然还是通过技术（喉音技术，文字或语言不清晰）产生的。
色调和无调性的危机
没有音调中心的欧洲音乐的第一个前因是弗兰兹·李斯特（Franz Liszt），其巴加泰拉（Bagatella）没有1885年的音调，这段时期已经谈到了“音调危机”。 这种危机源于越来越频繁地使用模糊的和弦，较少可能的谐波变化，以及音调音乐中最不寻常的旋律和节奏变化。 异常和正常之间的区别变得越来越模糊，结果伴随着松散的语法联系，音调和和声通过它们彼此相关。 Harmonilyhey之间的联系是不确定的，关系及其后果变得如此脆弱，以至于它们根本不起作用。 至多，音调系统的概率变得太暗; 在最糟糕的情况下，他们正在接近统一性，提供很少的构图或听力准则。 在二十世纪初期，克劳德·德彪西，亚历山大·斯克里亚宾，贝拉·巴托克，保罗·欣德米斯，谢尔盖·普罗科菲耶夫，卡尔·鲁格勒斯，伊戈尔·斯特拉文斯基和埃德加·瓦雷斯等作曲家创作的音乐已被全部或部分描述为无调性的。 亚历山大·斯克里亚宾（Aleksandr Skriabin）他创造了一种特殊的印象主义和无神论风格，以Mysterium，Poemadeléxtasis或Prometheus等作品为基础：被称为“神秘的和弦”的四分之一和三音的和弦中的火诗，远离通常由间隔形成的三和弦第三。
无主神论的第一阶段（十二生肖的祖先），被称为“自由不规则”或“自由色彩”，意味着有意识地试图避免传统的全音阶和声。 这一时期最重要的作品是阿尔班·伯格的歌剧“沃兹泽克”（1917-1922）和阿诺德·舍恩伯格的皮埃罗·卢纳尔（1912年）。 勋伯格（1908年至1923年）的第一段自由无调式作品，通常作为一个区间单元的积分元素，除了扩展之外，还可以转换成一排音调，其中个别音符可以“作为基本元素起作用，允许基本单元的状态叠加或两个或多个基本单元的互连“。 美国的其他作曲家，如查尔斯·艾夫斯，亨利·考威尔和后来的乔治·安希尔，为当时的观众制作了令人震惊的音乐，因为他们不屑于音乐惯例。 他们经常将流行音乐与凝聚或多面性，极端不和谐以及显然无法执行的节奏复杂性结合起来。 Charles Seeger阐述了不和谐对立的概念，这是Carl Ruggles，Ruth Crawford-Seeger和其他人使用的技术。
原始主义
原始主义是一种艺术运动，旨在用现代或现代主义语言拯救某些地区最古老的民间传说。 类似于民族主义，它渴望拯救当地，原始主义也包含不规则的指标和口音，更多地使用打击乐和其他音色，模态音阶，以及多元音和无调和声。 在音乐中，这个运动的两个巨人是俄罗斯人伊戈尔斯特拉文斯基和匈牙利人贝拉巴托克，尽管两者的作品远远超过了名称“原始主义者”。
斯特拉文斯基的主要风格时期（不包括一些早期的小作品）的第一部由他为迪亚吉列夫创作的三部芭蕾舞剧揭幕。 这些芭蕾舞剧有几个共同的特点：它们是由极大的管弦乐队演奏的; 主题和情节图案以俄罗斯民俗为基础; 他们在开发和仪器仪表方面都带有Rimski-Kórsakov品牌。 第一部芭蕾舞剧“火鸟”（The Firebird，1910年）因其不寻常的介绍（低弦乐三重奏）和编曲的扫描而引人注目。 Petrushka（1911）也得分明显，是斯特拉文斯基使用俄罗斯民间神话的第一部芭蕾舞剧。 但它出现在第三部芭蕾舞剧“春天的奉献”（1913）中，这通常被认为是斯特拉文斯基的“原始俄罗斯时期”的典范。 在这里，作曲家利用异教俄罗斯的残暴，在整个作品中出现的激进解释，多元和声和突然节奏中反映出这些感受。 这项工作有几个着名的段落，但有两个是特别值得注意的：第一个基于巴松管的主题是在注册极限时发出的音符，几乎超出范围; 和节奏不规则的攻击（使用俄罗斯斯特拉文斯基时期的典型资源，采用短节奏单元并移动其重音）两个重叠的和弦仅使用拱形的脚跟进行弦乐，并使得初始的永久变化的重组变得更加明显主题，用和弦加倍每次强调的和弦。 奉献通常被认为不仅是原始主义或斯特拉文斯基最重要的作品，而且也是整个二十世纪的最重要的作品，无论是对传统的打破，还是对全世界的影响。
这种风格的其他杰出作品包括：夜莺（1914年），雷纳德（1916年），士兵史（1918年）和婚礼（1923年），以四种钢琴和打击乐器的原创组合为主，并有声乐参与。 在这些作品中，音乐家将俄罗斯民族主义学派的继承限制在极限之前，直到几乎耗尽了它。
Bartók是一位匈牙利音乐家，他是东欧（尤其是巴尔干半岛）的作曲家，钢琴家和民间音乐研究员。 Bartók是民族音乐学的创始人之一，基于将民族学和音乐学结合在一起的关系。 从他的研究中，他发展出一种非常个人化和创新的风格
Microtonalism
微音乐是一种使用微音的音乐（音程小于半音）。 美国音乐家查尔斯·艾夫斯以幽默的方式将微调定义为“钢琴键之间的音符”。 墨西哥JuliánCarrillo（1875-1965）在1895年尝试了小提琴，在第四小提琴弦发出的G和A释放之间区分了十六种截然不同的声音。 他把这些微观区别称为Sonido 13，并且他写了关于音乐理论和音乐物理学的文章。 他发明了一个简单的数字符号来表示基于八度音程的任何划分的音阶，例如三分音符，四分音符，四分音符，五分音符，六分音符，七分音符等等（他甚至写了大部分时间，用于四分之一，八分之一和十六分之一，符号旨在表示任何可以想象的细分）。 他发明了新的乐器，其他人则根据它们来制作微型乐器。 他创作了大量的微音乐，并录制了30首他的作品。 在20世纪10年代和20世纪20年代，八度音调和八度音阶的其他细分受到其他作曲家的关注，如查尔斯艾夫斯，Alois Haba（1/4和1/6音），Ivan Wyschnegradsky（1 / 4,1 / 6， 1/12和不可重复的音阶），Ferruccio Busoni（他在改编三音调钢琴方面做了一些不成功的实验），Mildred Couper和Harry Partch。 Erwin Schulhoff在布拉格音乐学院为他们提供了四分音的作曲课程。 20世纪40年代和50年代着名的微型作曲家或研究人员包括Adriaan Fokker（每个八度音阶等音31次）和Groven Eivind。 微型音乐从来没有得到太多的接受，并且在未来几乎完全被Vanguardia的音乐家所考虑。
第二维也纳学校，dodecafonismo和序列主义
阿诺德·勋伯格是二十世纪音乐界最重要的人物之一。 他的早期作品属于已故的浪漫主义风格，受理查德瓦格纳和古斯塔夫马勒的影响，但最终他放弃了音调作曲系统来写无调的音乐。 随着时间的推移，他开发了十二生肖技术，于1923年提出取代传统的音调组织。
他的学生Anton Webern和Alban Berg也开发并深化了十二音系统的使用，并在他们自己的规则下脱颖而出使用这种技术。 这三个人熟悉的是La Trinidad Schoenberg，或者第二维也纳学校。 这个名字的创建是为了强调这部新音乐与海顿，莫扎特和贝多芬的第一维也纳学派具有相同的创新效果。
Dodecafonismo是一种无调性音乐形式，具有一种组合技巧，其中半音音阶的12个音符被视为等效，即遵循有序关系（不同于音调的主要 – 次要系统）不建立笔记之间的层次结构。 十二音音乐的创始人Schönberg所做的是禁止法规使用一个音符而不是另一个音符：十二音调的旋律必须在半音阶上带有12个音符。 它遵循的原则是所有十二个半音或音符都同等重要。 内部关系是通过使用由十二个音符组成的系列来建立的。 作曲家决定他们出现的顺序，条件是他们不会重复，直到结束。
连续主义代表了一个前进的十二生肖主义，并且是由Schoenberg，Webern的一个学生创建的：一个命令不仅建立在不同高度的继承，而且建立不同持续时间的继承（“数字”，如季度注意，八分音符等）和动态的连续性（声音强度水平），以及清晰度。 所有这些系列都在作品中重复出现。 该技术被称为整体序列主义，以区别于有限的十二生素序列。 具有讽刺意味的是，经过多年的不受欢迎之后，Webern的点彩派风格 – 其中个别声音被精心安排在作品中以使每一个都重要 – 在20世纪50年代和60年代成为欧洲的常态，并且在Olivier Messiaen等战后作曲家中非常有影响力， Pierre Boulez，Luciano Berio，Luigi Nono，Karlheinz Stockhausen和Igor Stravinsky。
新古典主义
音乐中的新古典主义指的是二十世纪的运动，它在和声，旋律，形式，音色和节奏方面采用了传统的共同实践，但却伴随着极大的无调性差异和切分节奏，作为构成的起点。音乐。 Igor Stravinsky，Paul Hindemith，SergéiProkofiev，Dmitri Shostakovich和BélaBartók是这种风格中最重要的作曲家，也是多产的Darius Milhaud和他的同时代人Francis Poulenc和Arthur Honegger（The Six）。
新古典主义与第一次世界大战的回应同时出现在艺术的一般回归理性模型的同时。 较小，较少，更有序的是为了应对许多人认为将人们推入战壕的情绪饱和而构思出来的倾向。 考虑到经济问题有利于较小的群体，因此寻求“少花钱多办事”的做法因此成为一种强制性做法。 斯特拉文斯基士兵的历史因此成为新古典主义作品的种子，因为它也发生在音乐会“敦巴顿的橡树”，他的管乐器或交响乐团的交响曲中。斯特拉文斯基的新古典主义高潮是他的歌剧“进步的”。 Libertine（“Rake’s Progress”），由着名的现代派诗人WH Auden创作的剧本。
新古典主义在美国找到了感兴趣的观众; Nadia Boulanger的学校根据对斯特拉文斯基音乐的理解，发布了音乐创意。 他的学生中有新古典主义音乐家，如Elliott Carter（早期），Aaron Copland，Roy Harris，Darius Milhaud，Astor Piazzolla和Virgil Thomson。
新古典主义最明显的特征是使用第三个作为固定间隔的旋律，并且在ostinato，谐波块和多节奏的自由混合中色调添加不和谐音符。 新古典主义很快得到了观众的高度认可，并被那些反对无调性的人内化为真正的现代音乐。
电子和混凝土音乐
20世纪的技术进步使作曲家能够使用电子媒体制作声音。 在法国，开发出了产生现有声音的具体学校音乐。 它被称为混凝土，因为根据其发明者皮埃尔谢弗（Pierre Schaeffer）的说法，他说它是由具体的物体产生的，而不是传统乐器的抽象产物。 第一个拥有这些手段的是Edgar Varese，他于1958年在布鲁塞尔展览馆的飞利浦展馆中展示了Poèmeélectronique。1951年，Schaeffer与Pierre Henry一起在巴黎创建了混凝土音乐研究小组。 不久它引起了极大的兴趣，在那些来自不同的重要作曲家中，如Olivier Messiaen，Pierre Boulez，Jean Barraque，Karlheinz Stockhausen，Edgar Varese，Iannis Xenakis，Michel Philippot和Arthur Honegger。
随机音乐和激进的前卫
虽然现代主义本身就是前卫音乐，但其中的前卫艺术指的是最激进和最有争议的运动，音乐的概念达到极限 – 如果它不再超过它们 – 使用噪音，录音，感觉等元素幽默，机会，即兴，戏剧，荒谬，嘲笑或惊喜。 通常位于这种激进潮流中的类型是随机音乐，现场电子音乐，音乐剧，仪式音乐，过程组合，音乐发生或直观音乐等等。 冒险进入这些冒险的最具超凡性的作曲家包括美国的John Cage和欧洲的Karlheinz Stockhausen。
随机音乐或激进的前卫音乐是一种音乐创作技术，它基于使用不受既定指南规范的元素，并且在其中获得优势作用，它是基于非结构化序列的即兴创作。 这种即兴特征可以在作者的创作或解释本身的发展中得到修复。 因此，经常出现随机碎片的组成，其中表演者通过重新排列工作的每个部分，或者甚至通过同时解释它们中的几个来确定工作的最终结构。
在当代音乐中提出随机创作的最杰出的形式是移动形式，它强加了具有可比等级的多种解释性解决方案; 变形形式，即兴创作占主导地位; 以及正在进行的所谓工作，这构成了作品执行的最大机会。 在所有这些中，经典乐器通常被合并，特别注意钢琴和电子执行手段，如合成器，扭曲器和录音带。
微音和声音质量
用David Cope的话说，micropolifonía是关于“不同线条，节奏和音色的同时性”。 这项技术是由GyörgyLigeti开发的，他用这种方式解释道：“个别声音的复杂复调是以和声音乐的方式构成的，其中和声不会突然改变，但它们会变成其他声音;一种可辨别的插曲组合逐渐变得模糊，从这种阴霾中可以感觉到一种新的区间组合正在形成»。微胶囊类似于簇，但它在使用比静态更动态的线条方面与它们不同»。在Ligeti作品中的第一个例子是在其管弦乐作品幻影的第二乐章中发生的。他们也是将这种技术应用于管弦乐队Atmosphères的下一部作品和他的安魂曲的第一部动作的先驱，女高音，女中音女高音，混合合唱团和交响乐团。这最后的作品深受欢迎，因为它是Stanley Kubrick 2001电影原声带的一部分：Spac 奥德赛
micropolifonía的技术更容易应用于更大的分组或复音乐器，如钢琴。 虽然100首节拍器的PoèmeSymphonique创造了“无与伦比的复杂性的微复音”。 Ligeti的许多钢琴作品都是micropolifonía应用于节奏方案的例子，这些节奏方案来自Steve Reich的复杂“极简主义”和侏儒的音乐。
与micropolifonía本质上相关的是声音或声音质量的质量，这是一种音乐纹理，其构成与其他更传统的纹理相比，“最大限度地降低了个别音乐高度的重要性，更喜欢纹理，音色和动态作为姿势的主要训练者和影响»。
这种技术是从音乐现代主义所使用的集群开始开发的，后来扩展到20世纪50年代末和60年代末的管弦乐写作。 声音质量“模糊了声音和噪音之间的界限”。 纹理可以以这样的方式排列：“它非常接近单个对象的合并音色集的状态，例如美妙的和弦北极光，在非常有趣的高度分布中，产生融合的声音，靠在一个悬挂的卷碟上。“
极简主义
六十年代的几位作曲家开始探索我们现在称之为极简主义的东西。 极简主义的更具体的定义是指掌握音乐中的过程，其中片段彼此叠加，经常重复，以产生整个声音帧。 早期的例子包括En do（Terry Riley）和Tamborileando（Steve Reich）。 这些作品中的第一部让莱利认为是极简主义的父亲; 是一个由压缩的旋律细胞组成的片段，一组中的每个表演者都按照自己的节奏演奏。 极简主义的作曲家浪潮 – 特里莱利，菲利普格拉斯，史蒂夫赖希，拉蒙特杨，约翰亚当斯和迈克尔尼曼，为最重要的人提供名字 – 希望普通听众可以听到音乐，表达戏剧性和音乐性的具体和具体问题形式，而不是隐藏在技术之下，而是使它们显而易见，回归音调音乐的主要和次要三重奏，但不使用传统的谐波功能。
极简主义和以前的音乐之间的一个关键区别是，对于口译员的喜好，“异相”使用不同的单元格; 将此与理查德瓦格纳的Das Rheingold的提议相比较，尽管使用了三元组的细胞，但每个部分都由相同的脉冲控制并以相同的速度移动。
极简主义音乐对传统听众来说是有争议的。 它的批评者认为它过于重复和空洞，而其支持者则认为固定元素通常是永久性的，会对微小变化产生更大的兴趣。 无论如何，极简主义激发并影响了许多通常没有被标记为极简主义的作曲家（如Karlheinz Stockhausen和GyörgyLigeti）。 像ArvoPärt，John Tavener和HenrykGórecki这样的作曲家，他们的第三交响曲是九十年代最畅销的经典专辑，他们在具有深刻宗教意义的作品中所谓的“快乐极简主义”取得了巨大的成功。
爵士乐的影响
从本世纪初开始，非洲裔美国人的音乐和爵士乐极大地影响了美国国内外的作曲家。 在美国国家，查尔斯艾夫斯，尤其是乔治格什温。 然而，更多与爵士乐有关的非裔美国作曲家也冒险进入两部音乐之间界限不明的作品。 Will Marion Cook，Scott Joplin和Duke Ellington等作曲家对美国学到的音乐产生了无可争议的影响。 从本世纪初开始，将爵士乐与经典风格的元素结合起来的一些最重要的作品是乔治格什温的蓝色狂想曲，克劳德德彪西的儿童角，莫里斯拉威尔的钢琴协奏曲，拉格泰姆斯特拉文斯基的乐器，或保罗欣德米特的1922年钢琴套房等等。
二十世纪下半叶出现了名为“第三流”的第三流运动，应用于50年代和60年代制作音乐的风格，旨在提供融合爵士乐和古典音乐技术的发展方式。 “第三流”一词是由作曲家和角色的独奏家Gunther Schuller在50年代后期创造出来的，用来描述他们正在开发的一些艺术家试图建立欧洲学科和音乐形式之间的桥梁以及爵士乐的精神和技巧。 为此，舒勒在新英格兰音乐学院成立了“第三流部”。 从广义上讲，第三部电流是消除不同音乐之间音乐障碍的一般过程的一部分。 6风格的起源通常固定在由Cool and West Coast爵士乐的假设产生的演变中，这使得许多其他音乐家置于两者之间的边界。 长号手和大提琴家大卫·贝克，钢琴家兰布莱克，或者萨克斯管和编曲家鲍勃·格雷廷格，都是最积极寻找真正第三流的音乐家，尽管在这种风格的环境中已经吸引了大量的音乐家历史上的重量爵士：现代爵士乐四重奏，吉尔埃文斯，唐埃利斯，比尔拉索，乔治罗素，无需进行更明显的合并，如雅克洛西尔对巴赫音乐的安排。
电影音乐
自从20世纪30年代初音乐电影的到来以来，音乐在工业和电影艺术中发挥了至关重要的作用。 这十年中许多伟大的作曲家，如俄罗斯人普罗科菲耶夫和肖斯塔科维奇，也冒险进入这一领域。 然而，某些专门致力于通过电影工作的作曲家引起了人们的注意。 虽然20世纪40年代的故事片的音乐化落后于音乐会音乐领域的技术创新几十年，但20世纪50年代，现代主义电影的音乐兴起。 导演Elia Kazan对爵士影响和不和谐作品的观点持开放态度，并与Alex North合作，他的得分为“欲望号街车”（1951）将蓝调与爵士乐的元素结合在一起。 喀山也接触了伦纳德伯恩斯坦的音乐On the Waterfront（1954），其结果让人回想起Aaron Copland和Igor Stravinsky的早期作品，他们的“基于和声和令人兴奋的加性节奏的爵士乐”。 一年后，受阿诺德·勋伯格启发的伦纳德·罗森曼在他对伊甸园东部（1955年）和“无因的反叛”（1955年）的收视率中尝试了无调性。 在与Alfred Hitchcock合作的十年间，Bernard Herrmannhe在Vertigo（1958），Psychosis（1960）和Lospájaros（1963）中尝试了一些想法。 使用非叙事性的爵士音乐是另一项现代创新，例如爵士乐明星杜灵艾灵顿的音乐化与奥托普雷明格谋杀案解剖（1959年）的作品。
流行音乐
文化研究教授安德鲁古德温写道，“鉴于这些术语的混淆，后现代文本的识别范围跨越了一个非常分散的，不连贯的大量文本实例……其次，流行音乐中有关于模仿和真实性的辩论。” “现代主义”意味着在这两个领域中的每个领域都有不同的东西……这种混淆在早期形成的尝试中很明显，这种尝试是用后现代术语来理解摇滚音乐的。 古德温认为，流行音乐中的现代主义实例一般都没有被引用，因为“它破坏了文化融合的后现代主题，在其明确的努力中保留了资产阶级艺术观念，反对主流，’商业’摇滚和流行音乐”。
流行音乐的现代主义早在20世纪50年代末就被命名，当时新兴的洛杉矶摇滚电台KRLA开始配音他们的空间“现代广播/洛杉矶”。 作家Domenic Priore认为：“现代主义的概念与大洛杉矶地区的建筑密切相关，当时这个城市刚刚开始成为一个国际文化中心”。 不久之后的一些例子包括由Ike＆Tina Turner（1966）精心安排的“River Deep – Mountain High”和Beach Boys（1966）的“Good Vibrations”。 对于后者的录音，渴望“品味现代，前卫的R＆B”，小组成员和歌曲合作者布莱恩威尔逊认为音乐是“先进的节奏和布鲁斯”，但受到了他的乐队成员的批评，他们嘲笑这首歌是“太现代了“在制作过程中。
艺术摇滚和前卫摇滚艺术家如天鹅绒地下，亨利牛，软机，哈特菲尔德和北方后来表现出现代主义的愿望，尽管古德温认为进步摇滚应该被视为后现代主义的“诅咒”。