视觉艺术（Visual Arts）是艺术形式，如陶瓷，绘画，绘画，雕塑，版画，设计，工艺品，摄影，视频，电影制作和建筑。许多艺术学科（表演艺术，概念艺术，纺织艺术）涉及视觉艺术以及其他类型艺术的方面。视觉艺术中还包括工业设计，平面设计，时尚设计，室内设计和装饰艺术等应用艺术。

术语“视觉艺术”目前的用法包括美术以及应用的装饰艺术和手工艺品，但情况并非如此。在二十世纪之交的英国和其他地方的工艺美术运动之前，“艺术家”一词常被限制在一个从事美术工作的人（如绘画，雕塑或版画），而不是工艺品，手工艺，或应用的艺术媒体。艺术与艺术运动的艺术家强调了这一区别，他们重视白话艺术形式的高度表现。艺术学校区别了艺术和手工艺品，认为一个技工不能被认为是艺术从业者。

“视觉艺术作品”是一幅画，绘画，印刷品或雕塑，以单一副本的形式存在，视觉艺术作品不包括任何海报，地图，地球，图表，技术图，图表，模型，应用艺术，电影或其他视听作品，书籍，杂志，报纸，期刊，数据库，电子信息服务，电子出版或类似出版物;不包括任何商品或广告，促销，描述性，覆盖或包装材料或容器;

视觉艺术倾向于绘画的形式越来越多，其他艺术的雕塑也越来越少，一直是西方艺术和东亚艺术的特征。在这两个地区，绘画被认为依靠艺术家的想象力最高，最远离体力劳动 – 中国画最具价值的风格是“学者画”，至少在理论上实践由绅士业余爱好者西方的流派层次反映了类似的趋向。

教育和培训：
视觉艺术的培训一般是通过学徒和车间系统的变化。在欧洲，文艺复兴运动增加了艺术家的声望，导致了艺术家培养的学院系统，而今天，在大专院校艺术培训艺术培训班的大多数人都是这样。视觉艺术现在已成为大多数教育制度的选修科目。 （参见艺术教育）

画画：
绘图是使用各种各样的工具和技术制作图像的手段。它通常包括通过施加工具的压力或使用诸如石墨笔，笔墨，墨水刷，蜡色铅笔，蜡笔，木炭，蜡笔和标记等干介质将工具移动到表面上来在表面上进行标记。还使用了模拟这些效果的数字工具。绘图中使用的主要技术有：线画，孵化，交叉阴影，随机阴影，涂鸦，点画和混合。擅长绘画的艺术家被称为绘图员或绘图员。

绘画至少可以追溯到16,000年前的旧石器时代的洞穴，如法国的Lascaux和西班牙的Altamira等动物。在古埃及，纸莎草的墨迹，经常描绘人物，被用作绘画或雕塑的模型。希腊花瓶上的绘画，最初是几何的，后来在公元前7世纪发展成为黑色人造陶瓷。

随着15世纪欧洲的纸张变得越来越普遍，拉夫·波提切利（Sandro Botticelli），拉斐尔（Raphael），米开朗基罗（Michelangelo），达芬奇（Leonardo da Vinci）等大师采用了绘画作品，而不是画作或雕塑的准备阶段。

绘画：
在字面上绘画是将悬浮在载体（或介质）中的颜料和粘合剂（胶水）施加到表面（支撑体）如纸，帆布或墙壁上的做法。然而，当以艺术意义使用时，它意味着结合绘画，作品或其他美学考虑使用这种活动，以便表现出从业者的表达和概念意图。绘画也用于表达精神主题和想法;这种绘画的地点范围从艺术家描绘陶艺上的神话人物到西斯廷教堂到人体本身。

起源与早期历史：
绘画像绘画一样，在洞穴和岩石面上都有它的记录。有些人认为32,000岁的最好的例子是在法国南部的Chauvet和Lascaux洞穴。在红色，棕色，黄色和黑色的阴影下，墙壁和天花板上的画画都是野牛，牛，马和鹿。

人类的绘画可以在古埃及的坟墓中找到。在拉美西斯二世的伟大的寺庙，他的女王奈费尔塔里被描绘为由伊西斯领导。希腊人对绘画做出了贡献，但他们的大部分工作已经失去了。剩下的最好的表现之一是真正的Fayum妈咪肖像。另一个例子是庞贝战役的马赛克，这可能是基于希腊画。希腊和罗马艺术在公元前4世纪对拜占庭艺术作出了贡献，从而开创了图标绘画的传统。

复兴：
除了中世纪和尚生产的照明手稿外，欧洲艺术的下一个重要贡献来自意大利文艺复兴时期的画家。从13世纪的乔托到十六世纪初的达芬奇和拉斐尔，这是意大利艺术最富有的时期，因为使用了明暗技术来创造三维空间的幻觉。

北欧的画家也受意大利学校的影响。来自比利时的扬·范·艾克（Jan van Eyck），荷兰长老彼得·布鲁格尔（Pieter Bruegel）和德国年轻人汉斯·霍尔拜因（Hans Holbein）是当时最成功的画家之一。他们用油的玻璃技术来实现深度和亮度。

荷兰大师：
17世纪见证了荷兰伟大的大师们的出现，例如多才多艺的伦勃朗，他特别为他的肖像和圣经场景而留下记忆，以及专门从事荷兰人生活的室内场景的维米尔（Vermeer）。

巴洛克：
巴洛克式从文艺复兴开始，从16世纪末到17世纪末。巴洛克风格的主要艺术家包括卡拉瓦乔（Caravaggio），他们大量地使用了薄饼。彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）是一位在意大利学习的佛罗伦萨画家，曾在安特卫普的当地教会工作，并为玛丽·德·梅迪奇（Marie de Medici）绘制了一系列作品。 Annibale Carracci从西斯廷教堂受到影响，并创造了幻影天花板画的风格。巴洛克发生的大部分发展是因为新教改革和由此产生的反革命。巴洛克风格的大部分定义是戏剧性的照明和整体视觉效果。

印象：
印象派始于19世纪的法国，包括Claude Monet，Pierre-Auguste Renoir和PaulCézanne等艺术家的松散联系，他们为绘画带来了一种新的自由的风格，通常选择在现实生活中画出现实生活场景，而不是在演播室。这是通过一个新的表现，通过画笔笔画和现实的印象表现的美学特征。它们通过使用纯粹的未混合的颜色和短的笔触来实现强烈的颜色振动。这种运动将艺术作为一种动态，将时间推移并适应新技术和艺术观念。对于细节的关注，在实现这一点上并不是一个重中之重，而是探索艺术家眼中对景观和自然的偏见。

后印象派：
到十九世纪末，几位年轻的画家将印象派进一步引入了一个阶段，使用几何形式和不自然的色彩来描绘情感，同时努力实现更深刻的象征意义。特别值得注意的是，受到亚洲，非洲和日本艺术的强烈影响的是保罗·高更，文艺人梵高，一名搬到法国的荷兰人，在那里他吸引了南方的强烈阳光，图卢兹·劳特雷克（Toulouse-Lautrec）为他生动的绘画而记得在蒙马特巴黎地区的夜生活。

象征主义，表现主义和立体主义：
挪威艺术家爱德华·蒙克（Edvard Munch）在法国印象派马奈（Manet）的启发下，在19世纪末开发出了他的象征意义。尖叫（1893），他最着名的作品，被广泛地解释为代表现代人的普遍焦虑。部分由于蒙克的影响，德国的表现主义运动起源于二十世纪初的德国，因为像恩斯特·克希纳（Ernst Kirschner）和埃里希·赫克尔（Erich Heckel）这样的艺术家开始扭曲现实，感受情绪。与此同时，法国发展的立体派风格则以艺术家为重点，集中在组合中的尖锐结构的体积和空间。巴勃罗毕加索和乔治·布拉克是运动的主要支持者。物体以抽象的形式被分解，分析和重新组装。到二十世纪二十年代，这种风格与达利和马格里特发展成超现实主义。

版画：
为了艺术目的，版画正在为矩阵创建图像，然后通过油墨（或其他形式的色素沉淀）将图像转移到二维（平坦的）表面。除了单形式的情况之外，可以使用相同的矩阵来生成许多打印的例子。

历史上，涉及的主要技术（也称为介质）是木刻，线雕刻，蚀刻，光刻和丝网印刷（绢印，丝印），但还有许多其他技术，包括现代数字技术。通常，印刷品印在纸上，但其他介质的范围从布，牛皮纸到更现代的材料。主要版画传统包括日本（浮世绘）。

欧洲历史：
在1830年左右之前制作的西方传统印刷品被称为旧版印刷品。在欧洲，从公元1400年左右的木刻，被用于纸上的主打印，使用在拜占庭和伊斯兰世界开发的印刷技术。迈克尔·沃尔默特（Michael Wolgemut）从大约1475年改进了德国木刻，而荷兰人埃尔哈德·雷维奇（Erhard Reuwich）是第一个使用交叉孵化的人。在本世纪末，AlbrechtDürer将西方木刻带到了一个从未被超越的阶段，增加了单叶木刻的地位。

中国起源与实践：
在中国，印刷艺术发展了大约1,100多年前，作为插图，同时在纸上印刷木版画。最初的图像主要是宗教信仰，但在宋代，艺术家开始削减景观。在明朝（1368-1644）和清（1616-1911）朝代，这一技术对于宗教和艺术雕刻都是完美的。

日本发展1603-1867：
木版印刷在日本（日文：木版画，moku hanga）是一种以浮世绘艺术风格而闻名的技术;然而，它在同一时期也被广泛用于印刷书籍。中国已经使用木版印刷几个世纪以来印刷书籍，早在可移动式出版之前，却在江户时代（1603-1867年），在日本才被广泛采用。尽管在某些方面，西方版画中的木刻类似于木刻，但是在使用水性油墨（与使用油性油墨的西方木刻相反）的情况下，moku hanga的差异很大，允许广泛的生动的颜色，釉料和颜色透明度。

摄影
摄影是通过光的作用拍摄照片的过程。通过定时曝光将从物体反射或发射的光图案记录在敏感介质或存储芯片上。该过程通过机械快门或电子定时曝光进入化学处理或称为相机的数字化装置。

这个词来自希腊语词“φ”，表示“用光绘画”或“用线表示”或“绘图”。 “传统上，摄影的产物被称为照片。术语照片是缩写;许多人也称他们的照片。在数字摄影中，术语图像已经开始替代照片。 （术语图像在几何光学中是传统的。）

电影制作：
电影制作是从初期的概念和研究，脚本写作，拍摄和录制，动画或其他特殊效果，编辑，音乐和音乐作品制作动画的过程，最后分发给观众;它广泛地涉及所有类型的电影的创作，包括纪录片，影片中的戏剧和文学，诗歌或实验实践，并且经常被用来参考基于视频的过程。

电脑艺术
视觉艺术家不再局限于传统艺术媒体。自20世纪60年代以来，计算机被用作视觉艺术中更常见的工具。用途包括捕获或创建图像和表单，编辑这些图像和形式（包括探索多个作品）以及最终的渲染或打印（包括3D打印）。

电脑艺术是电脑在制作或展示中发挥作用的任何一种。这样的艺术可以是图像，声音，动画，视频，CD-ROM，DVD，视频游戏，网站，算法，性能或画廊安装。许多传统学科正在整合数字技术，因此，传统艺术品和使用电脑创作的新媒体作品之间的界限已经模糊不清。例如，艺术家可以将传统绘画与算法艺术和其他数字技术相结合。因此，通过其最终产品定义计算机艺术可能是困难的。尽管如此，这种艺术也开始出现在艺术博物馆展览中，尽管它尚未将其合法性证明为自己的形式，这种技术在当代艺术中被广泛地视为一种工具，而不是像绘画一样的形式。

计算机使用模糊了插画师，摄影师，照片编辑，3-D建模者和工艺品艺术家之间的区别。复杂的渲染和编辑软件导致了多技能的图像开发人员。摄影师可能会成为数字艺术家。插画师可能会成为动画师。工艺品可能是计算机辅助的或使用计算机生成的图像作为模板。电子剪贴画的使用也使视觉艺术和页面布局之间的明显区别不太明显，因为在分页文档，特别是非熟练观察者的过程中，可以容易地访问和编辑剪贴画。

塑胶艺术：
塑料艺术是一个术语，现在已经被大部分遗忘，包含通过模塑或建模如雕塑或陶瓷物理操纵塑料介质的艺术形式。该术语也适用于所有视觉（非文学，非音乐）艺术。

可以雕刻或成型的材料，如石头或木材，混凝土或钢，也被包括在较窄的定义中，因为使用适当的工具，这些材料也能够进行调节。需要引用的术语艺术中的“塑料”不应该与佩特蒙德里安的使用，也不应该与他所说的法语和英语“Neoplasticism”的运动相混淆。

雕塑：
雕塑是通过塑造或组合硬或塑料，声音或文字和/或光，通常是石头（岩石或大理石），粘土，金属，玻璃或木材而形成的三维艺术作品。一些雕塑通过发现或雕刻直接创造;其他的组装，组装在一起并发射，焊接，模制或铸造。雕塑经常被画。创造雕塑的人称为雕塑家。

因为雕塑涉及使用可以模制或调制的材料，所以被认为是塑料艺术之一。大多数公共艺术是雕塑。花园中的许多雕塑可以被称为雕塑花园。

雕刻家并不总是手工雕刻。随着20世纪技术的不断增加和概念艺术在技术上的普及，更多的雕塑家转向艺术制作者来制作艺术作品。通过制作，艺术家创造了一个设计，并为制作者付出代价。这样雕刻家可以通过水泥，金属和塑料等材料制作更大更复杂的雕塑，这样他们就无法手工制作。雕塑也可以用3-d印刷技术制作。